Néo-Impressionnisme – History and Development of Divisionist Art

Qu’est-ce que l’art néo-impressionniste et quelle est la définition du néo-impressionnisme ? Dans la seconde moitié du 19e siècle, les artistes du néo-impressionnisme ont abandonné la nature spontanée et le romantisme dont beaucoup d’impressionnistes faisaient l’éloge, au profit d’une approche nouvelle et rigoureuse de la peinture. Les artistes du néo-impressionnisme se sont efforcés de faire des peintures plus vives qui reflétaient la vie moderne en dépendant de la capacité du public à mélanger optiquement les taches de couleur sur la toile. Ils ont cherché à représenter l’interaction changeante des gens avec les villes et la campagne, à mesure que les centres urbains se développaient et que la technologie progressait.

L’histoire de l’art néo-impressionniste

Les néo-impressionnistes se sont tournés vers la science pour développer leur approche artistique consistant à contraster diverses teintes et tons pour produire des surfaces scintillantes et lumineuses afin de dépeindre minutieusement l’éclat observé dans la nature. Les artistes ont cherché à améliorer le sens visuel de l’image en disposant soigneusement les teintes opposées, ainsi que le blanc, le noir et le gris, les uns à côté des autres sur la toile. Les artistes du néo-impressionnisme ont cherché à créer des correspondances entre les sentiments émotionnels et les lignes, les formes et les couleurs représentées sur la toile, ce qui évoque le modernisme de la vie urbaine à l’époque de l’industrialisation.

Opus 217. Sur l’émail d’un fond rythmé par des battements et des angles, des tons et des teintes, Portrait de M. Félix Fénéon en 1890 par Paul Signac (1890) ; Paul Signac, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les débuts de l’art néo-impressionniste

Au milieu des années 1880, une génération innovante de créateurs, que l’on appellera plus tard plus largement les artistes du néo-impressionnisme et qui comprend Paul Gauguin, Georges Seurat et Vincent van Gogh, commence à développer de nouvelles techniques pour la couleur, la ligne et la forme parce qu’elle estime que l’accent mis par l’impressionnisme sur les jeux de lumière est trop contraignant.

Seurat a déclaré qu’en quittant l’École des Beaux-Arts, où il avait passé un an à étudier, son objectif était de « découvrir quelque chose de nouveau, ma méthode distinctive de peinture », en 1879.

Il prend des notes détaillées sur l’application de la couleur par l’artiste Eugène Delacroix, car il accorde une priorité particulière à la luminance dans les peintures. Il commence à faire des recherches sur la théorie optique et s’engage dans une voie qui l’amènera finalement à créer un nouveau mouvement esthétique qu’il surnomme le chromoluminarisme.

Photographie de Georges Seurat prise en 1888; Photographe non identifié, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La théorie du néo-impressionnisme

Les découvertes sur le mélange optique et le contraste simultané dont Georges Seurat a pris connaissance ont fourni la base théorique du chromoluminarisme, également appelé art néo-impressionniste. Michel-Eugène Chevreul a dû répondre aux préoccupations des clients concernant l’uniformité de la couleur du fil alors qu’il travaillait à la teinturerie des Gobelins à Paris. En tentant de résoudre le problème, il a découvert l’influence de la couleur d’un fil sur l’apparence de la couleur d’un autre. Les Phénomènes de la vision de David Sutter (1880) ont établi des guides pour la connexion entre les œuvres d’art et la science.

Roue des couleurs de Michel Eugène Chevreul; Michel Chevreul, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’art néo-impressionniste s’appuie sur des points de teintes complémentaires sur la toile pour générer les couleurs les plus éblouissantes et une apparence scintillante. Au lieu de mélanger les couleurs sur une palette, les artistes du néo-impressionnisme laissent l’œil du spectateur mélanger les couleurs. Bien que plusieurs de ces croyances soient aujourd’hui considérées comme quasi-scientifiques, elles étaient à la pointe du progrès à cette époque. Seurat pensait avoir trouvé la science derrière l’art de la peinture, un art qui nécessitait de la discipline et une application minutieuse pour produire une intensité de couleur. Il a utilisé sa théorie des couleurs et une nouvelle méthode qu’il a baptisée balayé, des coups de pinceau entrecroisés pour peindre des couleurs mates, dans Bather at Asnières (1884), une œuvre colossale qui montre un grand nombre de travailleurs nageant dans la rivière par une chaude journée d’été.

