Portraits célèbres Peinture – les portraits d’art les plus célèbres

La peinture de portrait fait partie des genres de peinture les plus répandus. En théorie, elle permet de donner une image réaliste d’un individu tout en soulignant ses attributs physiques et, peut-être, ses traits spirituels ou intellectuels. Ce genre, caractérisé par des portraits d’individus, a été réalisé par certains des artistes les plus importants de l’histoire de l’art, ce qui a donné lieu à une grande collection de peintures de portraits célèbres. Si les portraitistes célèbres à l’origine de ces œuvres sont bien connus, les modèles sont souvent obscurs. Dans cet article, nous allons jeter un coup d’œil à nos portraits célèbres préférés, ainsi qu’aux artistes et aux sujets qui ont participé à leur création.

Portraits d’art célèbres

La peinture de portraits est généralement considérée comme le type de peinture le plus difficile, car elle nécessite une solide compréhension de la représentation de la figure humaine avec des détails précis. Les portraits sont centrés sur un ou plusieurs individus, la région supérieure du corps recevant la plus grande attention.

Certains des plus grands artistes célèbres de l’histoire ont réussi à transmettre le cœur des sentiments humains dans une seule image.

De nombreux peintres ont analysé l’anatomie humaine en profondeur, tentant de saisir les subtilités de chaque petit changement d’expression. Des portraitistes célèbres du monde entier, dont Rembrandt et Léonard de Vinci, ont développé leurs talents de peintre dans le but de maîtriser l’art du portrait. Voici la liste de nos peintures de portraits célèbres préférées.

Le portrait d’Arnolfini (1434) par Jan van Eyck

Jan van Eyck, qui est né dans ce qui est aujourd’hui la Belgique, a été un pionnier de la technique de l’huile, l’utilisant pour créer des compositions soigneusement détaillées. Son œuvre la plus célèbre, Le portrait d’Arnolfini, est considérée comme un emblème de la Renaissance du Nord.

C’est parce qu’on dit qu’elle englobe de nombreux idéaux artistiques et réalisations technologiques de la période.

Le portrait d’Arnolfini (1434) par Jan van Eyck, situé à la National Gallery de Londres, en Angleterre; Jan van Eyck, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Elle représente un riche homme d’affaires et sa femme, supposée être Giovanni di Nicolau di Arnolfini, dans une chambre magnifiquement ornée qui affiche leur fortune extravagante. Comme seules les jeunes filles célibataires portaient les cheveux détachés au 15e siècle, le couvre-chef de la femme implique un couple marié. Cependant, contrairement à la croyance populaire, la femme n’est pas enceinte et ne fait que serrer sa surrobe gonflante sur sa poitrine, comme c’était typique à l’époque.

Le mystère du tableau, ainsi que la technique étonnante de Van Eyck, continuent de captiver les spectateurs bien au-delà de son 7e siècle d’existence!

La Joconde (1503) de Léonard de Vinci

La Joconde est l’un des portraits les plus connus et les plus célèbres de tous les temps, et c’est sans aucun doute l’œuvre la plus marquante de Léonard de Vinci dans la catégorie des portraits. Le portrait, également identifié comme le Portrait de Lisa Gherardini, a été peint à Florence, en Italie, entre la période de 1503 à 1519. Le tableau a été peint à l’huile sur un panneau de bois par Da Vinci et est connu pour son niveau de précision exceptionnel ainsi que pour la position inhabituelle du modèle.

De nombreux experts et aficionados de l’art sont intrigués par l’identité de la femme, et ses yeux semblent avoir une capacité extraordinaire à suivre l’observateur, quel que soit l’endroit où il se trouve.

La Joconde (1503) de Léonard de Vinci, située au Musée du Louvre à Paris, France ; Leonardo da Vinci, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le grand degré de réalisme des mains de la femme, qui semblent vivantes au point qu’elles pourraient presque être une photographie, est peut-être l’aspect le plus remarquable de la Mona Lisa, du moins parmi les peintres établis qui sont bien conscients du défi que représente la peinture d’images réalistes.

La Joconde réside actuellement au Musée du Louvre à Paris, en France, et attire chaque année de grandes foules d’amateurs d’art pour la voir en personne.

