Yayoi Kusama – Découvre le célèbre artiste japonais à pois

Yayoi Kusama est l’une des artistes contemporaines les plus célèbres de notre époque. Surnommée la « princesse à pois », Kusama est une artiste japonaise qui se spécialise dans divers médiums, notamment l’installation, la sculpture, la performance et la peinture. Dans cet article, nous donnons un contexte à l’art de Yayoi Kusama en examinant comment son enfance, son éducation et sa santé mentale ont influencé son travail et sa vie.

Qui est Yayoi Kusama?

L’art de Yayoi Kusama est un puissant témoignage du pouvoir de guérison de l’art et de la résilience humaine. Kusama est une artiste japonaise qui est surtout connue pour son travail sur les pois. Dans ses jeunes années, Kusama a été maltraitée par sa mère insensible et a souffert de maladies mentales. Elle a souffert d’hallucinations et de troubles obsessionnels et a utilisé ces deux éléments comme source d’inspiration pour son travail artistique prolifique.

Aujourd’hui, Yayoi Kusama travaille depuis un hôpital psychiatrique et est saluée comme l’une des artistes les plus uniques et les plus résistantes de notre époque.

Enfance

Yayoi Kusama est née en 1929 à Matsumoto, au Japon, en tant que cadette d’une famille de quatre enfants. Ses parents étaient malheureux ensemble et il n’y avait pas d’amour dans leur mariage arrangé. Son père a été contraint de prendre le nom de famille de sa mère car il s’est marié à une famille beaucoup plus riche. Il s’est senti émasculé et a passé la plupart de son temps loin de la maison, à poursuivre d’autres femmes. Sa femme s’est sentie en colère et a déversé sa frustration sur la jeune Kusama, en abusant physiquement et émotionnellement de son plus jeune enfant. Jeune fille, Kusama est envoyée par sa mère pour espionner les expéditions sexuelles de son père. Kusama a ainsi développé toute sa vie une aversion pour le corps masculin et le sexe.

Quand Kusama avait dix ans, elle a commencé à avoir des hallucinations où des fleurs lui parlaient et des motifs de tissu l’enveloppaient.

Modèle en cire de Yayoi Kusama chez Louis Vuitton pour le dévoilement de la collection 2012 ; Garry Knight, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Dessiner ces hallucinations est devenu cathartique et thérapeutique pour elle, soulageant son anxiété. À l’âge de 13 ans, pendant la Seconde Guerre mondiale, Kusama est envoyée travailler dans une usine qui coud des parachutes. Elle passe son adolescence à travailler dans l’usine, à écouter les sirènes et les avions militaires. Ses talents de couturière lui seront plus tard utiles dans sa carrière, mais les traumatismes de la guerre la tourmenteront pendant des années.

Certaines des premières œuvres de Kusama étaient des pièces anti-guerre qui promouvaient la liberté et l’expression artistique.

Éducation précoce

La mère de Kusama voulait que sa fille devienne une bonne femme au foyer, mais elle a plutôt choisi d’étudier l’art à Masumoto et Kyoto. À cette époque, le Japon rejetait la culture occidentale. Pour cette raison, Kusama a été forcée d’étudier le Nihonga, un ancien style de peinture japonais. La jeune Kusama a montré son talent artistique dans des expositions à travers le Japon, mais les styles conservateurs allaient bientôt devenir trop contraignants pour elle.

Pour échapper aux traditions conservatrices du Japon et à sa mère étouffante, Kusama décide de partir pour les États-Unis en 1957, où elle finira par s’installer à New York en 1958.

Carrière mature

En Amérique, Kusama a eu la liberté de s’exprimer de façon créative comme elle n’aurait jamais pu le faire au Japon. Elle a un jour déclaré que le Japon était trop critique à l’égard des femmes et que son art avait besoin « d’un monde plus large ». Alors qu’elle vivait au Japon, Kusama s’est liée d’amitié avec Georgia O’Keeffe. Cette amitié s’est révélée extrêmement fructueuse lorsque Kusama s’est installée aux États-Unis. O’Keefe aide Kusama à exposer et à vendre ses œuvres en Amérique. Elle l’a également présentée à la communauté artistique de New York, qui était intriguée par l’artiste étrangère.

Kusama est rapidement devenue une grande amie de Donald Judd. Judd sera l’un des premiers à acheter l’une des peintures de Yayoi Kusama de la série Infinity Net . 

À cette époque, Kusama se rapproche également de l’artiste d’assemblage Joseph Cornell. Cornell est tombé profondément amoureux de Kusama. Il lui écrit des lettres et la dessine nue. Kusama, cependant, ne voyait Cornell que comme un ami, ses traumatismes d’enfance l’empêchant d’avoir des relations sexuelles. Son amour pour Cornell était cependant indéniable et lorsqu’il est décédé en 1972, Kusama a commencé à créer des collages en son honneur.

