Impressionnisme – Découvre l’impressionnisme français

L’impressionnisme a donné naissance à certains des meilleurs artistes et des œuvres d’art les plus appréciées de l’histoire de l’art. Le mouvement artistique français est généralement associé à certains des plus grands noms de l’histoire de l’art, notamment Claude Monet et Camille Pissarro. Cet article présente tout ce qu’il faut savoir sur l’impressionnisme, y compris les peintres impressionnistes célèbres et les œuvres d’art impressionistes les plus emblématiques.

Impressionnisme : Le mouvement artistique radical

L’histoire du mouvement artistique radical qui a ouvert la voie à d’autres mouvements révolutionnaires tels que le post-impressionnisme, le cubisme et le fauvisme commence avec l’académie traditionnelle de France, l’Académie des Beaux-Arts. L’académie française a agi comme une sorte de renforcement des idéaux de la peinture, y compris la technique, le style et la représentation de sujets classiques tels que les récits religieux, les événements historiques et les portraits.

La préférence de l’époque ou ce qui était considéré comme du « bon » art était évalué en fonction de la capacité de l’artiste à exécuter une peinture réaliste contenant des coups de pinceau précis et l’utilisation de couleurs appropriées à l’apparence du sujet.

Cela semble assez restreint et ennuyeux, n’est-ce pas ? Un groupe d’artistes, considérés comme radicaux à leur époque, partageaient également un profond dédain pour les idéaux promus par l’académie et partageaient plutôt un intérêt commun – la peinture de paysage et les sujets contemporains. À l’époque, cela n’intéressait pas les jurés du Salon de Paris, où les idéaux de l’académie étaient également respectés.

Der Roseweg in Giverny (Le Chemin des roses à Giverny) (avant 1992) par Claude Monet, situé dans le Musée Marmottan Monet à Paris, France; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons.

Vers le milieu du XIXe siècle, les futurs célèbres impressionnistes Claude Monet, Alfred Sisley, Frédéric Bazille et Pierre-Auguste Renoir ont uni leurs valeurs et créé leur propre petit club, s’aventurant souvent seuls pour peindre ensemble. Qu’ont-ils fait de différent ? Ce petit groupe d’impressionnistes peignait directement en plein air, sans esquisse préalable pour préparer les peintures détaillées. Cela peut sembler une expérience naturelle pour n’importe quel artiste d’aujourd’hui, mais pour les professionnels du XIXe siècle, c’était un manque de soin et de professionnalisme. Les artistes ont également choisi d’incorporer des couleurs synthétiques vives, qui ont également été introduites au milieu du siècle.

Les réunions impressionnistes se tenaient généralement au Café Guerbois à Paris et comprenaient de longues discussions animées par nul autre qu’Édouard Manet, qui, étrangement, n’a jamais participé aux expositions impressionnistes de l’époque.

Plus tard, le groupe d’artistes reçoit de nombreux autres admirateurs tels que Paul Cézanne et Camille Pissarro. Tout au long des années 1860, les impressionnistes essuient de nombreux refus de la part du Salon, qui rejette même le Déjeuner sur l’herbe (1863) de Manet, qui représente une femme nue réaliste lors d’un pique-nique, accompagnée de deux hommes entièrement vêtus. L’inclusion d’une femme nue dans une scène contemporaine a été lourdement condamnée.

Une définition de l’impressionnisme

Qu’est-ce que l’impressionnisme ? En rassemblant une définition de l’impressionnisme, il faut comprendre que la composition de la peinture impressionniste se caractérise par l’absence de limites entre l’arrière-plan et le sujet d’une œuvre d’art. L’impressionnisme peut être compris comme un instantané ou un moment d’une réalité plus large pris par hasard.

Les artistes impressionnistes utilisent des compositions ouvertes et des coups de pinceau visibles, et accentuent la représentation de la lumière pour souligner le passage du temps à travers des perspectives et des techniques inhabituelles pour illustrer le mouvement.

Une réponse à la photographie

La photographie est devenue plus populaire et plus facilement transportable, ce qui signifie que l’idée de reproduire la réalité est devenue plus facile. C’était aussi une sorte de menace pour les artistes, mais pour les impressionnistes, c’était un moyen de distinguer l’artiste du photographe. Au lieu de rivaliser avec l’appareil photo, les impressionnistes ont donné au public une représentation subjective du monde tel qu’ils le voyaient.

