Pop Art – Découvre l’histoire du mouvement du Pop Art

Le mouvement du Pop art est apparu dans les années 1950 et 1960 aux États-Unis d’Amérique ainsi qu’au Royaume-Uni. Ces artistes ont bouleversé le monde de l’art de plusieurs façons intéressantes, en réagissant à des mouvements artistiques plus anciens et en changeant la façon dont les gens interagissaient avec le monde qui les entourait directement. Ces artistes ont remis en question les traditions. Aujourd’hui, nous allons examiner comment le mouvement Pop art a changé le monde de l’art et a introduit de nouvelles idées Pop art dans le monde. Mais tout d’abord, nous allons nous demander ce qu’est le Pop art?.

Une définition du Pop art

Le mouvement Pop art est un mouvement artistique dans lequel les artistes ont utilisé des images de la vie quotidienne et de la culture populaire ou de masse. Les images des magazines, des bandes dessinées et de la culture populaire étaient tirées de leur banalité et élevées au rang de forme d’art. De cette façon, les artistes du Pop art ont remis en question les idées de ce qui était autorisé à être de l’art et ont contesté les normes élitistes du monde de l’art.

Il a remis en question le monde de l’art en utilisant les images typiquement associées à ce qui était populaire et à la mode, rejetant les formes associées au monde de l’art plus élitiste et « cultivé ».

MM une critique de l’iconologie de masse (2013) par James Gill ; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Les artistes qui ont exploré le Pop art ont mis l’accent sur les artefacts banals et kitsch de la culture et ont utilisé l’ironie pour souligner à la fois les cauchemars des objets produits en masse et la façon dont l’art se sépare du reste de la culture.

Les dessins animés, les publicités et les bandes dessinées ont saturé le monde des images à cette époque et les artistes ont utilisé ce qui était disponible avec une pointe d’ironie pour faire leurs déclarations.

Parmi les artistes célèbres du Pop art, on peut citer Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Richard Hamilton, originaires des États-Unis. Le groupe le plus célèbre du Royaume-Uni comprend The Independent Group, considéré comme un précurseur du mouvement Pop Art.

Quel est le médium utilisé par les artistes pop ?

Les artistes pop ont utilisé des moyens de production mécaniques pour créer leur art. Il s’agissait notamment de médiums tels que la sérigraphie ou le collage. La sérigraphie est un médium qui a été inventé pour produire des images en masse, généralement sur du tissu comme avec les impressions de t-shirts et d’autres objets de la vie quotidienne. La sérigraphie a permis aux artistes de prendre de la distance par rapport au processus de création. Ils ne voulaient pas avoir trop la main sur le processus de fabrication de l’art et préféraient que leurs œuvres soient créées mécaniquement.

Le collage était un autre médium préféré en raison de son utilisation d’images prêtes à l’emploi issues de la culture populaire.

Les collages et les techniques mixtes étaient utiles lorsqu’ils utilisaient des images découpées dans des magazines, des bandes dessinées et des publicités. Dans le Pop art moderne, cela donnait aux artistes une autre chance de se distancier des œuvres d’art. Le collage et la sérigraphie suppriment tous deux certains aspects de la « main de l’artiste ». Contrairement au dessin et à la peinture dans lesquels l’artiste fait une marque spécifique selon son propre corps et son propre style, ces médiums s’éloignent légèrement de ce processus.

Apple Core (1992) par Claes Oldenburg ; צילום:ד « ר אבישי טייכר, CC BY 2.5, via Wikimedia Commons.

Cela signifie que les artistes peuvent être plus mécaniques et moins personnels, s’éloignant ainsi de l’expressivité telle qu’on la voit dans des mouvements artistiques comme l’expressionnisme abstrait. Un autre support typiquement utilisé par les artistes du Pop art est celui des points Ben-Day. Inventés par Benjamin Henry Day Jr, les points Ben-Day sont une technique d’impression utilisant de petits points des couleurs cyan, magenta, jaune et noir.