Yayoi Kusama Exposition en Israël montrant des peintures et des installations artistiques (2022) ; Lizzy Shaanan Pikiwiki Israël, CC BY 2.5, via Wikimedia Commons.

Kusama a pleinement adopté l’état d’esprit libre de la culture hippie des années 1960 en Amérique. Elle a travaillé sans relâche pour créer des œuvres qui s’opposaient à la guerre, au capitalisme et au patriarcat. En combinant ces questions sociales pressantes de l’époque avec ses propres insécurités et angoisses, Kusama a créé des œuvres à la fois profondément personnelles et tout à fait contemporaines. Elle a expérimenté divers médiums, notamment le dessin, la peinture, la sculpture, l’installation, la mode et la performance.

Kusama a été saluée par les critiques d’art pour ses innovations audacieuses et uniques, et bientôt l’artiste en difficulté a gagné sa renommée. 

Alors que Kusama jouissait de sa célébrité, elle s’est surmenée. Après le décès de Cornell, Kusama, surmenée et mentalement épuisée, décide de retourner au Japon en 1973 afin de se faire soigner pour sa santé mentale et physique mise à rude épreuve. Pendant son séjour au Japon, Kusama se consacre à l’écriture surréaliste et au développement d’une ligne de mode expérimentale. En 1977, on diagnostique chez Kusama une névrose obsessionnelle compulsive. Avec ce diagnostic, Kusama décide de se faire admettre à l’hôpital psychiatrique de Seiwa. Ayant fait de l’hôpital sa maison, elle a choisi d’y vivre et d’y travailler depuis.

Fin de carrière

En 1993, Kusama est invitée à représenter le Japon à la 45e Biennale de Venise. Cela a considérablement renouvelé l’intérêt pour son travail. Ses Infinity Mirror Rooms sont devenues parmi les installation art les plus célèbres au monde. On voit souvent Kusama sur des photos, posant avec ses œuvres excentriques. Sur ces photos, on la voit poser avec son emblématique perruque rouge et des tenues à pois assorties à ses œuvres.

L’une des premières peintures Infinity Net de Kusama, que Judd possédait autrefois, a établi en 2008 un record de vente aux enchères pour le prix le plus élevé atteint par une artiste féminine vivante.

Dots Obsession (2013 – 2016) de Yayoi Kusama; M.Ahmadani, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

En 2017, les portes du musée Yayoi Kusama se sont officiellement ouvertes. Le musée Yayoi Kusama, basé à Tokyo, au Japon, a été fondé par Kusama elle-même et est géré par la Fondation Yayoi Kusama. Le musée fait la promotion des œuvres de Kusama en organisant deux expositions par an, ainsi que des conférences et divers autres événements. Le musée Yayoi Kusama vise à créer une expérience amusante et inclusive pour tous afin de connecter des personnes d’horizons divers à l’art contemporain. Tu peux aussi en savoir plus sur Yayoi Kusama sur Barnebys.com.

Important de l’art de Yayoi Kusama

Une œuvre d’art de Yayoi Kusama est immédiatement reconnaissable à ses motifs colorés audacieux et à son style excentrique. Ses œuvres sont à la fois uniques par leur caractère et leur profondeur. Le travail de Kusama a influencé diverses disciplines artistiques, notamment l’art visuel, la mode, l’architecture et le design. Elle a également collaboré avec des maisons de couture prestigieuses comme Louis Vuitton, affirmant qu’elle souhaitait partager ses « pensées artistiques et sa philosophie avec tout le monde ». Bien que son travail soit devenu extrêmement populaire dans le monde entier, il reste profondément personnel car il est imprégné des défis et des expériences personnelles de l’artiste. Dans la section suivante, nous expliquons brièvement un ensemble de peintures, de sculptures et d’installations de Yayoi Kusama.

No. F (Infinity Net Series) (1959)

Cette œuvre d’art de Yayoi Kusama est l’une des premières œuvres qu’elle a créées après avoir déménagé à New York. On peut voir dans l’œuvre un sentiment de liberté qui reflète la liberté que Kusama a connue aux États-Unis, surtout si on la compare à ses conditions de vie au Japon. L’œuvre est entièrement expérimentale et gestuelle. Néanmoins, elle reste douce et constitue une approche beaucoup plus douce et tranquille des œuvres abstraites des expressionnistes abstraits créées à l’époque.

Ce que l’on voit n’est en fait pas des pois, mais l’inverse. Des réseaux en boucle sans fin réalisés avec une peinture à l’huile couleur os sont peints gestuellement sur la surface de la toile avec une épaisseur et une viscosité variées.