La représentation de la perception, par opposition à la réalité, est ce qui rend l’art impressionniste unique.

Place de la Concorde (1875) d’Edgar Degas, située au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, Russie;Place de la Concorde (1875) d’Edgar Degas, située au musée de l’Ermitage à St. Petersbourg, Russie; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Les angles exprimés dans de nombreuses peintures de l’impressionnisme français ont également été influencés par la forme d’art japonaise appelée japonisme que l’on retrouve dans les estampes ukiyo-e. L’œuvre d’Edgar Degas illustre clairement l’influence de cette forme d’art par des compositions asymétriques et des espaces inhabituels, comme on le voit dans son tableau La classe de danse (1874).

Le Salon des Refusés

Le Salon des refusés est apparu en raison du nombre élevé de refus observés au Salon. Celui-ci a été créé par l’empereur Napoléon III afin que le public puisse porter un jugement sur les œuvres refusées. Bien que les œuvres rejetées soient devenues la risée du public et un lieu de moquerie, le Salon des Refusés a reçu plus de visiteurs que le Salon. Les artistes continuèrent à pétitionner pour qu’une autre exposition du Salon des Refusés soit organisée, mais ils furent eux aussi rejetés.

Née du rejet et, comme vous pouvez l’imaginer, d’egos meurtris et de réputations abîmées, une nouvelle société émergea pour l’acceptation de l’impressionnisme.

Le Berceau (The Cradle) (1872) par Berthe Morisot, situé au Musée d’Orsay à Paris, France; Berthe Morisot, Public domain, via Wikimedia Commons.

Ce groupe s’appelait la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, et Graveurs et fut fondé en 1873 par Claude Monet, Edgar Degas, et de nombreux autres artistes. Les conditions d’entrée dans l’association exigeaient que les artistes renoncent à leur participation au Salon.

La principale technique associée à l’impressionnisme était appelée en plein air technique et impliquait que l’artiste peigne sans préparation ni croquis.

L’impressionnisme était donc une impression d’une scène sur le moment. Un critique d’art du nom de Louis Leroy a également fait remarquer que le tableau Impression, soleil levant (1872) de Monet tenait plus de l’esquisse que de l’œuvre d’art achevée et que le papier peint, « dans son état embryonnaire, était plus achevé que le paysage marin ». Il fallait avoir la peau dure pour survivre aux critiques d’art du XIXe siècle.

D’accord pour ne pas être d’accord

Les impressionnistes ont peut-être créé une sorte de collectif pour l’acceptation d’expressions plus larges dans la peinture et la technique, mais il y a aussi eu un rejet des idéaux de l’impressionnisme par des artistes comme Degas, Manet et Renoir. À un moment donné, Renoir a complètement quitté l’association.

Manet a choisi de s’en tenir à ses propres principes en peinture en conservant son utilisation de la couleur noire alors que les autres préféraient le thème prédominant de l’impressionnisme qui était poursuivi par la spontanéité, la lumière du soleil et la couleur.

Avant la représentation (1896) d’Edgar Degas, situé dans la Scottish National Gallery à Édimbourg, Écosse; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons.

Manet n’a jamais participé à aucune des expositions impressionnistes, estimant qu’il aurait été préférable de persévérer au Salon. Au fil du temps, le groupe s’est dispersé et beaucoup sont revenus pour soumettre leurs œuvres à l’examen du Salon.

Les artistes qui ont fait défection au premier Salon des Refusés étaient Monet, Cézanne, Sisley et d’autres. Malgré la nature divisée du groupe à ce moment-là, d’autres transfuges suivront.

Mary Cassatt reçut également une invitation de Degas à présenter son travail à l’exposition de 1879 et elle en profita pour insister pour que d’autres artistes tels que Ludovic Lepic et d’autres peintres réalistes soient inclus. La réaction de Monet à l’égard de ces nouvelles parties provoque un tollé en 1880 et il accuse le groupe de laisser entrer des « barbouilleurs du premier venu ». La division s’accentue lorsqu’il est question d’ajouter Georges Seurat et Paul Signac au répertoire en 1886.

Artistes impressionnistes

Les impressionnistes français des années 1880 auraient créé leur définition de l’art impressionniste à travers leur processus d’acceptation et de rejet des œuvres d’art incluses et « considérées » pour les expositions impressionnistes.

