Romantisme Art – Regarde le style d’art qui ont défini l’époque

La période romantique est l’une des périodes les plus importantes de l’histoire car elle a influencé notre façon de penser à la vie, à l’amour, au travail, à la famille et à la nature. Cette influence s’est répandue si profondément dans l’esprit des gens du monde entier que jusqu’à aujourd’hui, la plupart d’entre nous sont « romantiques » dans certains aspects de notre sensibilité. Si tu te demandes de quelles manières tu pourrais être « romantique » ou si tu veux découvrir ce qu’est vraiment la littérature artistique romantique et comment elle affecte encore notre société aujourd’hui, alors cet article est fait pour toi!.

Qu’est-ce que le romantisme?

Le romantisme est souvent compris à tort comme quelque chose qui est lié à l’amour ou à l’engouement. Bien que nos idées sur l’amour et les relations puissent être influencées par les idéaux romantiques, le romantisme en tant que mouvement historique va bien au-delà des concepts de l’amour. Le romantisme n’est pas non plus une guerre ou un événement politique. En fait, il n’y a pas de véritable définition du Romantisme, mais il est mieux compris comme une nouvelle philosophie de vie qui a émergé en réaction contre la civilisation moderne qui s’est rapidement développée au 18^e siècle.

Le romantisme a d’abord émergé dans le travail des poètes, des philosophes et des artistes. Il est donc utile d’examiner le romantisme dans la littérature et les arts visuels pour comprendre ce qui se trouve au cœur du romantisme.

Le voyage de la vie : Enfance (1842) par Thomas Cole; Thomas Cole, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Caractéristiques du romantisme

La définition du romantisme implique un ensemble de caractéristiques différentes qui rendent quelque chose « romantique ». Les sections ci-dessous explorent certains événements cruciaux de l’histoire qui ont contribué à façonner les idéaux du romantisme. Beaucoup de ces événements ont impliqué l’effet de la littérature du Romantisme sur la façon dont la société voyait le monde en développement. Chacun de ces événements raconte une histoire qui explique les différentes caractéristiques du Romantisme.

Le voyage de la vie : jeunesse (1842) de Thomas Cole; Thomas Cole, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Moments de l’histoire qui ont façonné le romantisme

Le romantisme peut être placé approximativement entre les années 1800 et 1860. Le mouvement romantique peut être considéré comme une réponse aux changements rapides qui ont transpiré dans les sociétés occidentales en raison de la révolution industrielle.

La Révolution industrielle a apporté une nouvelle économie de marché basée sur les machines et la technologie, et elle s’est répandue de l’Angleterre à la France, puis au reste de l’Europe et à l’Amérique. Le résultat a été une industrialisation, une urbanisation et un consumérisme en constante augmentation. Les villages sont devenus des villes animées et les gens ont quitté les fermes pour accepter des emplois aux horaires éreintants dans les usines.

La coulée de fer en blocs (c. 1890) par Herman Heyenbrock; Herman Heijenbrock, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les idéaux des Lumières tels que la pensée rationnelle, la science et les preuves empiriques, ainsi que la nouvelle volonté d’efficacité et de production de la société, ont pris le pas sur tout le reste. Les villes sont devenues surpeuplées et sales, et de nombreuses personnes ont souffert de la pauvreté.

Le romantisme est amené par une nostalgie de l’époque précédant les révolutions industrielles et offrant des idéaux sociétaux qui ont été combattus contre les idéaux de l’ère des Lumières.

Le livre de Jean-Jacques Rousseau sur l’éducation des enfants

En 1762, le philosophe suisse, Jean-Jacques Rousseau, a publié un livre intitulé Emile ou Sur l’éducation. Le livre portait sur la façon d’élever les enfants et faisait l’éloge de la douceur, de l’innocence et de la spontanéité des enfants tout en condamnant le monde oppressant des adultes.

Le livre de Rousseau est une réponse au monde qui l’entoure, qui est devenu de plus en plus rationnel, bureaucratique, raisonnable et scientifique.

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Portrait de Jean-Jacques Rousseau (c. 18e siècle) par Maurice Quentin de La Tour ; Maurice Quentin de La Tour, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Tout au long de l’histoire occidentale, la maîtrise de soi et la discipline ont été des traits très admirés chez les enfants, censés favoriser la raison et la brillance à l’âge adulte. L’accent délibéré que met Rousseau sur la nature libre de l’enfant, la louant comme la graine de la créativité et de la brillance, est l’un des premiers exemples de la littérature du romantisme.