Seurat a commencé à travailler sur Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte (1884) en faisant des recherches préliminaires détaillées et des dessins. L’œuvre, qui représentait la bourgeoisie dans un parc au bord de la rivière, utilisait le style pointilliste inauguré par Seurat – de petits points de couleurs complémentaires positionnés de façon adjacente.

Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte par Georges Seurat (1884-1886); Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le livre fondateur de Seurat sur la théorie des couleurs de l’art néo-scientifique impressionniste, Esthetique, a été publié en 1890. D’autres artistes du néo-impressionnisme continueront à explorer cette base scientifique ; par exemple, en 1887, Albert Dubois-Pillet conçoit le concept de passage, selon lequel le pigment unique de chacune des couleurs claires fondamentales fournit un passage entre les autres couleurs.

La première génération d’artistes du néo-impressionnisme

En 1884, le peintre Paul Signac rencontre Seurat et devient par la suite un fervent partisan de sa théorie des couleurs et de son style de création. Bien que Seurat soit le théoricien austère et retenu du mouvement, Signac en est le porte-parole et le promoteur extraverti. Les deux individus avaient une relation de travail étroite, et c’est Signac qui a inventé le terme « Pointillisme. Seurat a présenté Les Pères à Asnières à l’exposition officielle de l’Académie des Beaux-Arts, en 1885, mais le jury l’a refusé. Ils ont été déconcertés non seulement par la structure formelle de l’œuvre d’art, son échelle gigantesque et ses techniques inventives, mais aussi par la représentation de Seurat de travailleurs de la classe inférieure en train de s’adonner à des loisirs.

Bathers in Asnières by Georges Seurat (1884); Georges Seurat, Domaine public, via Wikimedia Commons.

En réaction à ce rejet, Signac, et Seurat, ainsi qu’Odilon Redon et Albert Dubois-Pillet, fondent le Salon des Indépendants. À la suite de leur rencontre en 1885, Camille Pissarro, avec Charles Angrand et Henri-Edmond Cross, forment le premier groupe d’artistes du néo-impressionnisme.

L’émergence du néo-impressionnisme

L’année 1886 est un moment charnière dans la communauté artistique, car la dernière exposition impressionniste signale également l’émergence de l’art néo-impressionniste avec la présentation de l’œuvre fraîchement achevée de Seurat. Pissarro, le seul peintre à avoir participé aux huit expositions impressionnistes, encourage Seurat à se joindre à l’exposition. Le tableau est à nouveau présenté au Salon de la Société des Artistes Indépendants, où il gagne encore plus de reconnaissance, y compris celle de l’expert en art Félix Fénéon, qui crée le nom de « néo-impressionnisme » et devient un partisan déclaré du mouvement dans les années qui suivent.

D’autres peintres français qui ont rejoint la tendance sont Léo Gausson, Maximilien Luce et Louis Hayet.

Néo-impressionnisme et anarchisme

Si les opinions spécifiques de Seurat sont inconnues, l’art du néo-impressionnisme a toujours été étroitement lié au mouvement anarchiste, qui avait un ancrage solide en France et dans le monde culturel. Félix Fénéon était bien connu pour ses convictions anarchistes avant de devenir critique d’art pour La Revue Blanche. Arrêté avec 29 autres personnes pour leurs convictions anarchistes et accusé de complot dans l’assassinat du président français Sadi Carnot, les 30 ont été déclarés non coupables.

A la suite de cette affaire, Fénéon a établi un nom puissant pour la pensée indépendante et le rejet des normes sociales, et en tant que critique, il a associé le néo-impressionnisme à l’activisme anarchiste. Signac est devenu un anarchiste dévoué dans les années 1880, aidant à soutenir la cause et contribuant à la publication anarchiste The New Times avec Maximilien Luce, Henri-Edmond Cross, et Camille Pissarro.

