Symbolisme – Développement du mouvement symboliste

Qu’est-ce que le symbolisme dans l’art ? Si tu es familier avec l’exploration de la spiritualité, de l’idéalisme et de la poésie dans ta pratique artistique, alors tu apprécieras d’en apprendre plus sur le mouvement symboliste. Le mouvement symboliste a vu le jour à la fin du 19e siècle à travers la littérature et la poésie qui prônaient une vision idéaliste de la réalité par opposition à ses aspects austères et amers. Ce mouvement mettait notamment l’accent sur les métaphores et autres procédés linguistiques, en guise de révolte contre le réalisme et le naturalisme. Dans cet article, nous allons te présenter le mouvement du symbolisme et plonger dans la façon dont le mouvement est apparu, quelques artistes clés qui ont utilisé le symbolisme en peinture, et quelques exemples célèbres d’art du symbolisme qui éclairent les thèmes importants du mouvement global. Continue à lire pour en savoir plus sur le monde imaginatif du symbolisme!

Le mouvement du symbolisme : Qu’est-ce que le symbolisme ?

Pour former une définition de l’art du Symbolisme, il est important de comprendre la base du terme « Symbolisme » ainsi que les influences de la culture qui se cache derrière. Tu connais peut-être les emojis et les icônes disponibles sur ton smartphone, qui sont un élément dérivé de la notion originale de symbole, que beaucoup d’entre nous comprennent comme une image ou un motif qui représente un concept, une idée ou un thème abstrait. Le mot « symbole » tire son origine des termes latins symbolum et symbolus, ce dernier terme désignant un signe ou un gage de reconnaissance. Il a été dérivé du grec syn (ensemble) + bole (jeter), évoluant dans son sens pour désigner l’acte de comparer des choses pour en déterminer l’authenticité, avant d’atteindre son usage actuel de désigner une chose conçue pour en représenter une autre au 16ème siècle par Edmund Spenser dans The Faerie Queene..

Page de titre de l’impression de Ponsonby de The Faerie Queene d’Edmund Spenser (1569) ; Edmund Spenser (auteur), William Ponsonby (imprimeur), CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Les symboles peuvent prendre forme dans de nombreuses formes visuelles et artistiques différentes, ils jouent un rôle important en relayant le message voulu par l’artiste à propos de l’œuvre d’art. Tu as peut-être entendu parler du terme Symbolisme dans l’art, qui fait référence à un mouvement artistique de la fin du 19e siècle, inspiré par un rejet collectif des styles et concepts artistiques du réalisme et du naturalisme dans l’art.

Les fondements du Symbolisme dans l’art étaient construits sur une perspective romantique et privilégiaient des vues idéalistes et des métaphores pour décrire la vie quotidienne. Le mouvement symboliste a favorisé des géants de la poésie et de la littérature tels que Charles Baudelaire et Edgar Allen Poe, dont les contributions littéraires au mouvement ont inspiré de nombreux artistes à poursuivre dans la voie idéaliste.

Une définition de l’art du symbolisme englobe également l’influence de la poésie, de la spiritualité et de l’imagination créatrice comme prémisse d’une œuvre d’art ou d’un poème. Un autre élément intéressant que les artistes qui ont utilisé le symbolisme dans leur art comprennent une priorité sur l’évocation des sentiments pour relayer l’âme du poète ou de l’artiste par opposition à la simple représentation, narration ou description d’un sujet. Parmi les artistes modernes les plus célèbres qui ont utilisé le symbolisme, on trouve des artistes tels que Paul Gauguin, Gustave Moreau, Vincent van Gogh et Pierre Puvis de Chavannes.

La Rivière de Pierre Puvis de Chavannes (c. 1864) ; Pierre Puvis de Chavannes, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Influences clés du mouvement symboliste

L’utilisation de symboles dans l’art a également été observée dans le mouvement décadent, qui est souvent confondu avec le mouvement symboliste, et qui était fondé sur des principes axés sur l’artificialité et l’excès. Le mouvement décadent est un mouvement de la fin du 19^e siècle qui a acquis son nom grâce aux critiques d’art qui jugeaient les œuvres des auteurs créatifs comme complaisantes et à la limite de l’obsession pour les sujets tabous. Ci-dessous, nous allons explorer certaines des influences clés du symbolisme, ce qui contribuera à renforcer ta compréhension du contexte du mouvement.