Cela allait avoir un effet massif sur le développement de la période romantique.

La mort de Thomas Chatterton

En l’an 1770, à Londres, un beau poète de 17 ans appelé Thomas Chatterton s’est suicidé. Chatterton avait l’impression que la vie ne valait pas la peine d’être vécue car personne ne voyait la valeur de sa poésie. Aucune de ses tentatives pour faire publier ses œuvres n’avait abouti, et sa famille l’a poussé à devenir avocat, pour suivre une vie plus raisonnable et plus stable.

La nouvelle du suicide du poète s’est vite répandue, et bientôt le poète a eu un public passionné de personnes qui voulaient que justice soit faite pour le poète.

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Chatterton (1856) de La mort de Chatterton série de Henry Wallis ; Henry Wallis, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Chatterton est devenu une icône qui représente l’idée du créatif sensible qui est condamné dans le monde industriel et consumériste cruel. Cette idée est devenue très importante dans la période romantique et de nombreux autres « héros romantiques » suivront, notamment Vincent van Gogh.

Nous voyons ces héros romantiques dans l’histoire plus récente aussi, avec des exemples comprenant des icônes comme Kurt Cobain et Amy Winehouse.

Les peines du jeune Werther de Goethe

En 1774, l’auteur allemand, Goethe, a publié un roman romantique qui met en évidence un autre exemple des caractéristiques du romantisme. Le livre, intitulé Les douleurs du jeune Werther, raconte l’histoire d’un amour passionné, mais impossible, entre Werther, un jeune poète, et une femme appelée Charlotte. Le jeune Werther éprouve un amour profondément passionné et irrationnel pour Charlotte. Cet amour est voué à l’échec dès le départ car Charlotte est déjà mariée.

Werther est dans une position similaire à celle du héros romantique iconique, Chatterton. Werther, comme Chatterton, aime aussi la poésie et l’art par-dessus tout, mais il est contraint d’embrasser une carrière plus rationnelle.

Johann Wolfgang von Goethe (1828) par Karl Joseph Stieler ; Karl Joseph Stieler, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Werther, cependant, ne peut pas suivre une telle vie et continue de poursuivre l’amour de la belle Charlotte. L’angoisse de leur amour voué à l’échec devient trop dure à supporter pour Werther, et à la fin, il se suicide lui aussi. Au lieu d’être condamné pour son impulsivité et son irrationalité, Werther est loué et admiré pour sa passion et son amour inconditionnels.

Goethe écrit le roman de telle sorte que le lecteur éprouve une profonde sympathie pour le torturé Werther. Le livre est devenu extrêmement populaire, vendant des millions d’exemplaires et recevant les plus grands éloges de Napoléon. Le livre a profondément affecté la façon dont la société voyait l’amour.

L’idée que se font les Romantiques de l’amour et du mariage est désormais façonnée autour d’une passion intense et de démonstrations dramatiques d’émotions. Cette passion, pour le romantique, est considérée comme beaucoup plus désirable que le raisonnement rationnel et traditionnel du mariage pour la lignée, le statut et l’argent.

La poésie de William Wordsworth

William Wordsworth est sans doute l’une des personnes les plus célèbres de la littérature du romantisme. En 1799, Wordsworth a emménagé dans un cottage Dove dans le Lake District en Angleterre avec sa sœur. Dans ce cottage, Wordsworth écrira des poèmes impressionnants pendant plus de neuf ans et deviendra l’un des poètes les plus célèbres de la littérature anglaise.

La poésie de Wordsworth se concentrait sur la beauté et l’importance de la nature, quelque chose qui était de plus en plus menacé avec la montée de l’industrialisation. Sa poésie illustrait son mépris absolu pour la technologie, l’industrie et les machines.

Wordsworth sur Helvellyn (1842) par Benjamin Haydon ; Benjamin Haydon, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La poésie de Wordsworth était aimée par beaucoup, et ses partisans étaient de plus en plus nombreux, luttant ensemble pour la protection du monde naturel. L’amour du monde naturel est devenu l’une des caractéristiques les plus importantes du romantisme.

Les romantiques défendaient une vie simple, immergée dans la nature, et s’élevaient contre l’industrie et la vie citadine trépidante.