Camille Pissarro, l’impressionniste franco-danois, est le seul « fondateur » de l’impressionnisme à avoir exposé ses œuvres dans les huit expositions impressionnistes.

Alors, comment définir l’impressionnisme ? Tout d’abord, nous devons examiner les caractéristiques de l’impressionnisme que l’on retrouve dans l’art impressionniste des fondateurs. Ci-dessous, nous mettrons en évidence quelques caractéristiques trouvées dans l’art des peintres impressionnistes célèbres.

Camille Pissarro (1830 – 1903)

Contributeur essentiel aux mouvements impressionniste et post-impressionniste de la fin du XIXe siècle, Camille Pissarro est non seulement le seul membre du groupe impressionniste à avoir participé à toutes leurs expositions, mais il est également considéré comme le pilier du groupe. Surnommé le « doyen des impressionnistes », le « bon cœur » Pissarro a également reçu de nombreuses critiques pour ses œuvres souvent qualifiées de « vulgaires ».

Les peintures impressionnistes, telles qu’exécutées par Pissarro et de nombreux autres impressionnistes français, étaient réalisées en une seule séance en peignant « mouillé sur mouillé ».

Peintre français Camille Pissarro (circa 1900); Auteur inconnuAuteur inconnu, Domaine public, via Wikimedia Commons

Edgar Degas (1834 – 1917)

Edgar Degas était l’un des membres les plus influents du mouvement impressionniste français. Il a magnifiquement saisi ses sujets dans des dessins au pastel et des peintures à l’huile. Degas était également un graveur hautement qualifié, qui collabora plus tard avec Mary Cassatt jusqu’à la fin de ses jours.

Initialement, Degas voulait devenir un peintre spécialisé dans l’histoire, comme un peintre historique, mais à l’approche de la trentaine, il s’est orienté vers un peintre classique de la modernité.

Autoportrait (1854/1855) d’Edgar Degas, situé au musée d’Orsay à Paris, France; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Degas a reflété le style de l’impressionnisme par la douceur dans la représentation des danseuses et par l’éclat et le mouvement dans la représentation des scènes avec des objets de nature morte. Degas a également expérimenté la lumière et l’ombre, le plus souvent en représentant des artistes et des scènes de concert.

Oscar-Claude Monet (1840 – 1926)

Connu comme le fondateur de l’impressionnisme français, Claude Monet a fourni au reste du monde de l’art français le mouvement artistique qui a ouvert la voie à une pensée créative s’éloignant des idéaux de l’académie et s’orientant vers le modernisme. Dans de nombreuses œuvres de Monet, vous trouverez les idéaux de l’impressionnisme lui-même.

Monet s’est beaucoup concentré sur la représentation de paysages naturels et de scènes de sa vie quotidienne. Les caractéristiques qui font de son œuvre une œuvre impressionniste se retrouvent dans son style de peinture et son utilisation de la couleur.

Portrait de Claude Monet, par le photographe Nadar en 1899; Nadar, Public domain, via Wikimedia Commons

Monet aimait peindre des scènes naturelles, en particulier des scènes avec de l’eau, car cela permettait de jouer avec la lumière, la réflexion et l’utilisation intéressante de la couleur pour attirer l’attention sur l’instant. Vers les années 1860, les impressionnistes comme Monet ont commencé à peindre sur des toiles préparées avec un fond brun rougeâtre ou gris pour la scène et, dans les années 1870, la transition vers des couleurs plus claires s’est manifestée par son choix d’utiliser un beige clair et, finalement, un blanc cassé.

Pour les peintures impressionnistes, cela signifie que la couleur du fond n’a plus d’importance lorsqu’il s’agit d’assurer la finition du tableau.

Nombre de ses célèbres séries, telles que les meules de foin (1890-1891) et la série des nénuphars du jardin, qui ont occupé les deux dernières décennies de sa vie, mettent en évidence les techniques impressionnistes, en mettant l’accent sur la lumière, les changements de saison et la campagne française. Au fil des ans, Monet a gagné de nombreux adeptes et admirateurs de son style et est aujourd’hui connu comme le père de l’impressionnisme.

Mary Stevenson Cassatt (1844 – 1926)

Mary Cassatt était une peintre impressionniste américaine qui fréquentait les impressionnistes français, notamment Edgar Degas. Son sujet tournait autour des moments intimes de la vie sociale des femmes et de la relation entre la mère et ses enfants.