Les Fleurs Du Mal (1857) de Charles Baudelaire

Charles Pierre Baudelaire était un poète, traducteur, essayiste et critique d’art français populaire, très respecté et célébré pour sa plume experte dans l’équilibre de la rime et du rythme en poésie. Ses œuvres s’inspiraient de moments de sa vie quotidienne, son œuvre la plus connue étant Les Fleurs Du Mal (1857), qui se traduit en anglais par The Flowers of Evil (Les Fleurs du Mal). Le volume de poésie a été publié au milieu du 19^e siècle et aborde la nature changeante de la beauté au cours de l’industrialisation parisienne. Baudelaire s’est spécialisé dans la poésie en prose et est reconnu comme l’homme qui a inventé le terme « modernité ». Charles Baudelaire reste une figure importante pour le reste de l’histoire de l’art à suivre puisque ses mots ont ensuite influencé non seulement les symbolistes, mais aussi d’autres géants de la poésie tels qu’Arthur Rimbaud et Paul Verlaine.

Baudelaire a également abordé la responsabilité de l’artiste qui se devait de capturer la nature de l’urbanisation, caractérisée par une expérience éphémère et des moments « fugaces » au sein d’un environnement en mutation rapide.

Baudelaire et sa muse par Armand Rassenfosse (c. 1920) ; Armand Rassenfosse (1862-1934), Domaine public, via Wikimedia Commons.

Lorsque Les Fleurs Du Mal a été publié pour la première fois, quelques poèmes de Baudelaire ont été censurés car les critiques les jugeaient immoraux, pourtant aujourd’hui, il est considéré comme l’une des œuvres littéraires majeures de la poésie française. Certains des thèmes clés du livre, également vus dans le symbolisme, comprennent les thèmes de l’érotisme, de la décadence, de la souffrance et du péché, de l’obsession de la mort, de la poursuite de l’idéalisme et de la haine du mal et du moi. Le livre est composé de six sections : Spleen et Idéal, Scènes parisiennes, Vin, Fleurs du mal, Révolte, et Mort. La partie de Baudelaire sur le mode de vie urbain et les scènes de Paris ont été particulièrement influentes pour l’ère moderniste française et reflétaient ses sentiments sur la modernisation.

Baudelaire a traversé les thèmes de l’anonymat qui se produisent dans la ville et la nature aliénante de la géométrie propre dans la disposition de la ville. Baudelaire a également inclus les « héros méconnus » de Paris, identifiés par des figures de la société souvent négligées comme l’ouvrier industriel, le mendiant, la prostituée et les personnes âgées parmi de nombreux autres archétypes de la réalité ouest-européenne du 19^e siècle.

Baudelaire a offert une critique vitale à travers la poésie sur le coût de la modernité. Les Fleurs Du Mal était une rencontre nostalgique avec une ville qui se modernisait rapidement et avec laquelle l’auteur s’efforçait de se réconcilier. Charles Baudelaire a également traduit de nombreuses œuvres d’Edgar Allen Poe et s’est inspiré de ses poèmes pour créer de nouveaux tropes qui seront plus tard adoptés par les symbolistes.

Parnassianisme

Le parnassianisme désigne un style littéraire survenu pendant la période positiviste du 19^e siècle, juste avant l’émergence du symbolisme. Le terme provient de la revue littéraire Le Parnasse Contemporain (1866-1876), nommée d’après le mont Parnasse, la demeure traditionnelle des Muses dans la mythologie grecque. Tu as peut-être déjà entendu parler de l’expression « l’art pour l’art », qui a été écrite par le créateur littéraire Théophile Gautier, admiré par un certain nombre de symbolistes.

Les arts et les muses par Pierre Puvis de Chavannes (entre 1884 et 1889) ; Pierre Puvis de Chavannes, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le symbolisme a conservé la notion de jeu de mots du parnassianisme tout en combinant d’autres influences de l’hermétisme, ce qui a donné naissance à une forme moderne de poésie connue sous le nom de versification plus libre ou « poésie libre ».

L’hermétisme était animé par des philosophies dérivées de textes attribués à un personnage mythique connu sous le nom d’Hermès Trismégiste. Il s’agissait d’un mouvement spiritualiste fondé sur des notions de connaissances occultes accessibles uniquement à un ancien élu, d’une divinité primitive sur laquelle reposaient toutes les notions ultérieures de « Dieu ». Le symbolisme se combinait à l’atmosphère de « détachement ironique » du parnassianisme. Le parnassianisme visait des œuvres irréprochables et précises qui faisaient écho à un sentiment de détachement et se concentraient sur des sujets néoclassiques et exotiques.