Vertumnus(1590) par Arcimboldo

Arcimboldo est un peintre dont le style est difficile à ignorer. L’artiste italien de la Renaissance est bien connu pour ses portraits faits de plantes et de légumes. Chaque caractéristique est représentée par un aliment ou une plante distincte dans la technique de l’artiste, qui est infiniment détaillée. Même les dents ressortent !

Malgré le fait que cette image est loin d’être réaliste, nous devons reconnaître le brio d’Arcimboldo.

Vertumnus (1590) par Arcimboldo, situé dans le château Skokloster à Stockholm, en Suède ; Giuseppe Arcimboldo, Domaine public, via Wikimedia Commons.

C’est une réalisation technologique, qui utilise des haricots verts pour les sourcils, des fruits écarlates pour les lèvres, des pommes pour les pommettes et des poires pour le nez. Cela dit, Arcimboldo adhère néanmoins à (la plupart) des critères du portrait traditionnel. La toile de fond est d’un gris foncé et la tête du sujet est inclinée de trois quarts. Cette œuvre a été créée dans le cadre de sa série Seasons, qu’il a commencée quelques années avant cette œuvre.

Vertumnus avait la capacité de modifier sa forme à sa guise, et il l’a utilisée pour courtiser Pomona, la divinité de l’abondance fertile dans la mythologie et le folklore romains anciens.

Las Meninas (1656) par Diego Velázquez

Le tableau représente un scénario de la vie quotidienne de la famille royale, ainsi que d’autres personnages que l’on voit tous engagés dans divers actes, créant un sentiment d’action et d’enthousiasme. L’œuvre existe comme un bref aperçu de l’existence de la famille royale que la populace extérieure n’aurait jamais vu sans l’aide de l’artiste.

Dans les recoins ombragés du côté gauche de la toile, Velázquez s’inclut également dans l’image, regardant presque discrètement un beau moment non observé dans la maison royale.

Las Meninas (1656) de Diego Velázquez, situé au Museo del Prado à Madrid, en Espagne ; Diego Velázquez, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Au moment de son achèvement, le tableau de Diego Velázquez était considéré comme l’une des œuvres d’art les plus brillantes de l’Espagne du XVIIe siècle. Le chef-d’œuvre de Velázquez représente Margarita Teresa, la célèbre enfant de cinq ans du roi Philippe IV d’Espagne et de Mariana d’Autriche.

L’œuvre d’art présente un magnifique degré de détail qui donne un aperçu de Velázquez et de son objectif de ne laisser aucun aspect ignoré sur toute la toile qui mesurait un énorme 10’5″ x 9’1″.

Fille à la boucle d’oreille de perle (1665) par Johannes Vermeer

Johannes Vermeer était un célèbre peintre néerlandais du 17e siècle. Il est connu pour ses décors domestiques intimes avec des éclairages étonnants. Cette œuvre est la plus célèbre de Vermeer. Ce n’est pas un portrait, mais plutôt une « tronie » – une peinture d’un individu fictif.

Les tronies représentent un certain type de personnage, dans cet exemple une femme habillée de façon exotique, avec un turban oriental et une perle inhabituellement énorme à l’oreille.

Fille à la boucle d’oreille en perle (1665) de Johannes Vermeer, située dans le Mauritshuis à La Haye, aux Pays-Bas ; Johannes Vermeer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le maestro de la lumière était Johannes Vermeer. La douceur du visage de la jeune fille et les reflets de lumière sur ses lèvres humides le démontrent. Et, bien sûr, il y a la perle étincelante. La peinture à l’huile représente une jeune fille qui fixe le spectateur avec une expression fascinante qui pique l’intérêt de ceux qui ont le plaisir de regarder cette œuvre.

Le tableau est reconnu pour son incroyable degré de réalisme et la capacité de Vermeer à représenter les infimes différences entre la lumière et l’ombre.

Les experts et les amateurs d’art s’accordent à dire que le regard de la fille est l’un des aspects les plus captivants de l’œuvre car il est rivé sur l’observateur de manière humoristique et anticipatrice. L’attrait et les caractéristiques de la fille sont encore plus accentués car l’arrière-plan autour de son apparence est un vide noir solide.