Après s’être affirmée comme une inconditionnelle du Salon et des mesures qu’une femme artiste devait prendre pour que ses œuvres y soient exposées, Cassatt rejoignit les Impressionnistes.

Photographie de Mary Cassatt (1913); Durand-Ruel, Public domain, via Wikimedia Commons

De nombreuses œuvres de Cassatt présentent la technique classique de l’empâtement, qui consiste à appliquer d’épaisses couches de peinture et à donner de courts coups de pinceau pour saisir les détails, la texture et la profondeur.

Les 15 tableaux impressionnistes les plus célèbres

Lorsque l’on se penche sur l’idée de l’impressionnisme et que l’on forme une définition de l’impressionnisme, il est utile non seulement d’examiner les styles artistiques et les caractéristiques de l’art impressionniste, mais il est tout aussi important de décortiquer les peintures qui ont reçu le plus d’attention. Tout le monde peut recréer une impression en Plein air, mais seuls les vrais impressionnistes peuvent laisser une impression durable. Pour bien définir l’impressionnisme, voici une liste des peintures impressionnistes les plus célèbres.

Le déjeuner sur l’herbe (1863) d’Édouard Manet

Jamais un tableau n’a connu autant de rejet dans l’histoire de l’art, cette toile d’Édouard Manet a été critiquée comme vulgaire par les jurés du Salon de 1863 à Paris. Le tableau se voulait un hommage au patrimoine artistique européen, inspiré du Concert Champêtre (1509) du Titien.

Manet exposa plus tard le tableau sous un autre titre, Le Bain, au Salon des Refusés, où il suscita de nombreuses moqueries.

Pourquoi ce tableau a-t-il été si sévèrement critiqué ? Vous vous demandez peut-être. La composition du tableau était considérée comme une scène contemporaine car elle ne faisait pas directement référence à des éléments mythologiques ou allégoriques, mais présentait une femme nue avec des hommes vêtus lors d’un pique-nique, ce qui paraissait ridicule pour les spectateurs de l’époque. Le tableau fut considéré comme obscène et irréaliste, et reçut même le surnom de La partie carrée.

Le déjeuner sur l’herbe (1863) d’Édouard Manet, situé au musée d’Orsay à Paris, France; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons.

On peut également dire que le Déjeuner sur l’herbe de Manet présente également des éléments modernes, comme la négation de la gradation et des éléments à fort contraste, auxquels le public n’était pas préparé. Les sujets du tableau semblent également inhabituellement mal à l’aise et écrasés dans la composition.

Manet a également laissé de côté tout sens de la perspective ou de la profondeur, soulignant ainsi son aversion pour la conformité.

Olympia (1863) par Édouard Manet

Manet a également fait sensation au Salon avec Olympia, exécuté la même année que le tableau précédent, Le déjeuner sur l’herbe. Comme on peut s’y attendre, cette peinture d’une femme nue a ébranlé les critiques d’art et les jurés du Salon de 1865 tout autant que la femme nue dans un pique-nique. C’est comme si Manet avait dû prévoir quel tableau choquerait les spectateurs en premier.

Pour Olympia (1863), Manet a utilisé de multiples références historiques, notamment laVénus d’Urbino (1534) du Titien.

Olympia (1863) par Édouard Manet, situé au Musée d’Orsay à Paris, France; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons.

Olympia n’est pas seulement l’image « vulgaire » d’une femme nue dont le regard transperce le spectateur. Olympia présente une scène très contemporaine d’une femme dont on pense qu’elle recevait des fleurs pour sa beauté et, potentiellement, ses services sexuels.

L’ironie de la femme nue est évidente puisque le nu féminin figurait souvent dans de nombreuses peintures académiques, mais aucune n’était aussi admise dans sa nature que celle de Olympia de Manet.

L’atelier de Bazille (1870) par Frédéric Bazille

Spécialisé dans la peinture de figures, ce peintre impressionniste français a créé L’atelier de Bazille l’année même de sa mort tragique lors de la guerre franco-prussienne de novembre 1870. Une autre œuvre célèbre conservée au musée d’Orsay est La robe rose (vers 1864), qu’il a créée à l’âge de 23 ans. L’atelier de Bazille était le studio d’art de l’artiste et est connu pour être son meilleur chef-d’œuvre représentant de nombreux artistes pivots du mouvement impressionniste, notamment Monet, Emile Zola, Manet, Renoir et Edmond Maître.