Photographie de Félix Fénéon prise entre 1894 et 1895; Alphonse Bertillon, CC0, via Wikimedia Commons.

Signac a fait des recherches sur les géographes anarchistes Peter Kropotkin et Élisée Reclus, ainsi que sur Pierre-Joseph Proudhon, qui prônaient tous un avenir utopique basé sur de petites communautés et la libre expression. Ces anarchistes ont donné un élan supplémentaire à l’affirmation de Signac selon laquelle l’art néo-impressionniste était lié à un équilibre résultant des libertés humaines dans un contexte naturel, ce qui a façonné une grande partie de son sujet. En outre, la poursuite de la recherche scientifique par les artistes a complété leurs idéaux anarchistes en les libérant des intrusions des préférences imposées par la bourgeoisie.

Renouveau du néo-impressionnisme

Seurat décède prématurément en 1891, et Signac devient alors le chef putatif du groupe. La publication du manifeste de Signac a déclenché une résurrection du mouvement en 1898, le transformant en une force internationale avec des inclinations anarchistes une fois de plus. Le manifeste, ainsi que ses peintures telles que laTempête de Saint-Tropez(1895), attirent une nouvelle génération de peintres, dont Henri Matisse. Signac est élu président de la Société des Artistes Indépendants en 1908 et occupe cette fonction jusqu’en 1934, l’année précédant sa mort, en se battant pour l’art néo-impressionniste.

Orage de Saint-Tropez par Paul Signac (1895); Paul Signac, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Cross et Signac ont également influencé d’autres peintres en introduisant des modifications stylistiques au néo-impressionnisme. Signac a commencé à employer des couleurs riches, comme le montre son Capo di Noli de 1898 avec ses montagnes rosées, et au lieu de peindre en points, il a utilisé de petits coups de pinceau qui offraient une flexibilité dynamique. Cross a utilisé des coups de pinceau circulaires de tailles variées pour créer une sensation de perspective alors que les plus petits points s’approchent de l’horizon dans son paysage marin The Golden Isles (1892). L’œuvre est remarquée pour son aspect presque abstrait, ainsi que pour l’impact des estampes japonaises Ukiyo-e dans son horizon élevé.

L’effet de mosaïque de ses peintures, comme La Plage de Saint-Clair de 1896, a le plus affecté ses pairs. Cross obtenait cette apparence en peignant de minuscules parties de la toile avec des coups de pinceau rapides et balayés qui ressemblaient à de petits blocs. L’accent était mis sur la distinction des couleurs opposées plutôt que sur leur mélange. Cross était « beaucoup plus soucieux de générer des harmonies de couleurs pures que de faire correspondre les teintes d’un paysage ou d’une scène naturelle spécifique », a-t-il remarqué.

Les variations géographiques du néo-impressionnisme

L’art du néo-impressionnisme était devenu un style international dans les années 1890, de nombreux peintres européens l’ayant adopté. La dépendance du mouvement à l’égard de la théorie des couleurs et l’utilisation de petits points ou de coups de pinceau sont restées étonnamment constantes. Par conséquent, les variations géographiques sont la meilleure façon d’organiser sa croissance.

Le néo-impressionnisme en France

En France, le néo-impressionnisme a attiré un grand nombre de peintres des générations suivantes, chacun modifiant le style en fonction de ses propres préoccupations. Le courant est repris par quelques impressionnistes, notamment Charles Angrand et Camille Pissarro. En utilisant la méthode pointilliste, Pissarro a maintenu l’accent de son travail sur la vie à la campagne et les tâches paysannes. Angrand a employé une palette plus tamisée pour exprimer les ombres et les tons dans son tableau de 1887 Couple dans la rue.