Résumé des caractéristiques du romantisme

Les exemples ci-dessus nous ont donné un aperçu des philosophies qui étaient importantes pour les romantiques, et de la façon dont ces idées sont nées. Ainsi, pour répondre à la question « qu’est-ce que le romantisme », nous pouvons le définir comme une collection des caractéristiques du romantisme suivantes. En combinant et en appliquant ces caractéristiques, on peut arriver à une idée de définition du Romantisme :

• Le romantisme était une révolte contre l’industrialisation et les conditions de vie des gens dans les nouvelles villes qui étaient si motivées par le consumérisme.
• Le romantisme valorise l’individualisme et les sentiments et les passions de l’individu subjectif.
• Le romantisme valorise la passion et l’amour au-dessus de la raison et de la rationalité.
• Le romantisme prend le parti de l’individu troublé et du paria.
• Le romantisme est nostalgique de l’époque où les gens vivaient une vie plus simple, en harmonie avec la nature.
• Le romantisme voit la nature comme toute-puissante et méprise les technologies et les machines faites à la main.

Peintures célèbres du romantisme

Dans les arts visuels, beaucoup de peintres romantiques ont utilisé des images de la nature dans leurs œuvres. Les peintures de paysages dépeignaient souvent le monde naturel comme étant vaste, dramatique et imprévisible. Ces peintures de paysages offraient un contre-pied au monde apparemment ordonné et contrôlé de l’ère des Lumières.

À travers leurs œuvres, les peintres romantiques ont rappelé la notion de Sublime du 18^e siècle. Les peintures du Romantisme de la fin du 18^e siècle et du début du 19^e siècle contenaient souvent des images de naufrages et de la puissance de la nature contre la fragile mortalité de l’humanité.

L’idée est que l’homme ne pouvait atteindre le Sublime que lorsqu’il était confronté à des moments de terreur. Parmi les exemples d’œuvres de ce genre, on trouve La Raft de la Méduse (1819) de Théodore Géricault et les nombreuses peintures de J.M.W. Turner sur les tempêtes en mer et les naufrages. Caspar David Friederich est un autre artiste romantique qui a peint dans ce style.

The Hay Wain (1821) de John Constable; John Constable, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’art du romantisme, cependant, comprend plus que le pouvoir dramatique de la nature, les tempêtes et les naufrages. De nombreux artistes de la période romantique montrent également des paysages paisibles et vastes. Les paysages de la campagne anglaise de John Constable en sont un exemple.

Ce type de peintures de paysages correspond davantage à la poésie de Wordsworth et à la nostalgie d’une vie plus simple, immergée dans la nature. Les paysages naturels de Constable semblent également imprégnés de ses sentiments à l’égard d’un lieu.

Cette focalisation sur le lien émotionnel avec le paysage met en avant une autre caractéristique du romantisme : l’importance de l’individu subjectif.

Mazeppa et les loups (1826) par Horace Vernet ; Horace Vernet, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’accent mis par le romantisme sur l’individu subjectif est apparu dans les portraits romantiques. Alors que de nombreux portraits peints au cours du siècle des Lumières étaient stoïques et symbolisaient le statut et la classe, les peintres romantiques étaient plus intéressés par l’illustration de la psyché d’une personne.

Le peintre Géricault, par exemple, a réalisé une série de portraits de patients psychiatriques.

Il a également peint des portraits d’enfants qui étaient sombres et inquiétants, communiquant quelque chose sur la santé mentale de l’enfant et ses conditions d’enfance. Géricault a accordé une attention émotionnelle similaire à ses peintures d’animaux. Eugène Delacroix est un autre artiste important de la période romantique qui a également peint des animaux en plus de ses célèbres peintures dramatiques de la révolution. Les sections ci-dessous examinent de plus près certaines des peintures les plus appréciées du Romantisme.

Le Troisième Mai 1808 (1814) par Francisco Goya

Francisco Goya était un peintre et un graveur espagnol. De nombreuses personnes débattent pour savoir si le style de Goya était plus proche du classisme, du réalisme ou du romantisme. Bien qu’il y ait des fils de réalisme dans l’œuvre de Goya, et bien qu’il ait reçu sa formation dans un style plus classique, Goya est considéré par la plupart comme le plus grand peintre de la période romantique.