Le Manifeste symboliste (1886) de Jean Moréas

Un manifeste symboliste a été publié en 1886 par Jean Moréas dans le journal français Le Figaro et a exposé les trois figures principales du symbolisme, qui couvraient Charles Baudelaire, Paul Verlaine et Stéphane Mallarmé en tant que poètes pionniers du mouvement. Moréas a également précisé l’objectif du symbolisme, ancré dans l’intention d’exprimer un idéal plutôt que de se contenter d’une définition claire et nette ou d’un faux sentimentalisme. L’idée derrière le symbolisme était axée sur la transmission du message pour évoquer une vision de l’idéal en tant que concept. En d’autres termes, explorer l’idéalisme et son impact, au lieu de tenter de créer ou de présenter l’idéal lui-même.

Le poète symboliste français Stéphane Mallarmé a déclaré que le mouvement consistait à « dépeindre non pas la chose mais l’effet » et peut être lié aux notions modernes ultérieures d' »affect », qui font allusion à une série plus large d’effets compris comme un tout grâce à l’affect.

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Être symboliste, Portrait de Jean Moréas par Paul Gauguin (1891) ; Paul Gauguin, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Spiritualité et Fin de Siècle

On ne peut parler du symbolisme dans l’art sans noter l’influence de sujets tabous tels que l’érotisme ainsi que le mysticisme et la religion sur le mouvement. Dans une tentative de s’éloigner des rappels brutaux de la réalité, le symbolisme s’est associé à la poésie et à la philosophie pour incorporer la religion, la spiritualité et les sujets tabous du 19^e siècle dans le cadre d’une reconnaissance du modernisme à travers une lentille imaginative. Les figures clés qui ont inclus la spiritualité dans leurs œuvres comprennent des écrivains tels que Joris-Karl Huysmans qui s’est intéressé de près à la religion et à la spiritualité.

Portrait de Huysmans par Eugène Delâtre (1894) ; Eugène Delâtre, CC0, via Wikimedia Commons.

L’atmosphère fin de siècle de l’époque a également incité les artistes et les écrivains à explorer des sujets autour de la sexualité, de l’idéalisme, du mysticisme et de l’art d’avant-garde en raison de la prise de conscience collective autour de la fin d’un siècle à Paris et de sa transition vers le 20^e siècle moderne.

Le critique d’art et romancier français Joséphin Péladan était également une figure clé du rosicrucianisme et du catholicisme universel qui a été le pionnier d’une série d’expositions du Salon, qui s’inspiraient de la société secrète connue sous le nom de Salon de la Rose + Croix. De nombreux peintres symbolistes étaient associés au Salon, qui comprenait des présentations sur l’art, la musique et l’écriture d’avant-garde de la dernière décennie du 19^e siècle.

Oeuvres d’art symbolistes célèbres

Maintenant que tu as plus d’informations sur les différents facteurs qui ont influencé le mouvement symboliste, tu peux maintenant apprécier certains des exemples d’art symboliste les plus célèbres pour t’aider à visualiser les thèmes du symbolisme ainsi que les brillants artistes qui en sont à l’origine.

L’œil comme un étrange ballon monte vers l’infini (1882) par Odilon Redon

Cette lithographie énigmatique a été créée par Odilon Redon, qui était une figure importante du mouvement symboliste. On pense que Redon s’est inspiré des écrits d’Edgar Allen Poe et qu’il ne s’agissait pas tout à fait d’une illustration liée à l’une de ses œuvres spécifiques, mais plutôt d’un concept parallèle aux écrits de Poe.

À Edgar Poe (L’œil, comme un étrange ballon, monte vers l’infini) par Odilon Redon (1882) ; Los Angeles County Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons.

Redon utilise l’œil de Dieu qui voit tout, qui surgit d’un paysage de marais et qui semble assez inquiétant. L’œil porte un crâne, représentant des morts vers le ciel, et vers le divin. La lumière qui émane de l’espace négatif de l’estampe évoque également un sentiment de surnaturel, qui rappelle une prémonition ou une vision associée au mysticisme qu’incluait le mouvement du symbolisme.

Redon était également poussé par le matérialisme scientifique et les théories évolutionnistes proposées par Charles Darwin. La technologie des montgolfières était également populaire à l’époque et occupe le devant de la scène dans cette estampe, comme une manifestation personnelle du monde privé de Redon.

Masques Confronting Death (1888) par James Ensor

James Ensor est l’un des peintres symbolistes les plus connus du 19^ème siècle, qui a été inspiré par la boutique de souvenirs de sa mère, qui vendait également des masques en papier mâché pour les carnavals. Les masques étaient le symbole d’un retour dans son pays natal et donc représentatifs de l’unité culturelle à travers l’esthétique du carnaval et les éléments commerciaux et touristiques de tels événements en pleine industrialisation. Ensor était surtout connu pour évoquer le grotesque et l’obscur dans son art et rappelle les œuvres fantastiques de Hieronymus Bosch et les qualités fantaisistes de Pieter Bruegel.