Homme et femme dans la rue par Charles Angrand (1887); Charles Angrand, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Maximilien Luce a peint des thèmes plus modernes, qu’il a fréquemment rendus de façon passionnée avec de grands contrastes de lumière. Avec la résurgence du style dans les années 1890, le néo-impressionnisme influence une nouvelle génération de peintres. Signac a été touché par les œuvres de Cross ressemblant à des mosaïques, tout comme des peintres plus jeunes tels que Henri Manguin, Henri Matisse, Robert Delaunay, Jean Metzinger et André Derain.

Des adaptations individuelles de la technique peuvent être observées dans l’utilisation par Delaunay et Metzinger de minuscules coups de pinceau pour imiter de petits cubes de couleur, et dans l’évolution de Matisse vers une palette de couleurs de plus en plus intenses.

Le néo-impressionnisme en Belgique

Lorsque l’impressionniste belge Théo Van Rysselberghe a vu le tableau emblématique de Seurat à Paris en 1886, il a été stupéfait. Avec un certain nombre d’autres peintres, notamment Xavier Mallery, Georges Lemmen, Henry Clemens van de Velde, Willy Schloback, Alfred William Finch et Anna Boch, il a apporté le mouvement à la communauté artistique belge, où il a eu un effet considérable.

Jeunes femmes sur la plage par Théo van Rysselberghe (1901); Théo van Rysselberghe, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Van Rysselberghe a réalisé une variété de paysages dans le style pointilliste au cours de ses voyages au Maroc, pourtant, c’est son 1888Portrait d’Alice Sethe qui est devenu son œuvre emblématique. Le portrait est devenu une composante importante du néo-impressionnisme belge grâce à son impact.

Alfred William Finch, membre fondateur d’un groupe bruxellois qui tentait de sauver l’art belge des traditions patriotiques restrictives en se concentrant sur les modèles français actuels, connu sous le nom de Les Vingt a vu les œuvres de Signac et de Seurat à l’exposition Les Vingt en 1886 et en est devenu un immense défenseur. Vagues déferlantes à Heyst (1891), qui représente un ciel vide au-dessus d’une mer déchaînée, avec une concentration importante sur les motifs et les dessins, a un impact plat et ornemental. La concentration sur la couleur et les motifs est également visible dans l’art de Henry Clemens van de Velde.

Le néo-impressionnisme en Hollande

Jan Toorop a étudié à Bruxelles de 1882 à 1890, lorsqu’il a fait connaissance avec les œuvres de Signac et de Seurat. Il a établi un style distinctif qui combinait l’art divisionniste avec d’autres influences créatives qu’il avait rencontrées, et il a été considéré comme un pionnier important en Hollande. Broek in Waterland est une peinture néo-impressionniste de 1889 représentant un couple sur une barque le long d’un canal au coucher du soleil, avec un motif et un élément de conception significatifs. Il devient membre du Cercle artistique de La Haye et participe à l’organisation d’une exposition avec des œuvres de Signac, Seurat, Pissaro, Van de Velde et d’autres.

Broek in Waterland par Jan Toorop (1889); Jan Toorop, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’exposition a suscité beaucoup d’attention positive et a été suivie par Van de Velde, qui a noué de nombreux liens importants avec des artistes néerlandais. En conséquence, de jeunes peintres comme Petrus Bremmer, Johan Joseph Aarts et Jan Vijibrief se sont imposés en tant que néo-impressionnistes. Bremmer a eu un grand impact en tant qu’enseignant et écrivain, prônant l’adoption d’une palette claire et nette. Cependant, Piet Mondrian et Vincent van Gogh ont été les peintres néerlandais inventifs les plus notables à adopter le pointillisme au début de leur carrière.

Van Gogh a rendu visite à Signac à Paris en 1887 et a incorporé des parties de la technique dans sa propre forme d’expression. Mondrian a embrassé l’approche et a remarqué en 1909 : « Je pense que, dans la mesure du possible, la peinture doit être mise en couleurs pures positionnées les unes à côté des autres de manière pointilliste ou diffuse à notre époque ». Ceci est formulé avec force, tout en se référant au concept qui sert de base à l’expression significative de la forme ». Les deux artistes ont progressé au-delà de l’art divisionniste pour rechercher et créer de nouvelles approches esthétiques.