Le réseau continu de lignes donne lieu à des espaces négatifs où la couleur de fond plus sombre commence à ressembler à des pois. Il y a dans cette œuvre une obsession qui deviendra un identifiant important du style de Kusama tout au long de sa carrière. Ce processus chronophage, explique l’artiste, est devenu pour elle un processus cathartique et thérapeutique qui lui a permis de mieux faire face à ses angoisses.

Accumulation n° 1 (1962)

Accumulation n° 1(1962) est considérée comme la première sculpture de Kusama. Dans cette œuvre, Kusama a donné une nouvelle vie à un vieux fauteuil abandonné. Travaillant avec l’idée de l’objet trouvé, Kusama transforme la forme et la signification du fauteuil en cousant à la main des centaines de formes en tissu rembourré sur le fauteuil et en le peignant en blanc. Les formes sont grumeleuses, allongées et irrégulières ; chacune est unique. Les protubérances de type phallique sont répétées sur la surface de l’objet, ce qui lui donne l’apparence de pousser hors de la chaise.

La qualité obsessionnelle du travail de Kusama que l’on peut voir dans sa peinture Infinity Nets prend une forme plus corporelle dans sa série Accumulations . La répétition obsessionnelle de formes douces donne à l’œuvre une surface monstrueuse avec un effet d’ondulation et de tortillement.

L’œuvre vit entre l’espace de l’agression et de l’humour, du phallique et de l’enfantin. Comme pour sa peinture, la fabrication répétitive des œuvres sculpturales de Kusama devient un moyen de lutter contre son anxiété. Cette œuvre, cependant, a une autre dimension si l’on considère l’aversion de Kusama pour le corps masculin et l’expression sexuelle.

Si l’on examine l’œuvre d’un point de vue féministe, les formes phalliques douces des chaises peuvent être considérées comme un défi au patriarcat. Dans cette œuvre, Kusama subvertit le symbole sexuel du pouvoir et de la domination masculins en les représentant non pas comme des êtres forts et parfaits, mais plutôt comme des êtres mous et bizarres. Elle fabrique également ces formes avec du textile et de la couture, ce qui est traditionnellement considéré comme un « travail de femme ». Le simple fait de réaliser l’œuvre et de donner une forme visuelle à ses pensées permet à Kusama d’abandonner le rôle de la femme passive. C’est aussi un défi contre les souhaits de sa mère qui voulait qu’elle devienne une femme au foyer « obéissante ».

Jardin de narcisses (1966)

Yayoi Kusama n’a jamais été officiellement invitée ni n’a reçu l’autorisation de participer à la 33e Biennale de Venise en 1966. Malgré cela, Kusama a tout de même arrangé une installation de 1500 globes en plastique argentés à miroirs à l’extérieur du pavillon italien. Parallèlement à cette installation, Kusama a mis en scène sa première performance réussie, intitulée Narcissus Garden(1966). Les globes argentés étaient installés étroitement les uns à côté des autres, leurs surfaces réfléchissantes créant l’illusion d’un champ réflexif infini de boules argentées.

Le titre de l’œuvre est inspiré du mythe grec de Narcisse, qui admirait tellement son propre reflet dans l’eau que cela l’a poussé à se noyer. Les visiteurs qui font l’expérience de l’installation sont confrontés à des versions apparemment infinies de leur propre reflet, ce qui les encourage à faire face à leurs propres vanités.

Jardin de Narcisses,de Yayoi Kusama, tel qu’installé en 2014 au Domaine du Muy, France ; Simon Lamuniere, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

L’installation comportait également deux panneaux sur lesquels on pouvait lire : « JARDIN DE NARCISSUS, KUSAMA » et « VOTRE NARCISSISME À VENDRE ». Lors de l’ouverture de la Biennale, Kusama a passé la première semaine à se produire, vêtue d’un kimono doré. Pour la représentation, elle s’est fait passer pour un vendeur de rue vendant les boules en plastique brillantes pour deux dollars. Elle a également distribué des tracts citant les éloges du critique d’art Herbert Read sur son travail. Alors que les fonctionnaires l’ont forcée à cesser sa « mendicité », l’installation des boules est restée à l’extérieur du pavillon italien jusqu’à la fin de la Biennale. L’installation de Narcissus Garden a été commandée et réinstallée dans divers cadres au fil des ans.

Potiron (1994)

Cette œuvre célèbre a été la première sculpture publique en plein air de Kusama. L’œuvre a été spécialement créée pour le Benesse Art Site sur l’île de Naoshima au Japon. Elle présente des rangées de points noirs parsemant une citrouille jaune géante. La taille, la forme et la coloration de la citrouille donnent à la sculpture une qualité de dessin animé excentrique.

Kusama explique souvent son amour pour la citrouille de tous les jours, la décrivant comme son alter-ego.