Le travail d’Ensor a également été un précurseur important du mouvement expressionniste du 20e siècle, lorsque de nombreux artistes ont commencé à explorer les profondeurs de la psyché humaine.

Masques affrontant la mort par James Ensor (1888) ; James Ensor, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les trois mariées (1893) de Jan Toorop

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Les trois mariées de Jan Toorop est l’une des peintures symbolistes les plus célèbres de la décennie fin de siècle et représente les trois états de l’âme, incarnés par les trois figures nuptiales. La mariée au centre représente l’innocence de l’âme et est présentée comme déchirée entre deux mondes : le monde spirituel et le monde maléfique, incarnés par les deux mariées à sa gauche et à sa droite. La mariée de gauche a été peinte à la manière d’une madone pour faire allusion à la spiritualité et à la « bonté » de la religion. La mariée de droite arbore une guirlande de crâne, qui représente l’état maléfique de l’âme.

Les trois mariées par Jan Toorop (1893) ; Jan Toorop, Domaine public, via Wikimedia Commons.

D’autres symboles apparaissent également dans la composition, comme un lit d’épines, qui souligne les défis de l’existence, et un symbole de passion, représenté par le vaisseau de sang. Les peintures de Toorop sont incroyablement profondes car son utilisation du symbolisme diffère de celle des autres symbolistes célèbres de son époque puisqu’il tire ses influences mystiques de sources non occidentales. Cela se voit dans les bras allongés des assistants des mariées qui sont dispersés au premier plan et dont on pense qu’ils ont été inspirés par des productions théâtrales de marionnettes javanaises.

Un autre point qui mérite d’être souligné est que l’œuvre de Toorop reflétait également l’état des arts visuels et des écrits sur les femmes dans la spiritualité en tant que source du mal lui-même, qui était associé à la procréation, au péché et au sexe. Ces sujets étaient considérés comme tabous et peuvent être compris aujourd’hui comme un sens désabusé de la spiritualité et peut-être le reflet d’une haine collective envers les femmes issue d’une haine de soi.

Jupiter et Sémélé (1894 – 1895) de Gustave Moreau

Jupiter et Séméléest un célèbre tableau symboliste réalisé par l’un des peintres symbolistes pionniers du 19ème siècle, Gustave Moreau, dont l’approche comprenait une combinaison de nombreuses images complexes et symboliques. Le tableau représente une scène de la mythologie classique où la femme mortelle, Sémélé, a reçu la visite de son amant, Jupiter, à la demande de Junon, l’épouse de Jupiter. Lorsque Jupiter est apparu devant Sémélé, elle a malheureusement été frappée par sa foudre et a ainsi été le symbole de leur amour, rendu divin par la mort intense et prématurée de Sémélé.

L’imagerie et l’expression symbolique de l’amour de Jupiter et de Sémélé étaient également considérées comme « l’expression ultime d’un orgasme », Moreau affirmant que Sémélé était purifiée dans le processus et qu’avec sa mort venait la mort de l’amour terrestre.

Jupiter et Sémélé par Gustave Moreau (1895) ; Gustave Moreau, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le Réveil, le baiser de sa mère (1899) d’Eugène Carrière

Cette peinture symboliste éthérée a été créée par Eugène Carrière au tournant du 19^ème siècle, juste avant sa mort. Le Réveil, le baiser d’une mère est l’un de ces tableaux où figurent la femme et la fille de Carrière, qui partagent une étreinte attachante et figurent fréquemment dans son portfolio. Les peintures de Carrière sont tombées dans la collection de la ville de Moscou et sont restées depuis l’une des peintures symbolistes les plus emblématiques à ce jour.

L’approche monochromatique unique de la peinture de Carrière et son utilisation du brun et des teintes neutres dans son travail sont devenues sa signature dans le symbolisme. Carrière a été influencé par Jean-Jacques Henner ainsi que par de nombreux autres artistes « vieux maîtres ».

Le Réveilou son Le Baiser de la Mère par Eugène Carrière (1899) ; Eugène Carrière, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’atmosphère brune et brumeuse de la plupart de ses œuvres est ce qui rend ses peintures si nostalgiques et souligne sa vision de la famille comme un « microcosme de l’humanité ».