Le néo-impressionnisme en Italie

À la fin des années 1880, le peintre et critique Vittore Grubicy de Dragon présente l’art divisionniste aux peintres italiens. Il vit aux Pays-Bas de 1882 à 1885, où il rencontre et s’inspire du peintre Anton Mauve, cousin de Vincent van Gogh et partisan du mouvement. Deux œuvres d’art du divisionnisme ont attiré la plus grande attention lors de la première Triennale de Milan en 1891.Les deux mères (1889) de Giovanni Segantini, qui avait une renommée internationale, a été bien accueillie, tandis que la Maternité(1891) de Gaetano Previati a été brutalement critiquée.

Previati avait étudié en profondeur l’art du divisionnisme et avait rédigé le seul traité savant sur le sujet à l’époque. S’il connaissait bien la perception des couleurs, il pensait également qu’en employant des couleurs vives pour solliciter puissamment l’œil, une connexion spirituelle et émotionnelle serait ressentie.

Maternité de Gaetano Previati (entre 1890 et 1891); Gaetano Previati, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Maternité est aujourd’hui reconnue comme la pièce fondatrice du néo-impressionnisme italien et comme un tournant dans l’art contemporain italien en raison de son interaction avec le symbolisme et de son influence sur l’art nouveau et l’expressionnisme italiens. Bien que l’œuvre d’art soit généralement axée sur le paysage, elle reflète la position de Segantini selon laquelle la peinture n’a rien à voir avec la reproduction du monde réel, car la créativité n’est possible que grâce à l’impulsion de l’imagination et de l’âme humaine. L’artiste Cesare Viazzi a fait l’éloge du Miroir de la vie (1898) de Giuseppe Pelizza da Volpedo, représentant un groupe de moutons dans un champ, car il dépeint le sentiment réel de sérénité parfaite contenu dans l’abandon gracieux de la nature.

De nombreuses pièces étaient de nature symboliste ou métaphorique, avec l’intention de répondre aux réalités sociétales. L’œuvre la plus renommée de Pelizza est Il Quarto Stato, qu’il a créée en 1901.

Le néo-impressionnisme en Allemagne et en Autriche

Les années 1890 sont l’époque des Sécessions, ou groupes artistiques qui se rebellent contre la rigidité des académies officielles et promeuvent l’art contemporain. Les Sessions de Munich, Vienne et Berlin n’avaient pas de manifeste et exposaient les œuvres de toutes les tendances contemporaines, l’art néo-impressionniste occupant le devant de la scène. Curt Hermann, un artiste berlinois, a adapté cette approche en la mêlant au réalisme d’en Plein air painting.

Dame (Sophie Herrmann) dans les dunes de Binz sur Rügen par Curt Hermann (1899); Curt Hermann, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le style, cependant, a eu le plus grand impact sur un groupe de peintres plus récents. À la suite de la traduction allemande des écrits de Signac en 1903 et de l’exposition d’art néo-impressionniste de 1904, l’expressionniste Ernst Ludwig Kirchner a créé des œuvres d’art divisionnistes. D’autres jeunes peintres, tels que Karl Schmidt-Rottluf et Erick Heckel, ont repris cette approche et l’ont poussée vers l’expressionnisme, comme en témoignent les coups de pinceau frénétiques de Heckel représentant de l’eau barattée.

Pour ces peintres, le néo-impressionnisme était un style mondial qui brisait la suprématie de l’art impressionniste, leur permettant de se concentrer uniquement sur les qualités et les effets possibles de la couleur.