Homme riche, Bazille était admiré pour sa générosité envers ses associés en leur permettant de travailler dans son grand studio.

L’atelier de Bazille (1870) par Frédéric Bazille, situé au Musée d’Orsay à Paris, France; Frédéric Bazille, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La Classe de Danse (1871 – 1874) par Edgar Degas

Également conservée au musée d’Orsay à Paris, La Classe de Danse est une célèbre toile impressionniste d’Edgar Degas, peinte entre 1871 et 1874. Contrairement aux autres impressionnistes, Degas accordait de l’importance au sol, comme en témoigne son utilisation de la perspective dans La Classe de Danse.

Le point de fuite peut être vu sur les planches de l’atelier avec une vue d’ensemble surélevée de l’étendue diagonale lointaine de l’atelier.

La Classe de Danse (1871 – 1874) d’Edgar Degas, située au musée d’Orsay à Paris, France; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons.

Degas fréquentait le studio et les coulisses de l’opéra de Paris car il avait aussi un ami dans l’orchestre. Degas est surtout connu pour ses peintures de ballerines et leurs différentes scènes de préparation, que ce soit en studio ou au repos, Degas s’intéressait à la vie de la ballerine, de la danseuse et du corps qui s’entraîne pour une forme d’art aussi éprouvante.

Impression, Soleil Levant (1872) de Claude Monet

Impression, soleil levant (1872) de Claude Monet est peut-être la peinture impressionniste la plus célèbre, reconnue comme étant la première soumission formelle faite par Monet, le père de l’impressionnisme lui-même. Le soleil levant est illustré par une tache orange brûlante de peinture à l’huile située parmi des tons pastel froids de bleu, de vert, de violet et d’orange.

Ce chef-d’œuvre, qui représente la vue du Havre par Monet, a été fortement critiqué par les critiques d’art comme étant inachevé.

Impression, Soleil Levant (1872) de Claude Monet, situé dans le Musée Marmottan Monet à Paris, France; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons.

L’œuvre est également devenue une plaisanterie pour ceux qui préféraient les idéaux de la peinture académique. Le tableau a été réalisé en quelques heures seulement et a été inclus dans la première exposition de la Société Anonyme Coopérative des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Engraveurs, et Lithographes en 1874.

La Maison du pendu Auvers-sur-Oise (1873) de Paul Cézanne

Bien que l’art de Paul Cézanne soit souvent classé dans la catégorie du post-impressionnisme, plusieurs œuvres des années 1870 témoignent de sa brève utilisation de l’impressionnisme. Le paysage ci-dessus, La Maison du pendu Auvers-sur-Oise (1873) se traduit par la maison du pendu, ce qui est un titre assez sombre pour un paysage impressionniste apparemment innocent. Ce tableau était l’une des trois autres œuvres d’art exposées lors de l’exposition de groupe impressionniste de 1874 et a été acheté par le comte Armand Doria.

Cézanne était connu pour créer son style avec un couteau. Cézanne a rapidement quitté le domaine de l’impressionnisme pour poursuivre des styles cubistes plus audacieux et plus modernes.

La Maison du pendu Auvers-sur-Oise (1873) par Paul Cézanne, située au Musée d’Orsay à Paris, France; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons.

Bal du Moulin de la Galette (1876) par Pierre-Auguste Renoir

Bal du Moulin de la Galette(1876) est l’un des tableaux les plus importants de Renoir et l’une des œuvres impressionnistes les plus célèbres au monde illustrant la vie parisienne du XIXe siècle. Exposée en 1877, cette peinture pétillante illustre l’atmosphère joyeuse d’un jardin de danse très populaire autour de la Butte Montmartre. Le tableau de Renoir fait appel à des coups de pinceau vifs couplés à des éclairages artificiels et naturels que l’on retrouve dans le mouvement de la foule.

La nature floue de la scène, comme pour de nombreux tableaux impressionnistes, a suscité des critiques négatives de la part des critiques d’art.

Bal du Moulin de la Galette (1876) par Pierre-Auguste Renoir, situé au Musée d’Orsay à Paris, France; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons.