Ils étaient utilisés dans l’impression des bandes dessinées pour créer des ombres et des couleurs dans les bandes dessinées. Ces petits points offraient aux artistes un autre moyen de mécaniser leurs processus de création artistique.

Caractéristiques du pop art

Le pop art est marqué par une façon spécifique dont les artistes ont vu le monde croissant des images. Bien que les œuvres de tous les artistes ne soient pas marquées par ces caractéristiques exactes, de nombreux artistes du mouvement Pop art ont créé des œuvres marquées par plusieurs des caractéristiques suivantes :

• Images populaires: Les artistes Pop ont utilisé des images et des icônes reconnaissables telles que des objets de tous les jours, des célébrités et des images tirées de publicités. Ils répondaient ainsi à une culture croissante de l’imagerie à la mode qui saturait les médias et modifiait la façon dont les gens vivaient leur vie.
• Techniques innovantes: Les artistes pop ont utilisé des techniques passionnantes et innovantes telles que la gravure et d’autres médias. Andy Warhol est connu pour avoir popularisé l’utilisation de la technique d’impression appelée sérigraphie, qui pouvait reproduire mécaniquement des images avec différents niveaux de détails.
• Couleurs vives: Le pop art est marqué par des couleurs vives, plus précisément par l’utilisation de couleurs primaires. Inspiré par les médias populaires, cela signifie que les artistes ont également utilisé des couleurs vives et à la mode telles qu’on les voit dans les publicités et les magazines.
• Ironie et humour: Les artistes pop ont utilisé la satire, l’ironie et une approche pince-sans-rire dans leur travail, en détournant des images populaires pour créer des commentaires sur ces thèmes. De nombreux artistes ont utilisé des images directement tirées de magazines, en ne changeant que leur contexte, ce qui a donné lieu à des déclarations à la fois puissantes et humoristiques.
• Mixité des médias : Le pop art se caractérise par la combinaison de différentes images, en utilisant des techniques telles que le collage. Cela signifie que les artistes pouvaient utiliser des images populaires directement à la source et modifier la façon dont ces images étaient perçues. Des artistes comme Richard Hamilton ont utilisé le collage de façon célèbre, ce qui a choqué le monde de l’art et modifié la perception d’idées comme le rêve américain.

Le contexte du Pop Art

Les antécédents du Pop art remontent au Groupe indépendant, mentionné précédemment. Ce groupe d’artistes du Royaume-Uni a créé de l’art de manière plus académique. Alors que les artistes américains réagissaient à l’imagerie populaire utilisée dans leur vie quotidienne, les artistes britanniques examinaient la façon dont le marketing et l’imagerie américains changeaient le monde à travers un objectif plus académique.

Ils pouvaient répondre à ce qu’ils voyaient sans que cela soit trop proche d’eux.

L’artiste Richard Hamilton a créé ce qui est considéré comme l’une des premières œuvres d’art Pop art, intitulée Qu’est-ce qui rend les maisons d’aujourd’hui si différentes, si attrayantes ? (1956). Cette œuvre d’art est un collage d’images découpées dans des magazines tels que le Ladies Home Journal et le magazine Tomorrow’s Man.

Cette imagerie est combinée pour créer une scène spectaculaire de l’intérieur d’une maison avec divers objets éparpillés. Elle se moque du rêve américain idéaliste mis en place par les propagandistes et les sociétés de publicité qui ont tenté de créer une image de l’Amérique comme terre d’opportunités.

Dans cette vision idéale, n’importe qui pouvait travailler jusqu’à atteindre ce rêve de posséder le bon aspirateur et de vivre dans un bonheur domestique et suburbain.

Même les personnes dans cette œuvre d’art semblent être des produits de base – l’homme américain fort et la femme voluptueuse hors de ses pieds sur le canapé. Cette œuvre d’art est devenue une sorte de manifeste pour le mouvement Pop art et a symbolisé un changement dans le monde de l’art.