L’œuvre de Yayoi Kusama, The Spirits of the Pumpkins Descended into the Heavens (2015), telle qu’exposée à la National Gallery of Australia à Canberra, en Australie ; Ncysea, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Son amour pour les citrouilles a commencé dans la pépinière de son enfance et elle affirme avoir vu une citrouille pour la première fois à l’école primaire et lorsqu’elle a visité une usine de récolte de graines avec son grand-père. Depuis, elle est tombée amoureuse de sa forme bulbeuse à la fois humaine et comique. La citrouille à pois de Kusama allait bientôt devenir synonyme à la fois de sa pratique et de sa personnalité. 

Obliteration Room (2002 – présent)

Obliteration Room (2002-présent) est une série continue d’installations qui commence comme une remise en scène d’un espace domestique quotidien au sein de la galerie. Dans l’espace d’une galerie, Kusama mettait en scène l’intérieur d’une maison typique, notamment en changeant le sol, en installant des ventilateurs, en ajoutant des meubles, des plafonds, du papier peint et des objets ménagers typiques.

Toute la scène serait peinte en blanc, comme si l’espace domestique était une sorte de toile vierge. Les participants seraient ensuite invités dans l’espace et recevraient des autocollants ronds de différentes tailles et couleurs.

Obliteration Room après une participation massive (2011, première mise en scène en 2002 à la Queensland Art Gallery); Stephan Ridgway, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Initialement destiné aux enfants, mais ouvert à tous, chaque visiteur peut ensuite coller les autocollants de points de couleur sur toutes les surfaces qu’il souhaite à l’intérieur de l’espace. Finalement, la pièce entièrement blanche se transformera complètement en une pièce surréaliste à pois. L’installation donne aux gens la liberté d’ignorer les règles typiques des musées qui nous disent de « regarder, mais ne pas toucher ».

Salle miroir de l’infini – Les âmes de millions d’années-lumière d’ici (2013)

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La série Infinity Mirror Room de Kusama est l’une des expériences les plus immersives de toutes ses œuvres d’installation.  Dans Infinity Mirror Room – The Souls of Millions of Light Years Away (2016), Kusama a tapissé de miroirs un espace complètement sombre. L’espace est ensuite rempli de petites lumières LED qui sont suspendues au plafond.

Scintillant selon des motifs rythmiques, les lumières se reflètent sur les miroirs et créent l’illusion d’un espace sans fin rempli de minuscules points pulsants. Le spectateur se tient dans l’espace comme s’il était au milieu de l’univers infini rempli d’étoiles scintillantes à perte de vue.

Une installation Infinity Room de Yayoi Kusama ; Pablo Trincado de Santiago du Chili, Chili, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Pour ajouter à cet effet méditatif, un seul visiteur est autorisé à entrer dans la salle cosmique à la fois. Les spectateurs sont incités par l’expérience à contempler leur existence dans l’échelle plus vaste de la vie et beaucoup ont rapporté que l’œuvre les avait amenés à réfléchir au sens de la vie et de la mort.

Yayoi Kusama est l’une des artistes japonaises contemporaines les plus importantes de notre époque. Sa renommée s’étend au monde entier, et son travail est devenu immédiatement reconnaissable dans diverses disciplines créatives, notamment l’art, la mode et le design. Son travail a suscité de nouveaux mouvements artistiques et influencé de nombreux artistes, dont Andy Warhol, Yoko Ono et Damien Hirst. Toujours en avance sur son temps, l’œuvre de Kusama n’est pas seulement populaire, elle est aussi profondément personnelle. Son histoire continue d’inspirer d’innombrables personnes qui luttent contre des problèmes de santé mentale et des troubles obsessionnels.

Questions fréquemment posées

Pourquoi Yayoi Kusama aime-t-elle les citrouilles?

Kusama a expliqué dans une interview qu’elle a un amour d’enfant pour les citrouilles en raison de leur forme humoristique, de leur sentiment de chaleur et de leur qualité semblable à celle de l’homme.  Kusama utilise la citrouille de la même manière que Warhol utilise la boîte de soupe. Kusama et Warhol utilisent tous deux leur licence artistique pour élever l’objet quotidien au rang de fine art.

Pourquoi Yayoi Kusama utilise-t-elle des pois?

L’utilisation des pois par Kusama est inspirée par les hallucinations qu’elle a vécues lorsqu’elle était enfant. Elle explique que dans l’une de ces hallucinations, elle se trouvait dans un champ de fleurs. Dans le champ, les fleurs ont commencé à lui parler, leurs têtes devenant des points aussi loin qu’elle pouvait voir. Elle continue d’expliquer qu’elle avait l’impression de se désintégrer, devenant une partie de l’infinité des points. Les points peupleront plus tard les peintures, les sculptures, la mode et les installations de Yayoi Kusama. Dans ces œuvres, Kusama cherche à faire en sorte qu’elle-même et son travail fassent partie de l’univers.