Développements ultérieurs

L’art néo-impressionniste a continué à influencer les artistes individuels et le développement des mouvements artistiques, notamment le fauvisme, le cubisme, l’art nouveau, l’orphisme, Die Brücke, le futurisme italien et la poussée de l’abstraction, même après le décès de Seurat en 1891. Le néo-impressionnisme a démontré un potentiel d’abstraction – au sens de « enlever de » – comme composante de sa modernité. Il a extrait de l’environnement des caractéristiques formelles, des archétypes fondamentaux, des expériences de couleurs et des lignes qui allaient servir de point de départ à de nombreuses tentatives modernistes. Si plusieurs peintres ont expérimenté la méthode avant de passer à d’autres genres, Signac, l’un des néo-impressionnistes fondateurs, a peint de cette manière jusqu’à son décès en 1935.

Le phare de Gatteville par Paul Signac (1934); Paul Signac, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’accent mis sur la couleur et les sentiments qu’elle crée chez le spectateur a incité à s’éloigner des rendus réalistes de la couleur. L’œuvre de 1904 de Matisse Luxe, calme et volupté introduit le fauvisme. D’autres figures du fauvisme, comme Maurice de Vlaminck et André Derain, ont produit des paysages divisionnistes. Metzinger et Delauney, entre autres, ont transformé les minces coups de pinceau du néo-impressionnisme ultérieur en formes compactes semblables à des cubes. Metzinger a été influencé par ces petits « cubes » et par la concentration de Seurat sur la géométrie dans la peinture, alors qu’il progressait vers le cubisme. La géométrie de Seurat a également eu un impact sur le cubisme de Georges Braque.

Finch, un néo-impressionniste belge, a ensuite travaillé comme céramiste en Finlande, où il a contribué à définir le style Art nouveau de la région. Les motifs de couleur ont inspiré Henry Clemens van de Velde, qui est finalement devenu l’un des pionniers de l’Art nouveau belge.

Kiss V de Roy Lichtenstein (1964); Myosotis alpestre, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Les œuvres ultérieures de Signac, avec leurs effets ornementaux et leurs motifs d’arabesques, ont eu une influence significative sur l’essor de l’Art nouveau chez certains artistes des Sessions de Munich, de Vienne et de Berlin. Les méthodes et croyances néo-impressionnistes continuent d’avoir un impact sur les artistes modernes. Roy Lichtenstein, un artiste pop américain, a produit des œuvres comme Kiss V (1964) en employant des motifs de points au pochoir qui rappellent non seulement l’impression des journaux et des magazines, mais aussi les taches de couleur des œuvres d’art du néo-impressionnisme.

L’emploi de la méthode divisionniste distingue le néo-impressionnisme. L’art divisionniste visait à fonder scientifiquement les peintures impressionnistes de lumière et de couleur en employant une combinaison optique de couleurs. Plutôt que de combiner les couleurs sur la palette, ce qui diminue l’intensité, les composantes primaires de chaque couleur étaient placées individuellement sur la toile par petites touches afin qu’elles se combinent dans l’œil du spectateur. Comme les couleurs optiquement mélangées gravitent vers le blanc, cette approche a produit plus d’éclat.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’art néo-impressionniste?

D’après la définition du néo-impressionnisme, il s’agit d’une expression établie en 1886 par le critique d’art français Fénéon pour décrire un mouvement artistique d’avant-garde qui a prospéré principalement en France de 1886 à 1906. Les artistes du néo-impressionnisme, menés par Georges Seurat, ont rejeté l’immédiateté de l’impressionnisme au profit d’une approche de la peinture calculée, basée sur la science et la compréhension de l’optique. Les artistes du néo-impressionnisme en sont venus à penser que les taches distinctes de pigment donnent une plus grande vitalité aux couleurs que le mélange traditionnel des couleurs sur la palette.

Qu’est-ce que l’art divisionniste?

Le pointillisme et l’art divisionniste, deux concepts fréquemment liés au néo-impressionnisme, sont presque interchangeables. D’une manière générale, le divisionnisme est une théorie de la couleur qui préconise de placer de minuscules zones de couleur pure individuellement sur la toile de manière à ce que l’œil du public combine optiquement les couleurs. Le divisionnisme était généralement attribué à tout artiste qui divisait ou séparait les couleurs par de petits coups de pinceau. Le pointillisme utilisait la même méthode de mélange optique, mais en utilisant de petits points de couleur distincts.