Pop art américain versus Pop art britannique

Le Pop art britannique et le Pop art américain sont considérés comme le même mouvement, mais ils étaient très distincts l’un de l’autre.  Auparavant, le Pop art britannique reposait sur l’idée du Pop art selon laquelle la culture populaire américaine s’infiltrait au Royaume-Uni et manipulait les gens, tandis que le Pop art américain s’intéressait à la culture dans laquelle les artistes vivaient activement.

En Amérique, le Pop était une réponse aux styles picturaux lâches de l’expressionnisme abstrait. Ils s’éloignaient de l’imagerie émotionnelle utilisée à l’époque précédente.

Mise en place d’une exposition de Roy Lichtenstein au Stedelijk Museum aux Pays-Bas,1967; Ron Kroon pour Anefo, CC0, via Wikimedia Commons.

Les artistes américains se sont plutôt concentrés sur l’imagerie universelle et banale et ont utilisé des lignes et des arêtes vives et des formes distinctes.  Au Royaume-Uni, le mouvement était beaucoup plus académique et marqué par l’ironie et la parodie.

Les artistes britanniques se concentraient sur la façon dont les médias américains pouvaient manipuler la population en général et sur le pouvoir qui les animait.

Les femmes disparues du Pop Art

Il n’est pas beaucoup question des femmes artistes du Pop art dans la plupart des articles qui lui sont consacrés, mais dans la liste suivante, nous avons inclus certaines des femmes qui ont eu une influence sur le Pop art et la peinture Pop art. Le Pop art se concentrait sur des méthodes mécaniques, non émotionnelles et distantes pour créer de l’art. Ces méthodes peuvent être considérées comme des stéréotypes masculins.

La plupart des artistes les plus célèbres du Pop art étaient des hommes, et il est considéré comme un autre des boys’ clubs de l’histoire de l’art. Ces artistes ont perpétué le fantasme de l’artiste comme génie solitaire sans attache plus importante que leur création artistique.

Marilyn Monroe (2014) par James Gill, n° de catalogue. 797 ; James Francis Gill, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons.

Les femmes qui voulaient prendre part au mouvement du Pop art devaient souvent travailler beaucoup plus dur pour montrer qu’elles étaient sérieuses, ou trouver d’autres moyens d’entrer dans ce mouvement en le critiquant de l’intérieur – une démarche qui n’a pas porté ses fruits jusqu’à récemment, lorsque davantage de femmes artistes Pop ont reçu la reconnaissance qu’elles méritaient.

Des artistes comme Pauline Boty, Sturtevant et Marjorie Strider font partie des quelques noms qui seront abordés aux côtés de leurs contemporains masculins.

Artistes célèbres du Pop Art

Il y a eu beaucoup d’artistes Pop importants à cette époque. Nous allons aborder certains de ces artistes et les techniques qu’ils sont célèbres pour avoir utilisées, discuter d’aspects de leur vie ou de leurs théories sur l’art dans la section suivante.

Corita Kent (1918 – 1986)

Également connue sous le nom de Sœur Mary Corita Kent, Corita Kent était une religieuse et professeur d’art dans un couvent de Los Angeles. Elle a quitté l’Immaculate Heart College où elle enseignait en 1968 en raison de la politique de l’église ainsi que de ses propres objectifs artistiques et de sa célébrité. Elle a fait de nombreuses apparitions à la radio et à la télévision dans toute l’Amérique au cours de ces années.

Elle travaillait surtout avec la sérigraphie, avant même qu’Andy Warhol ne rende ce médium célèbre, en raison de la façon dont il était abordable et pouvait être produit en masse.

Ses œuvres d’art colorées étaient principalement basées sur du texte, combinant des versets bibliques, des logos, des citations et des paroles de chansons, entre autres. Ses œuvres abordaient des thèmes lourds tels que les droits civiques et la pauvreté, en se concentrant particulièrement sur la guerre du Vietnam. Elle espérait que son art ferait évoluer le monde qu’elle voyait autour d’elle.

Sa peinture look (1965) montre le logo du magazine Look, puis s’approprie les paroles des Beatles « Love is here to stay, and that’s enough ». Ces paroles sont imprimées dans des blocs colorés. Cette œuvre d’art imite la couverture d’un magazine tout en utilisant les paroles d’une chanson populaire pour faire passer son message. Ces mots étaient typiques à voir dans les années 1960 lors des manifestations contre la guerre du Vietnam. Ils font également référence à la qualité artisanale des pancartes tenues lors des manifestations.