Éveil de la jeune fille (1877 – 1878) par Eva Gonzalès

Moins médiatisée mais pourtant l’une des plus célèbres peintures impressionnistes féminines, FilleÉveil(v. 1877 – 1878) d’Eva Gonzalès, qui fut également la première élève de Manet. L’utilisation par Gonzalès des couleurs du pastel et du médium lui-même était spectaculaire et attira l’attention du Salon dès les années 1870.

Le tableau ci-dessus montre une femme ressemblant à la sœur de l’artiste, Jeanne, qui a souvent posé pour sa sœur et a plus tard épousé son mari, Henri-Charles Guérard, qui connaissait également Manet.

Malheureusement, Eva Gonzalès est décédée après la naissance de son fils, quatre ans seulement après son mariage. <L’Éveil de la jeune fille illustre une jeune femme aux cheveux noirs et à la peau blanche et délicate qui semble s’être réveillée de son sommeil. Cette image douce et intime a été exécutée avec brio par Gonzalès et illustre parfaitement sa compréhension des moindres détails de la vie d’une femme dans le Paris du XIXe siècle.

Dans la loge (1878) par Mary Cassatt

L’un des premiers thèmes de Mary Cassatt dans ses peintures impressionnistes était le théâtre, qui était une destination bien connue pour les divertissements dans le Paris du XIXe siècle. Cassatt avait tendance à se concentrer sur le spectateur au théâtre par opposition aux artistes sur scène, qui étaient les sujets centraux de son contemporain, Degas. Dans la Loge (1878) nous montre un spectateur engagé dans l’acte de regarder tout en étant observé par un autre homme au loin.

Le sujet du regard et de l’observation dans un cadre d’observation est ce qui distingue le tableau de Cassatt. La femme est présentée à la fois comme l’objet du désir de l’homme et comme sa liberté sociale en tant que femme moderne.

In the Loge (1878) de Mary Cassatt, situé au Museum of Fine Arts de Boston, États-Unis; Mary Cassatt, Public domain, via Wikimedia Commons

La rue Mosnier aux drapeaux (1878) par Édouard Manet

Un autre sujet exploré dans l’art impressionniste est l’émergence et l’expansion de l’ère industrielle et son impact sur la société. Manet a peint La rue Mosnier avec des drapeaux(1878) depuis sa fenêtre du deuxième étage, mettant en valeur la célébration de la paix le 30 juin 1878, qui était un jour férié pour la célébration de l’Exposition Universelle.

Le tableau exsude de riches teintes reflétées par les drapeaux français suspendus aux fenêtres du nouveau bâtiment.

La rue Mosnier avec drapeaux (1878) d’Édouard Manet, située dans le J. Paul Getty Museum à Los Angeles, États-Unis; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

La représentation des rues était également un sujet populaire dans les œuvres impressionnistes et Manet a magnifiquement capturé de nombreuses personnes dans le tableau, notamment les passagers des taxis, un amputé avec des béquilles et un ouvrier tenant une échelle. Manet accorde également une grande attention aux détails en illustrant les débris laissés dans le sillage de la construction du nouveau chemin de fer.

Cela souligne également sa connaissance des sacrifices associés à la fierté nationale.

Carnation, Lily, Lily, Rose (c. 1885) par John Singer Sargent

Dérivé d’une chanson populaire de Joseph Mazzinghi, The Wreath, John Singer Sargent a créé Carnation, Lily, Lily, Rose vers 1885 comme une impression de la lumière qui éclaire le crépuscule. Sargent était un pionnier de la peinture de portrait américaine, un expatrié et un paysagiste talentueux de son époque.

Bien que ne faisant pas partie du groupe des impressionnistes français, l’expatrié américain était ami avec Frederick Barnard, un illustrateur dont les enfants sont le sujet du tableau de Sargent.

Carnation, Lily, Lily, Rose (c. 1885) par John Singer Sargent, situé à la Tate Britain à Londres, Royaume-Uni; John Singer Sargent, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les enfants, Dolly et Polly, sont photographiés en train d’allumer des lanternes japonaises à l’aide de bougies. Sargent a également connu Degas et Monet à un moment de sa carrière grâce à son amitié avec le peintre français Paul César Helleu. Vous pouvez également associer le peintre américain à la peinture controversée du Portrait de Madame X en 1884.