Autoportrait au chapeau de paille (1782) par Élisabeth Louise Vigée Le Brun

Elle est habillée d’une robe rose pâle, qui avait la préférence de la reine Marie-Antoinette. Elle a des volants blancs sur le col et des poignets blancs sur les manches. Lorsqu’elle s’enroule autour des coudes et descend le long de son bras, un châle en tissu noir se détache de la tenue. Un chapeau de paille est posé sur sa tête.

En principe, les vêtements d’Élisabeth Louise Vigée Le Brun sont au sommet du design français de la fin du 18e siècle.

Autoportrait au chapeau de paille (1782) par Élisabeth Louise Vigée Le Brun, situé à la National Gallery de Londres, en Angleterre ; Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Elle est représentée comme une dame aristocratique élégante. Ses bijoux et ses vêtements coûteux dissimulent son humble éducation de classe moyenne. Les accessoires de l’artiste semblent être presque instinctivement synchronisés avec la tenue tendance de Vigée Le Brun. Les couleurs de la palette accentuent les couleurs de ses vêtements, de sa casquette et du ciel qui la dépasse. Les couleurs de la peinture ne sont pas le fruit du hasard. Les instruments de Vigée Le Brun sont représentés avec soin et sensibilité, proclamant haut et fort : « Je suis une artiste compétente. »

Vigée Le Brun travaillait professionnellement comme peintre pour la haute bourgeoisie de l’aristocratie française, où hommes et femmes voulaient être portraiturés par elle!

Elle était habile à fusionner le charme aristocratique et la moralité de la classe moyenne dans ses représentations. Ses photos n’ont pas d’immoralité odieuse. Ils sont modestes et décents, mais ils sont aussi jeunes et beaux. La beauté physique de la peau reflète la brillance interne de l’âme.

Portrait de Madame X (1884) par John Singer Sargent

John Singer Sargent est bien connu pour ses portraits des personnes aisées et de l’aristocratie en Angleterre et en Amérique (où il a vécu après 1886). Les portraits de Sargent étaient indubitablement contemporains tout en étant inspirés par le style Grand Manner de portraits intimidants et aristocratiques chargés de symboles de vertu.

Sargent a choisi des positions qui représentaient des moments spontanés et fluides capturés dans le temps plutôt que des postures néoclassiques ou une rigidité stylisée.

Portrait de Madame X (1884) par John Singer Sargent, situé au Metropolitan Museum of Art à New York, aux États-Unis ; Metropolitan Museum of Art, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Madame X, son plus beau portrait, montrait Madame Virginie Amélie Avegno Gautreau, une belle américaine stylée qui avait épousé un banquier français et vivait à Paris. Bien que Gautreau ait été satisfaite de la peinture achevée, les vêtements provocants et la position insouciante ont suscité la controverse lorsqu’elle a été présentée au Salon de Paris en 1884.

Sargent et le Salon ont tenté de dissimuler l’identité de Gautreau, mais elle a fini par être connue du public, et le peintre comme le sujet étaient mécontents du tableau. Peu après, Sargent a quitté Paris pour Londres.

Portrait d’une jeune femme (1885) par Edgar Degas

Dans l’histoire de l’art, l’impressionnisme et les photographies sont inextricablement liés. Grâce à l’introduction de la photographie, les artistes ont été libérés de la contrainte de représenter les choses « telles qu’elles sont » et ont commencé à exprimer une « impression » de la façon dont les choses leur semblaient. Bien sûr, cela ne s’est pas produit immédiatement. Bien que nous ayons des images datant de 1826, la photographie a été officiellement inventée en 1839, et le genre impressionniste a fleuri dans les années 1880.

Edgar Degas était un artiste impressionniste bien connu. Ses peintures les plus célèbres sont des ballerines, qu’il a initialement photographiées. Selon la National Gallery of Art, son approche a été considérablement inspirée par la photographie, comme en témoigne le fait que « les individus sont coupés et positionnés de manière décentrée ».

Portrait d’une jeune femme (1885) par Edgar Degas, situé au Metropolitan Museum of Art de New York, aux États-Unis; Edgar Degas, CC0, via Wikimedia Commons.