Kent est toujours connue comme « la joyeuse révolutionnaire », un nom qui lui a été donné par Ben Shahn en raison des idéaux militants qu’elle a conservés jusqu’à sa mort en 1986.

Richard Hamilton (1922 – 2011)

Comme nous l’avons déjà mentionné, Richard Hamilton était l’un des fondateurs de l’Independent Group à Londres, qui a créé des œuvres plus académiques sur le consumérisme et les thèmes que l’on retrouve dans le mouvement Pop art. Dans une lettre adressée à Alison et Peter Smithson, Hamilton a écrit les mots définissant le Pop art qui ont préparé le terrain pour la plupart des artistes et l’ensemble du mouvement international.

Ces mots étaient : « Le Pop Art est : populaire, éphémère, consommable, peu coûteux, produit en masse, jeune, spirituel, sexy, gadget, glamour et Big Business ».

Ces mots soulignent les aspects quotidiens du Pop art et son identification « lowbrow ». Il a ensuite créé des collages en utilisant des publicités, des magazines et des journaux. L’une de ses autres œuvres célèbres du Pop art est My Marilyn (1964). Il s’agit d’une sérigraphie réalisée à partir de photographies de l’actrice Marilyn Monroe publiées peu après sa mort par le photographe George Barris.

Hamilton s’est approprié ces photos, qui n’étaient pas ce que l’actrice approuvait mais plutôt des photos sur lesquelles elle avait fait des croix.

Elle n’approuvait pas ces photos et avait besoin qu’elles soient retouchées ou modifiées, ou autrement jetées. L’actrice a effacé des morceaux d’elle-même sur ces photos et le fait de les publier après sa mort a rendu l’œuvre d’art encore plus touchante.

Roy Lichtenstein (1923 – 1997)

Réalisant certaines des images les plus emblématiques du mouvement Pop art, Roy Lichtenstein était un artiste américain connu pour ses copies satiriques de l’imagerie populaire des bandes dessinées. Lichtenstein décrivait la peinture Pop art comme une « peinture industrielle », et utilisait un ton pince-sans-rire pour ajouter de l’ironie à ses œuvres d’art.

Ses médiums comprenaient des peintures et l’utilisation de points Ben-Day. Mais au lieu d’imprimer ces points, l’artiste les a méticuleusement peints à la main.

Il utilisait des images de bandes dessinées et dessinait directement dessus, puis il projetait ces images sur la toile et les repeignait. Il ajustait les images au fur et à mesure qu’il travaillait, faisant des commentaires satiriques dans l’image. De cette façon, il pouvait souligner tous les clichés qu’il pouvait trouver dans les images et aussi commenter la façon dont l’imagerie est utilisée dans la presse écrite commercialisée.

Photographie de l’artiste Roy Lichtenstein au Stedelijk Museum aux Pays-Bas, 1967 ; Eric Koch pour Anefo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

L’une de ses œuvres Pop art les plus importantes est la peinture M-Maybe de 1965. Celle-ci représente une jolie femme blonde avec une main gantée sur le visage. Elle est angoissée. Les mots au-dessus de sa tête disent : « M-maybe he became ill and couldn’t leave the studio ! », se moquant du cliché de la femme impuissante qui attend un homme qui ne viendra pas.

Le tableau est réalisé de manière épurée et sans émotion, malgré le contenu émotionnel de l’œuvre d’art. Les paroles privées de la femme contrastent fortement avec la façon dont elle est peinte en aplats de couleurs. On dit que le peintre aspirait à créer des œuvres aussi mécaniques que possible.