Les caractéristiques de l’art romantique qui sont si importantes dans l’œuvre de Goya comprennent son style de peinture émotif et ses coups de pinceau, ainsi que l’accent qu’il met sur la subjectivité individuelle et ses propres sentiments et émotions. Son tableau Le Troisième Mai 1808 (1814) est une œuvre passionnée qui est romantique à souhait.

Cette peinture de Goya illustre un événement historique. En 1808, Napoléon, alors empereur de France, a conquis l’Espagne. Le 2 mai, les Espagnols se sont rebellés contre l’occupation française, et le 3 mai, les rebelles ont été rassemblés et fusillés. Le moment de la fusillade est capturé dans la peinture émouvante de Goya. Goya a réalisé ce tableau à la peinture à l’huile, par opposition à la gravure ou à l’aquarelle, et l’a peint sur un très grand tableau, ces deux décisions signalant l’importance du tableau pour l’artiste.

Le Troisième Mai 1808 (1814) par Francisco Goya; Francisco de Goya, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le tableau est constitué d’une composition très forte, avec des zones sombres contrastant fortement avec les zones claires. Le point central de l’œuvre est une victime vêtue de blanc, les bras tendus. Le personnage a l’air soucieux et préoccupé. Le piège de la victime est accentué par la façon dont le peintre l’a ajouté contre une colline dans le paysage.

Ses bras tendus rendent sa silhouette christique et il y a même des ombres profondes sur sa main tendue qui rappellent les marques sur les mains de Jésus. La victime devient un martyr et un héros dans le tableau de Goya, ce qui est très aligné sur la priorité accordée à l’individu par le romantisme.

Le paysage dans ses tons sombres est dramatique, et Goya utilise les ombres de manière experte pour donner un sentiment de mouvement et d’urgence à l’œuvre. Même les coups de pinceau de Goya semblent expressifs et faits à la hâte, ce qui ne fait qu’ajouter au sentiment d’urgence de l’œuvre. Ce style expressif insuffle de l’énergie à l’œuvre et le coup de pinceau gestuel de l’artiste donne à l’œuvre un sentiment de puissance.

Le deuxième mai 1808 (1814) par Francisco Goya ; Francisco de Goya, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’accent mis sur la subjectivité et l’individualisme dans l’œuvre est renforcé par la peinture dramatique de Goya car elle communique la présence de l’artiste et l’immédiateté de l’œuvre, nous indiquant qu’il était important pour Goya de rendre visible ses propres sentiments sur l’événement. Cette présence de l’artiste va à l’encontre du style néoclassique dominant à l’époque et qui exigeait des coups de pinceau propres et une présence intemporelle.

Goya utilise également la lumière dramatique de l’œuvre pour communiquer ses sentiments sur le bien et le mal. Les visages des victimes sont éclairés et l’émotion dans leurs expressions est clairement visible. Les soldats, en revanche, ont le dos tourné aux spectateurs et même leur dos est peint dans des tons sombres. Nous ne pouvons voir aucune émotion chez les soldats et Goya les rend donc machinaux en supprimant les traces de leur humanité.

Goya a également réalisé un autre tableau qui illustre les événements de la veille de la fusillade, intitulé Le deuxième mai 1808 (1814).

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Le vagabond au-dessus de la mer de brouillard (1818) de Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich était un peintre paysagiste allemand de l’ère romantique qui créait souvent des œuvres sombres et atmosphériques, contemplatives et fantomatiques. Les œuvres de Friedrich représentaient souvent l’homme comme étant petit et insignifiant face à l’immensité et à la grandeur de la nature, une caractéristique typique du romantisme.

Même lorsque le romantisme a pris fin au milieu du 19^e siècle, Friedrich est resté fidèle à son style. Le vagabond au-dessus de la mer de brouillard (1818) est une peinture à l’huile qui est devenue l’une des œuvres les plus représentatives du romantisme.

Wandered Above the Sea of Fog (1818) de Caspar David Friedrich ; Caspar David Friedrich, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le tableau illustre un homme, dos au spectateur, qui se tient sur un précipice rocheux, observant contemplativement l’océan et les rochers. Au loin, les montagnes couvertes de brouillard et de brume sont fantomatiques. Le brouillard semble continuer indéfiniment et finalement, il fait simplement partie du ciel à l’horizon.

On dit que le tableau reflète la propre nature contemplative de Friedrich et Friedrich lui-même a commenté une fois que l’artiste devrait peindre ce qu’il voit en lui-même, et pas seulement ce qu’il voit dans le monde extérieur. La peinture a eu un effet remarquable sur la société occidentale et surtout sur l’alpinisme en tant que hobby.