Les lignes de vue sont inclinées et élevées. » Plus tard dans sa carrière, Degas a expérimenté la photographie comme support artistique. Tu peux voir comment les œuvres d’art et la photographie se sont enrichies mutuellement au fil du temps – tous les grands portraits de ce livre ont eu un impact sur les photographies modernes.

Autoportrait au chapeau de paille (1887) par Vincent van Gogh

L’artiste nous observe avec un œil vert et un œil bleu alors qu’il est habillé de vêtements d’été légers. Van Gogh a peint cet autoportrait sur du carton, un substitut moins coûteux de la toile. Il a ensuite ajouté une couche d’apprêt avec des éclaboussures violettes.

Cependant, la couleur de la peinture violette s’est principalement estompée avec le temps. Sur ses épaules, on peut encore voir quelques faibles touches de rose. Par conséquent, les couleurs originales, que Van Gogh a minutieusement travaillées, ont disparu.

L’Autoportrait au chapeau de paille (1887) de Vincent van Gogh, situé au Metropolitan Museum of Art de New York, aux États-Unis ; Vincent van Gogh, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le fond violet, par exemple, est utilisé pour contraster avec son chapeau de couleur jaune. Vincent Van Gogh a produit au moins 35 portraits artistiques célèbres de lui-même – il s’est utilisé comme modèle pour ses peintures, et beaucoup d’entre eux sont devenus des portraits connus.

Cependant, Van Gogh ne se contentait pas de perfectionner les aspects mécaniques du portrait lorsqu’il peignait des autoportraits ; il les utilisait aussi comme méthode de compréhension de soi.

Femme au chapeau (1905) par Henri Matisse

Cette œuvre, qui a été présentée pour la première fois au Salon d’Automne de Paris en 1905, était au cœur de l’argument qui a conduit à nommer le premier mouvement d’art contemporain du 20e siècle : le fauvisme. Un critique d’art a créé le mot Fauve (« bête sauvage ») pour décrire les peintres qui exposaient leurs toiles aux couleurs vives dans la galerie centrale du Grand Palais.

Il a montré un changement stylistique par rapport aux œuvres précédentes de Matisse aux coups de pinceau régimentés vers un style unique plus émotif.

Son utilisation de teintes non naturalistes et de coups de pinceau plus lâches, qui ont donné un aspect esquissé ou « inachevé », a surpris les observateurs à l’époque. Amélie, la femme du créateur, a pris place pour ce tableau en demi-longueur. Elle est habillée de manière élaborée, avec des traits caractéristiques de la bourgeoisie française, comme un bras ganté serrant un éventail et un chapeau orné posé sur sa tête.

Les riches couleurs de sa tenue, en revanche, sont entièrement expressives. Lorsqu’on l’a interrogé sur la couleur du vêtement que Madame Matisse portait lorsqu’elle s’est assise pour l’image, l’artiste aurait répondu : « Noir, bien sûr. »

Portrait de Gertrude Stein (1906) par Pablo Picasso

Gertrude Stein, célèbre collectionneuse d’art et écrivain, était à l’avant-garde de l’avant-garde parisienne au début du XXe siècle. Elle a travaillé en étroite collaboration avec des personnes modernistes importantes, des auteurs pionniers comme Ernest Hemingway et F. Scott Fitzgerald aux peintres d’avant-garde comme Pablo Picasso et Henri Matisse, après avoir migré d’Oakland, en Californie, à Paris en 1903.

Picasso a crédité le soutien de Stein comme un élément déclencheur de son succès précoce, qu’il doit à ses encouragements.

Il a réalisé un portrait de Stein en 1905 dans son style de la période rose, qui présentait une palette de couleurs chaudes et des traces d’inspirations « primitives » tirées de l’art ibérique et des masques d’Afrique. Cette peinture, en plus de capturer les principaux aspects de ce moment important, dépeint les manières assurées et le statut de self-made de son sitter, au grand plaisir de Stein.

« J’étais et je suis toujours ravie de mon portrait car c’est moi, et c’est la seule représentation de moi qui est toujours moi, pour moi », commente Stein à propos de l’œuvre dans Picasso, son livre.