Sturtevant (1924 – 2014)

Elaine Sturtevant n’utilisait que son nom de famille lorsqu’elle est devenue une artiste Pop. L’ensemble de son travail consistait à faire des copies conformes d’œuvres d’art célèbres d’artistes masculins, de Michel Duchamp à Keith Haring. On considère qu’il s’agit d’un art d’appropriation – lorsque les artistes utilisent les œuvres d’autres artistes et les adaptent pour créer leur propre œuvre, en faisant généralement une déclaration à propos de cette œuvre. On parle également d’appropriation lorsque les artistes utilisent des images créées par d’autres, comme des dessins animés ou des photographies célèbres.

Andy Warhol a encouragé la pratique de Sturtevant lorsqu’il lui a donné l’une de ses sérigraphies pour travailler, mais d’autres artistes ont très peu apprécié son travail. 

Sturtevant peignait ces copies, plutôt que de les produire en masse. Elle a enquêté sur l’acte de créer de l’art et a utilisé son travail pour étudier les mythes de l’artiste en tant que génie (généralement l’artiste masculin), ainsi que les idées d’originalité et de paternité. Cela a fait d’elle l’une des femmes artistes qui a critiqué le mouvement Pop art de l’intérieur, tout en rendant son travail inséparable de celui de ses contemporains.

Son œuvre Warhol Diptych(1973) représente le célèbre diptyque de portraits de Marilyn Monroe d’Andy Warhol, mais ceux-ci ont été méticuleusement peints par Sturtevant, n’en faisant que des images légèrement altérées de l’œuvre d’art. Sturtevant a souvent déclaré qu’elle travaillait avec le « vertige », car les images avaient souvent une différence sur laquelle on ne pouvait pas mettre le doigt jusqu’à ce qu’on sache qu’elles n’étaient pas les œuvres d’art originales.

Sturtevant a reçu un Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière à la Biennale de Venise en 2011 pour sa contribution au monde de l’art et ses expériences en matière d’originalité et de paternité.

Robert Rauschenberg (1925 – 2008)

Robert Rauschenberg était un autre des artistes pop les plus importants. On dit que ses premières œuvres ont anticipé le mouvement Pop art. Ces premières œuvres, appelées « Combines », intègrent des objets de la vie quotidienne et brouillent la frontière entre la peinture et la sculpture.

L’une de ces œuvres, intitulée Monogram (1955 – 1959), était une combinaison d’objets tels qu’une chèvre empaillée et un pneu combinés à des supports artistiques tels que la peinture et le collage. La chèvre, selon l’artiste, symbolise la luxure. Cette œuvre d’art est devenue un symbole de l’homosexualité à l’époque du Pop art et est l’une des œuvres les plus célèbres de Rauschenberg.

En 1953, l’artiste a provoqué un scandale en prenant un dessin de Willem de Kooning et en effaçant tout de la page.

Artiste Robert Rauschenberg devant l’une de ses expositions au Stedelijk Museum aux Pays-Bas, 1968; Jack de Nijs pour Anefo, CC0, via Wikimedia Commons.

Rauschenberg avait entrepris de voir s’il pouvait créer une œuvre d’art avec l’effacement comme support. L’effacement commente la paternité et la valeur accordée à certaines choses, y compris le travail de certains artistes, et contient cette même approche pince-sans-rire que les artistes Pop ont en commun. Rauschenberg a également réalisé la série intitulée The White Paintings (1953), dans laquelle l’artiste a également expérimenté la paternité et la créativité. Ces peintures étaient entièrement blanches, avec un contenu presque inexistant.

De la même manière, comme on le verra dans l’œuvre d’Andy Warhol, l’artiste a tenté de se retirer de la création du tableau et de créer une distance par rapport au processus de production.

Il est célèbre pour avoir déclaré que « Today » était le créateur de l’œuvre, se retirant ainsi du siège de l’auteur. Plus tard, l’œuvre a dû être repeinte et l’artiste a demandé à des amis et à des assistants de le faire, se retirant entièrement du rôle de l’auteur.

Andy Warhol (1928 – 1987)

Andy Warhol était l’un des artistes les plus célèbres du vingtième siècle. Artiste Pop américain, il a exploré la culture populaire, la saturation de la publicité et du consumérisme en Amérique, ainsi que les idées autour de l’expression artistique. Warhol était obsédé par la mécanisation et la suppression du contenu expressif et émotionnel du processus artistique.