Le tableau a créé l’idée que se tenir au sommet d’une montagne et réfléchir intérieurement, est quelque chose qui doit être admiré, ce qui est une idée qui n’existait pas vraiment avant l’ère romantique mais qui est néanmoins devenue une image commune même dans nos sociétés contemporaines aujourd’hui.

Le Radeau de la Méduse (1819) de Théodore Géricault

Le Radeau de la Méduse a été peint deux ans après que le navire de guerre français, appelé la Méduse, a navigué vers le Sénégal en Afrique de l’Ouest, avec trois autres navires. Le Sénégal était une colonie française à l’époque. Cependant, le Medusa s’est échoué à cause d’un capitaine inexpérimenté et il y avait une pénurie de canots de sauvetage. Seuls les passagers de la classe supérieure ont été autorisés à monter dans les canots de sauvetage, et le reste des passagers a dû construire un radeau de fortune pour 147 personnes.

Initialement, le canot de sauvetage devait tirer le radeau avec lui, mais par cruauté et lâcheté, la corde qui les reliait a été coupée. Le radeau est resté à la dérive pendant 13 jours, et 20 hommes ont été assassinés dès la première nuit. Ce qui a suivi, ce sont des histoires brutales de meurtre, de famine, de mutinerie et même de cannibalisme. Au quatrième jour, seules 67 personnes avaient survécu. Lorsque le radeau a été retrouvé 13 jours plus tard, seules 15 personnes avaient survécu.

La peinture controversée de Géricault est basée sur cet événement. Géricault était très délibéré dans sa tentative de rendre sa peinture provocante, et il avait visité des morgues et gardé des parties de corps coupés dans son atelier pour les étudier et les peindre de manière aussi réaliste que possible. Il a également peint les visages de certains des survivants du radeau, notamment celui d’Alexandre Corréad, qui était ingénieur sur le navire et co-auteur d’un livre sur son expérience sur le radeau.

Jean-Louis-André-Théodore Gericault (1822 – 1823) par Horace Vernet; Horace Vernet, CC0, via Wikimedia Commons.

Le visage d’Henri Savigny, médecin sur le navire et coauteur du même livre, a également été inclus dans la peinture. Ce sont les récits de Corréad et de Savigny qui inspireront la composition du tableau de Géricault. Un autre survivant, Lavillette, charpentier sur le navire, a construit un modèle réduit du radeau que Géricault utiliserait comme référence dans son œuvre. Le portrait de Lavillette a également été inclus dans le tableau.

La peinture représente le moment où le navire de sauvetage apparaît à l’horizon, avec les passagers du radeau qui tentent désespérément de signaler leur emplacement. Le navire de sauvetage ne les a cependant pas vus tout de suite et est passé devant. Le moment dépeint dans le tableau est donc celui du désespoir le plus total et montre le désespoir des passagers.

Le tableau est massif, près de cinq mètres sur sept, ce qui donne l’impression que son contenu dramatique est grandeur nature et accablant. Le désespoir des passagers pourrait être le reflet du propre état émotionnel de Géricault au moment de la réalisation de l’œuvre, car il a été contraint de rompre une relation amoureuse qu’il entretenait avec sa tante mariée.

Le Radeau de La Méduse (Le Raft of the Medusa) (1819) de Théodore Géricault; Théodore Géricault, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Avec toutes les recherches et références de Géricault, la peinture, bien qu’imaginée, a fini par être une représentation très fidèle des événements qui se sont déroulés. Les peintures historiques étaient considérées comme la plus haute forme d’art dans la peinture occidentale de l’époque, représentant toujours un héros clair. La peinture d’histoire était normalement patriotique et noble. La peinture de Géricault est allée à l’encontre de ces attentes ; elle a plutôt fait une peinture qui mettait en évidence les horreurs et le comportement honteux de citoyens supposés de la classe supérieure, s’assassinant les uns les autres et ayant recours au tabou ultime du cannibalisme.

L’œuvre était controversée non seulement pour sa déclaration anti-royauté qui scandalisait la haute société, mais aussi parce que le personnage principal de l’œuvre est un homme noir. Cette œuvre a été réalisée à l’époque de l’esclavage, et faire d’un homme noir le héros d’une œuvre d’art a été jugé « offensant » par l’élite. L’homme noir au sommet de la composition, qui signale son aide quand les autres ont perdu tout espoir, est Jean Charles, le seul survivant noir.