Fille à la robe rose (1888) de Berthe Morisot

Alors que peu de femmes dans l’impressionnisme ont été documentées, Berthe Morisot était une exposante fréquente du Salon et une impressionniste prolifique du 19ème siècle. Morisot a rejoint les impressionnistes en 1874 et a exposé aux côtés d’autres grands noms comme Claude Monet et Camille Pissarro.

L’artiste était également la belle-sœur d’Édouard Manet et a été décrite comme les trois grandes dames de l’impressionnisme aux côtés d’autres femmes impressionnistes prolifiques telles que Mary Cassatt et Marie Bracquemond.

Morisot fut également la seule peintre à convaincre Manet de commenceren Plein air la peinture. Dans son œuvre, Fille à la robe rose (1888), Morisot incorpore habilement des couleurs vives sur la jeune fille qui porte une robe rose. Les peintures de Morisot étaient souvent laissées inachevées sur les bords de la toile, ce qui accentuait le mouvement et la spontanéité associés à son style.

Tout au long de son œuvre, Morisot a exploré des coups de pinceau courts et rapides ainsi que de longs coups de pinceau élégants qui ont ajouté une définition et une forme moderne à ses sujets.

Récolte de pommes(1888) par Camille Pissarro

Camille Pissarro a reçu l’inspiration artistique de ses prédécesseurs Jean-Baptiste-Camille Corot et Gustave Courbet, y compris de ses contemporains, comme Georges Seurat. Reconnu comme le doyen des impressionnistes et admiré par Paul Gauguin et Paul Cézanne, Pissarro a également été un chef de file dans la technique définie par le néo-impressionnisme.

Dans La récolte des pommes (1888), Pissarro utilise une technique appelée pointillisme, qui se caractérise par l’utilisation de micropoints placés si près les uns des autres qu’ils créent l’illusion de couleurs mélangées et de traits définis.

Récolte de pommes (1888) par Camille Pissarro, situé au Dallas Museum of Art à Dallas, États-Unis; Camille Pissarro, Public domain, via Wikimedia Commons

Cette technique décorative est brillamment mise en valeur dans Moisson de pommes grâce à un mélange de teintes lavande, verte, orange, jaune, rouge, bleue et rose pour dépeindre la campagne française et les cueilleurs de pommes qui s’y trouvent. Pissarro était un maître, mais à l’âge de 54 ans, il était toujours prêt à s’adapter et à utiliser des techniques innovantes comme le pointillisme pour faire évoluer son style.

L’étang aux nénuphars (1899) de Claude Monet

La série des Nymphéas de Monet est l’une des peintures impressionnistes les plus reconnaissables de l’histoire de l’art et du mouvement impressionniste français. En 1883, Monet s’installe à Giverny où il construit son très précieux jardin d’eau, qui sera le sujet de ses meilleures séries impressionnistes jusqu’à sa mort.

L’image emblématique du pont arqué a été capturée dans sa série ainsi que différentes représentations de la lumière entourant l’eau et les nénuphars.

L’étang aux nénuphars (1899) de Claude Monet, situé dans la National Gallery à Londres, Royaume-Uni; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

La composition est aussi étonnante que l’était son jardin et Monet a réussi à capturer 17 vues différentes de ce motif dans des conditions de lumière changeantes. Le nombre total de tableaux représentant le jardin s’élève à 250 peintures à l’huile exécutées au cours des 30 dernières années de sa vie.

Printemps (1917) de Konstantin Korovin

Né dans une famille aisée, Konstantin Korovin est considéré comme un artiste russe pionnier du mouvement impressionniste. Dès son plus jeune âge, Korovin s’investit davantage dans la poursuite de ses projets créatifs que dans l’entreprise familiale et devient rapidement l’un des artistes russes les plus prolifiques de l’histoire de l’art.

Korovin a également visité Paris et a décrit le choc qu’il a ressenti en voyant les œuvres des impressionnistes français comme contenant tout ce pour quoi il avait été réprimandé à Moscou.

Spring (1917) de Konstantin Korovin, situé au Musée national russe de St. Petersbourg, Russie; Konstantin Alexeyevich Korovin, Public domain, via Wikimedia Commons

Korovin était également un décorateur international pour de nombreux théâtres en Asie, en Europe, en Australie et en Amérique. Associé à l’utilisation russe de couleurs vives, plus populaires en Russie qu’à Paris à l’époque, Korovin illustre une combinaison de styles de peinture culturels dans Spring (1917).