Bien qu’il ait choisi de représenter des membres de sa famille proche, Carrière s’est concentré sur des sujets universels qui reflètent son idée de la façon dont les relations familiales intérieures sont connectées à l’environnement extérieur et peuvent être utilisées pour apprendre de précieuses leçons de vie. L’accent mis sur la connexion est ainsi dessiné et reste un élément clé de Carrière et de son exploration des formes symboliques à travers les relations familiales.

La danse de la vie (1899 – 1900) d’Edvard Munch

La danse de la vie est une peinture symboliste populaire d’Edvard Munch, qui est communément associé au mouvement expressionniste et fait partie de l’un des artistes les plus célèbres ayant utilisé le symbolisme. Dans La danse de la vie, Munch explore l’expérience des femmes perçues à travers trois étapes : la vierge, la femme en rouge et la femme âgée qui est présentée comme « satanique ». L’océan représente les aspects inconnus de la vie, la notion d’éternité et la mort, qui est retenue temporairement. La danse représente la notion plus large de la vie terrestre tandis que la figure féminine solitaire en arrière-plan est vue postée devant un symbole phallique freudien.

La danse de la vie par Edvard Munch (1899-1900) ; Edvard Munch, Domaine public, via Wikimedia Commons.

D’autres scènes du tableau montrent de nombreux personnages masculins planant au-dessus d’une femme vêtue de blanc, tandis qu’un autre personnage identifié comme étant Gunnar Heiberg est vu en train d’attraper une femme par désir. Tulla Larsen était l’amante de longue date de Munch et a été présentée à Munch par Heiberg. On pense que Munch était jaloux de Heiberg et on peut le voir représenté par le couple dans le tableau, qui semble connecté mais porte des expressions distantes sur leurs visages.

Le thème de l’aliénation et de l’isolement dans le tableau de Munch a été influencé par Arthur Schopenhauer dont la philosophie était plutôt pessimiste. Munch souligne le « destin scellé » apparent du couple puisque les deux ne se sont jamais mariés ou n’ont jamais eu d’enfants et pourtant leur connexion était en quelque sorte éternelle en raison de la nature de la société de l’époque, qui était influencée par les effets de la modernisation.

Autres artistes clés du symbolisme

Le symbolisme était un mouvement qui s’est répandu à travers le monde et pratiqué par de nombreux artistes talentueux. Quelques autres peintres et artistes symbolistes clés à noter incluent des créatifs tels que Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Hugo Simberg, Lascăr Vorel, Alfred Kubin, Anselmo Bucci, Henri Fantin-Latour, Emil Nolde, Franz von Stuck, et Gustav-Adolf Mossa, parmi beaucoup d’autres.

Nuit par Ferdinand Hodler (1889-1890) ; Ferdinand Hodler, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le mouvement symboliste a saisi de nombreuses questions importantes de l’époque qui ont été enflammées par les problèmes de modernisation et le processus d’industrialisation à travers l’Europe occidentale. Les questions de l’isolement et des débouchés de l’art, de la philosophie, de la spiritualité et de la littérature étaient des solutions pour les créatifs du 19e siècle, qui encourageaient l’expression personnelle et soulignaient le besoin croissant d’une évaluation de la psyché humaine. Ces thèmes importants sont tout à fait relatables à la société d’aujourd’hui, témoin d’un changement constant et d’un développement technologique qui non seulement crée un certain degré d’aliénation, mais altère également la psyché humaine moderne.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que le symbolisme dans l’art?

Le symbolisme dans l’art fait référence à un mouvement artistique international inspiré par la transition de l’Europe occidentale vers la culture moderne provoquée par l’industrialisation, et une fuite loin des dures réalités de la modernisation. Le symbolisme était une exploration de l’idéalisme et s’inspirait également des philosophies de l’hermétisme et du parnassianisme, ainsi que de la spiritualité, de la religion, du mysticisme, et de l’utilisation de symboles dans l’art pour relayer des messages sur la société et reconnaître le tournant d’un siècle.

Qui était le peintre symboliste le plus influent?

Le peintre le plus influent du mouvement symboliste est considéré comme l’artiste français Gustave Moreau, qui a créé plus de 15 000 œuvres d’art couvrant des sujets allégoriques, bibliques et mythologiques.

Quels sont les principaux thèmes du symbolisme dans l’art?

Les thèmes principaux du symbolisme dans l’art comprennent la mythologie, le sexe et la mort, qui a également fait son apparition dans la littérature et la poésie. D’autres thèmes symbolistes importants comprennent l’utilisation de métaphores, d’allégories, d’archétypes, de personnification, de métonymie, d’ironie et d’hyperboles pour exprimer des observations taboues et contemporaines sur la société ouest-européenne du 19e siècle.