Malgré l’accent mis par Géricault sur l’exactitude, il a décidé de planter la scène au milieu d’une tempête. Les tempêtes sont très caractéristiques de la peinture romantique, et elles ont ajouté beaucoup d’émotion et de drame à l’œuvre. L’artiste a également utilisé une lumière dramatique, en se servant des forts tons clairs et foncés de l’œuvre pour évoquer le mouvement.

Les héros de Géricault dans l’œuvre sont également dépeints comme idéalisés et musclés alors qu’en vérité, ils sont morts de faim. La peinture de Géricault n’est donc pas une simple reproduction d’un événement, mais elle est imprégnée de son propre état émotionnel dû à son amour perdu, et de ses tentatives d’accentuer l’émotion dans l’œuvre en ajoutant des tempêtes et en idéalisant les héros.

La Liberté guidant le peuple (1830) par Eugène Delacroix

Eugène Delacroix est l’un des peintres romantiques les plus célèbres. Delacroix est né en 1798 en France, où le romantisme battait déjà son plein. Delacroix est surtout connu pour son utilisation dramatique de la couleur, et comme un vrai romantique, il utilise la couleur pour évoquer l’émotion. L’une des peintures romantiques les plus célèbres de Delacroix est sa grande peinture à l’huile intitulée Liberty Leading the People, peinte en 1830.

Delacroix dans ce tableau dépeint un événement contemporain : la révolution du 27 au 29 juillet 1830, également connue sous le nom de « Trois jours glorieux ». Le tableau est peint sur une très grande toile et à cette époque, les œuvres de cette taille étaient réservées aux peintures d’histoire.

Ce que Delacroix a fait ici, c’est suivre les traces de Géricault qui a peint Le Radeau de la Méduse une décennie auparavant. Ces deux artistes sont allés à l’encontre des règles de l’Académie du Salon de Paris et ont réalisé de grandes œuvres qui reflétaient l’époque contemporaine, au lieu du passé.

La liberté guidant le peuple(1830) par Eugène Delacroix ; Eugène Delacroix, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Cet événement contemporain était la révolution qui avait renversé le roi Charles X et transféré le trône au roi Louis-Phillippe, plus raisonnable. Le tableau prédit un moment de la révolution où l’issue n’est pas encore tout à fait sûre. L’image montre des combats, de la fumée et, en arrière-plan, la cathédrale Notre Dame. Notre Dame était considérée comme un symbole de la monarchie conservatrice, pourtant Delacroix a peint un drapeau de la révolution au sommet de la cathédrale.

Liberty, la femme qui dirige la révolution, est un symbole des idées qui ont poussé les révolutionnaires à lutter contre la monarchie. Si ses seins sont exposés, c’est pour relier sa silhouette à l’Antiquité et à la fertilité, où la référence aux sculptures grecques et romaines renvoie à la naissance de la démocratie. D’autres figures du tableau sont également symboliques.

Les deux hommes au premier plan sont clairement issus de classes différentes et en les plaçant l’un à côté de l’autre, Delacroix fait une déclaration disant que la révolution n’est pas seulement pour les pauvres mais pour tous les citoyens de France. Tout comme dans Le radeau de Méduse de Géricault, les morts et les blessés sont les plus proches du spectateur et gisent impassibles au premier plan du tableau. Le tableau de Delacroix ne parle donc pas seulement de la victoire de la liberté, mais aussi du coût de la révolution.

Le Téméraire de combat, tiré jusqu’à son dernier poste d’amarrage pour être démantelé, 1838 (1839) par J.M.W. Turner

J.M.W. Turner est un artiste important de la période romantique, né à Londres en 1775. Turner avait une capacité remarquable à capturer le paysage naturel et son accent sur la lumière transitoire et dramatique, ainsi que son accent sur la couleur et l’atmosphère, sont devenus très influents pour les impressionnistes. Les tableaux de Turner représentent souvent des tempêtes en mer, des scènes de grandes vagues et de feu terrifiant, et par contraste, des scènes qui dépeignent la tranquillité du vaste paysage naturel.