Portrait d’Adele Bloch-Bauer I (1907) par Gustav Klimt

Parmi les peintures les plus célèbres de tous les temps, peu de portraits ont autant de couleurs et d’iconographie flamboyantes que celui de Gustav Klimt. Le tableau a été achevé en 1907 et représente l’épouse de Ferdinand Bloch-Bauer, un industriel renommé du début du XXe siècle en Autriche.

L’œuvre d’art a également été surnommée La femme d’or en raison de son degré élevé de tons dorés dans tout le tableau, que de nombreux amateurs d’art et critiques trouvent accablants.

Portrait d’Adele Bloch-Bauer I (1907) par Gustav Klimt, situé dans la Neue Galerie à New York, aux États-Unis ; Gustav Klimt, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’œuvre représente un large éventail de façons distinctes dont la lumière interagit avec la surface de l’or, avec ses nombreux reflets et éclats. Après avoir été prise par les Allemands pendant la Seconde Guerre mondiale, cette pièce a reçu plus de reconnaissance et d’infamie.

Des années plus tard, la famille d’Adele est allée au tribunal pour récupérer la propriété de l’œuvre d’art auprès du gouvernement autrichien.

Portrait de Pablo Picasso (1912) par Juan Gris

Gris admirait beaucoup Picasso. Son image de Picasso (l’initiateur du cubisme) dans la technique cubiste existe comme un hommage intelligent à sa source d’inspiration. Picasso est vraiment plus grand que nature, avec une palette à portée de main et occupant la majeure partie de l’espace sur le tableau.

Il divise le visage du modèle en un prisme de surfaces et de formes géométriques qui se fondent dans les rangées de l’arrière-plan, en utilisant principalement des tons gris, bleus et bruns froids.

Portrait de Pablo Picasso (1912) par Juan Gris, situé à l’Art Institute of Chicago à Chicago, aux États-Unis ; Juan Gris, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Tous les éléments de cette image semblent être en action. Bien que lui et ses collègues aient créé de nombreuses photos plus chaotiques, les caractéristiques des portraits formels, comme la cohérence des caractéristiques du modèle, la symétrie de la posture et les vêtements à col haut (par rapport au tablier d’artiste), montrent l’attention qu’il porte au sujet. Cependant, dans son écart par rapport à la représentation traditionnelle et sa tentative de transmettre la dynamique de la vie actuelle, elle est parfaitement conforme à l’objectif cubiste.

Les formes géométriques subtiles du tableau attirent l’attention sur les nombreux degrés de lumière, et la façon dont l’obscurité se dissout dans d’autres sections pour créer une image calme du grand Picasso.

American Gothic (1930) par Grant Wood

Même si de nombreux observateurs pensent que le monsieur et la dame à l’air sombre sont modelés d’après un fermier réel et son épouse, la photo classique est en réalité un portrait de la plus jeune sœur de l’artiste, Nan Wood Graham, et de leur dentiste familial, le Dr Byron McKeeby. Bien que Wood ait voulu que le couple dépeigne un parent et son enfant, il a laissé la conclusion au public.

« Bien sûr, ces détails ne sont pas vraiment importants », a remarqué Wood dans une lettre de 1941, « ce qui compte, c’est que ces regards soient représentatifs de la société américaine contemporaine et qu’ils en disent quelque chose. »

American Gothic (1930) par Grant Wood, situé à l’Art Institute of Chicago à Chicago, aux États-Unis ; Grant Wood, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Ce tableau, peint en 1930, rappelle de manière frappante les souffrances endurées par les Américains pendant la Grande Dépression des années 1920. C’est un excellent exemple de l’art du réalisme social. Selon Wood, son image représente un manoir au design distinctif avec un aspect architectural de style gothique. L’œuvre montre le caractère américain travailleur dans lequel le pays se complaît.

Le tableau de Wood est rapidement devenu un classique et l’une des œuvres d’art les plus emblématiques de la culture américaine.

Les deux Fridas (1939) de Frida Kahlo

Frida Kahlo, peintre mexicaine renommée, est connue pour ses peintures qui reflètent l’esprit de l’histoire indigène du pays, ainsi que l’influence européenne grandissante du début des années 1900.Les deux Fridas est un tableau étrange mais qui donne à réfléchir sur la double structure de la société dans laquelle elle et les autres Mexicains vivent à l’époque.