De l’impressionnisme au post-impressionnisme

Le groupe impressionniste français a organisé un total de huit expositions entre 1874 et 1886, qui ont progressivement perdu en popularité, même aux yeux de certains des membres pionniers. Après 1886, de nombreuses expositions individuelles et des expositions de groupe plus modestes ont été organisées pour aider les artistes à affiner leur propre parcours artistique et le développement de leur style. Malgré la séparation des impressionnistes, de nombreux artistes conservèrent leur amitié à vie, à l’exception d’Edgar Degas qui devint un antisémite convaincu et cessa de s’associer à Pissarro.

Du groupe initial de révolutionnaires, Monet est le dernier survivant, décédé en 1926.

Les débuts de l’impressionnisme ont également signifié l’émergence d’artistes prenant une position indépendante par rapport aux traditions de l’académie et du Salon. L’éloignement de la voie plus large des préférences en matière de style artistique a permis à de nombreux maîtres impressionnistes de s’épanouir de manière individualiste. Après l’impressionnisme, le post-impressionnisme s’est développé en s’éloignant encore plus de ce que l’impressionnisme n’avait fait qu’effleurer.

Un dimanche à la Grande Jatte (1884) de Georges Seurat, situé à l’Art Institute of Chicago à Chicago, États-Unis ; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le post-impressionnisme a clairement tracé la ligne de démarcation entre une représentation joyeuse et fugace et un élan intentionnel vers la modernité, l’utilisation intelligente des techniques de peinture et d’autres mouvements artistiques tels que le cubisme, le néo-impressionnisme, l’expressionnisme et le modernisme. Il est également important de se rappeler que l’impressionnisme a résulté des changements culturels et sociaux en Europe à l’époque, qui ont contribué à définir l’idéologie de l’impressionnisme lui-même.

La plupart des impressionnistes ont été témoins des effets tumultueux de la Révolution et du règne de Napoléon, qui ont jeté une ombre de changement sur la culture européenne.

Au cours de cette période, d’autres théories entourant la perception de la couleur à la lumière de l’expérience subjective de la couleur ont influencé les impressionnistes naissants et ont constitué l’épine dorsale de leur idéologie et de leur utilisation de la couleur. Les impressionnistes ont également coexisté avec l’introduction de la photographie et l’essor de la société industrielle, qui ont eu un impact sur le sujet des œuvres d’art impressionnistes. L’impressionnisme a capturé le changement tel qu’il se produisait à travers des scènes de café, des événements sociaux et des scènes représentées en Plein air. La couleur est réintroduite dans le réel et la façade superficielle de la perfection s’estompe.

L’impressionnisme en tant que mouvement artistique a eu un impact considérable sur la manière dont l’art devait être étudié et compris. Parmi les autres artistes impressionnistes importants, citons les œuvres de Marie Bracquemond, Gustave Caillebotte, William Merritt Chase, Charles Conder, Armand Guillaumin et Childe Hassam. L’impressionnisme se retrouve également dans les sculptures d’Auguste Rodin et des cinéastes français Abel Gance et Germaine Dulac.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’impressionnisme?

L’impressionnisme désigne le mouvement artistique français du XIXe siècle qui a marqué un tournant dans les préférences artistiques, passant de la représentation académique et réaliste de sujets historiques et mythologiques spécifiques à la représentation impressionniste de sujets contemporains, de paysages et de la vie quotidienne.

Quelles sont les caractéristiques d’une peinture impressionniste ?

Les caractéristiques d’une peinture impressionniste comprennent des coups de pinceau clairs et visibles, des couleurs vives et l’accent mis sur la lumière, le contraste et le mouvement plutôt que sur les détails et les scènes complètes. Les peintures impressionnistes ont un caractère inachevé et des palettes de couleurs irréalistes.

Qui est à l’origine de l’impressionnisme ?

Bien que des fragments des premières formes de l’impressionnisme soient visibles chez d’autres artistes, Camille Pissarro est le père de l’impressionnisme et Claude Monet est considéré comme le fondateur de l’impressionnisme en tant que groupe formel d’artistes pour promouvoir les valeurs de l’impressionnisme. Le groupe d’artistes comprenait également Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Paul Cézanne, Mary Cassatt, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Berthe Morisot et Alfred Sisley.