Le Combat Téméraire est l’un des tableaux les plus fascinants et les plus connus de Turner. En fait, Turner lui-même a appelé cette peinture sa « chérie ». Le tableau dépeint le dernier voyage du Téméraire, un beau navire classique qui était l’un des derniers navires militaires utilisés avant d’être remplacé par des navires mécaniques qui utilisaient les nouvelles technologies.

La Combattre Téméraire, remorquée à son dernier poste d’amarrage pour être brisée, 1838 (1839) par J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Dans le tableau, le Téméraire est remorqué sur la rive pour être démonté. Le Téméraire était un navire avec une longue histoire et a été peint par Turner sur commande des années auparavant. Dans le tableau, le Téméraire est peint de façon magnifique et majestueuse, mais il semble aussi fantomatique, protégé par l’atmosphère et la fumée. Le navire qui remorque le Téméraire domine le premier plan avec ses couleurs sombres et le feu et la fumée qui font à la fois écran au Téméraire et polluent l’atmosphère.

La sensibilité romantique de Turner est visible dans son amour pour le Téméraire et son désespoir pour les nouvelles technologies, apportées par l’industrialisation, qui prennent le dessus dans le nouveau monde. Cette peinture ne ressemble pas aux peintures de paysages marins orageux que Turner a réalisées auparavant et les eaux de cette peinture sont complètement immobiles. Les eaux immobiles donnent un sentiment de tristesse, comme le moment de silence qui suit la mort de quelqu’un.

Pour ajouter à ce sentiment de tristesse et de mort, le soleil couchant se trouve à droite de la lune. Comme pour les autres œuvres du romantisme, les propres émotions de l’artiste peuvent être ressenties à travers son travail. Cette œuvre n’est pas aussi agressive et urgente que les exemples de Delacroix et Géricault, mais elle n’en est pas moins une œuvre extrêmement chargée en émotions. Il est également possible que l’œuvre reflète la propre vie de Turner qui touche à sa fin plus il vieillit. Le tableau n’a jamais quitté l’atelier de Turner pendant les 13 dernières années de sa vie et à sa mort, il a été donné à l’État.

Le mouvement romantique a changé le cours de l’histoire. D’une certaine manière, beaucoup d’entre nous ont un aspect du romantisme dans leur sensibilité. Dans un monde qui se développe rapidement et qui est axé sur la précision et l’avancement technologique, le romantisme a choisi le côté de l’irrationnel, du naïf, du libre, du différent, de l’étrange et du dramatique. Les romantiques ont souvent idéalisé des icônes et des héros dont les vertus, selon eux, rendraient la société meilleure. Cela mettait également l’accent sur l’individualisme et les expériences subjectives du rêveur, du musicien, de l’artiste, de l’écrivain et de tous ceux qui croyaient en la liberté de l’imagination et de la passion.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’individualisme dans le romantisme?

L’individualisme est une idéologie et une philosophie qui privilégie la valeur morale de l’individu par rapport à celle du collectif ou de l’État. Les romantiques ont fait l’éloge de l’individualisme comme une déclaration contre les systèmes et les normes sociales qui imposaient des règles, une morale et des conventions aux gens.

Le romantisme est-il encore pertinent aujourd’hui ?

Bien que le romantisme soit placé dans une certaine période de l’histoire, à savoir de la fin du 18^e siècle au milieu du 19^e siècle, ses idéaux ont encore un impact sur notre monde aujourd’hui. Les concepts et les idées que les romantiques ont introduits dans le monde influencent encore les idées contemporaines sur l’amour, les enfants, le travail, la politique, la façon dont nous nous exprimons et la façon dont nous voulons être traités en retour. Aujourd’hui, nous voyons encore le romantisme dans la littérature, les arts visuels et la musique.

Qui sont les dix peintres romantiques les plus célèbres?

Bien que l’on puisse répondre de différentes manières à cette question, certains des artistes romantiques les plus célèbres sont ceux dont il est question dans cet article, à savoir Francisco Goya (espagnol, 1746-1828), J.M.W. Turner (anglais, 1775-1851), Caspar David Friedrich (allemand, 1774-1840), Eugène Delacroix (français, 1798-1868) et Théodore Géricault (français, 1791-1824). Cinq autres artistes romantiques aussi célèbres sont William Blake (anglais, 1757-1827), John Constable (anglais, 1776-1837), Ivan Aivazovsky (russe, 1817-1900), Francesco Hayez (italien, 1791-1882) et Thomas Cole (1801-1848).