Le tableau a été achevé en 1939 et représente deux versions de Kahlo allongée d’une manière exquise mais déroutante.

À gauche, les spectateurs voient une représentation de Kahlo portant une tenue de style européen qui était populaire parmi les Mexicains de la classe supérieure à l’époque, et qui fonctionnait aussi comme un symbole de luxe et de richesse. La Kahlo de droite est vêtue de vêtements mexicains beaucoup plus conventionnels et beaucoup plus colorés que la tenue blanche éblouissante de l’autre.

Selon l’artiste, l’image représente un pays divisé par les influences européennes de l’époque qui arrivent, mais qui adhère toujours à l’esprit de la tradition mexicaine. Nous pouvons facilement identifier où se trouve le cœur de Kahlo puisque son homologue habillée en Europe a un cœur éclaté, mais la Frida de droite a un cœur vivant et prospère.

Marilyn Monroe (1967) par Andy Warhol

Ces célèbres portraits ont fait le tour du monde ! Warhol a reconnu que Marilyn Monroe était une source d’inspiration inépuisable et a reproduit sa photo dans une série de sérigraphies colorées. Warhol, une figure importante du mouvement Pop Art, s’est fait l’écho de l’indignation du peuple américain lorsqu’on a découvert que la chanteuse et interprète s’était suicidée en 1962.

Ces images ont été motivées par un plan d’un film publicitaire pour Niagara, dans lequel Monroe apparaît en monochrome avec un rictus fixe.

Warhol colore son visage et exagère ses cosmétiques dans ses sérigraphies. De plus, la couleur de ses cils imite méthodiquement la couleur de l’arrière-plan. Cela peut sembler être un portrait réel d’elle à certains moments, mais ses couleurs ultra-brillantes peuvent être un peu dures pour les yeux à d’autres moments.

Cette étrange juxtaposition était la façon dont Warhol rendait hommage à l’existence hypnotique de l’icône à Hollywood dans les années 50 et 60.

Chaque image a été produite à partir de cinq écrans : un avec l’image photographique et quatre avec des sections de couleur variables, dont certaines ont été imprimées hors registre. « Plus tu fixes le même objet précis, plus la signification se fond, et plus tu deviens fin et vide », a déclaré Warhol à plusieurs reprises.

Malgré que le monde de l’art contemporain produise plusieurs nouveaux styles et genres dans l’art, la peinture de portrait existe toujours comme l’un des types de peinture les plus aimés, et les plus difficiles. La peinture de portrait a un tel niveau de finesse que les artistes ont pu capturer des représentations réalistes, ainsi que des aspects spirituels et intellectuels de leurs modèles, le tout dans une seule œuvre d’art. Bien que nous n’ayons abordé que 16 des portraits d’art les plus célèbres jamais réalisés, de nombreuses autres œuvres tout aussi iconiques existent pour que tu puisses les explorer. Si tu as apprécié notre article, nous t’encourageons à te documenter sur ces autres œuvres!

Les questions les plus fréquemment posées

Qui a produit les portraits d’art les plus célèbres du monde ?

Les portraits ont toujours été un type de sujet très populaire. En fait, de nombreux artistes célèbres, si ce n’est la plupart, se sont tous essayés à la création de portraits à un moment donné de leur carrière. Si beaucoup d’entre eux étaient effectivement réalistes, d’autres ont exploré la façon dont le modèle se sentait ou le type d’énergie qu’il dégageait pour l’artiste.

Pourquoi les artistes ont-ils créé des portraits d’art célèbres?

La peinture de portraits est largement considérée comme le type de peinture le plus difficile, car elle nécessite une profonde maîtrise de la représentation de la figure humaine dans les moindres détails. Les portraits se concentrent sur une ou plusieurs personnes, la moitié supérieure du corps recevant la plus grande attention. Certains des plus grands artistes célèbres de l’histoire ont capturé l’essence des sentiments humains dans une seule image. De nombreux artistes ont étudié l’anatomie humaine en profondeur afin de comprendre la complexité de chaque léger changement d’émotion. Des portraitistes célèbres du monde entier, comme Rembrandt et Léonard de Vinci, ont passé des années à affiner leurs talents de peintre afin de maîtriser l’art du portrait.