En 1963, Warhol a déclaré : « Je veux être une machine » et cela se reflétait dans ses processus de création artistique. Il a utilisé des médiums dont il pensait pouvoir retirer sa propre main artistique et a essayé de créer une vaste distance entre lui et son travail.

Son studio new-yorkais s’appelait The Factory, reflétant ses idées autour de la mécanisation. La Factory est également devenue un centre social, célèbre pour ses événements extravagants qui réunissaient des mécènes, des intellectuels, des mannequins et des célébrités, des drag-queens et des personnes du monde de l’art. Warhol était également ouvertement gay avant le mouvement de libération des homosexuels en Amérique. En 1968, Valerie Solanas, une féministe radicale, a tiré sur Warhol dans son studio, le tuant presque.

Photographie d’Andy Warhol avec Archie, son teckel de compagnie, en 1973 ; Jack Mitchell, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Warhol est connu pour ses œuvres d’art vives et colorées représentant des célébrités, notamment Marilyn Monroe, Elvis Presley et Muhammed Ali. Il a également utilisé des objets du quotidien comme des boîtes de soupe et des tampons Brillo. Pour Warhol, il était important d’utiliser des objets qui faisaient partie de la vie quotidienne

Son œuvre d’art de 1962, Marilyn Diptych, est l’une de ses œuvres Pop art les plus célèbres. Après la mort de l’actrice, il a utilisé une image provenant d’une publicité pour le film Niagara et a créé cette œuvre d’art en utilisant la sérigraphie.

Le diptyque se compose de deux toiles, chacune contenant 25 Marilyns imprimées dans une grille. L’un des panneaux est éclatant de couleurs vives, tandis que l’autre est en noir et blanc. Ces deux panneaux contrastent d’une manière qui est symbolique de la personnalité publique brillante de Monroe qui contraste avec sa vie personnelle sombre et troublée.

Une édition spéciale d’Andy Warhol de boîtes de soupe Campbell ; Foto : Jonn Leffmann, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons.

Parmi les autres œuvres d’art pour lesquelles Warhol est connu, on peut citer les Campbell’s Soup Cans (1962). En 1961, Warhol a commencé à utiliser ces images dans des œuvres d’art, inspiré par la galeriste Murial Latow qui a dit que l’artiste devait trouver une image que tout le monde reconnaîtrait immédiatement, comme une boîte de soupe Campbell. Une fois de plus, il a utilisé la formation de la grille et a réalisé de nombreuses œuvres d’art différentes en utilisant les boîtes de soupe au cours de sa vie. Ces œuvres d’art ont fait des déclarations puissantes sur la production de masse, la répétition dans la publicité, ainsi que sur le consumérisme.

Warhol lui-même était également un sujet de son propre art et il a compris les rouages de la culture de la célébrité pour se créer un personnage artistique qui était célèbre pour sa froideur et sa froideur. Warhol a utilisé ces idées du Pop art dans son travail, notant la façon dont les médias créaient des personnalités pour les stars et les célébrités qui ne ressemblaient en rien à leur personnalité réelle, et il a également utilisé cette idée pour faire de nombreux autoportraits. Warhol est mort en 1987 au cours d’une opération de la vésicule biliaire.

Ses œuvres font partie des œuvres d’art les plus chères jamais vendues aux enchères et il reste l’un des artistes les plus mondialement connus de son époque.

Claes Oldenburg (1929 – aujourd’hui)

Claes Oldenburg était un autre artiste pop américain, mais il était connu pour ses sculptures pop. Ces œuvres d’art étaient des sculptures amusantes et sans langue de bois d’objets quotidiens. Il refusait de faire des œuvres qui s’intégreraient facilement dans une galerie ou un musée, rejetant ainsi le monde de l’art institutionnalisé.

Oldenburg voulait que son art fasse autre chose que de rester dans un musée.

Il a créé des pinces à linge plus grandes que nature, des carottes, une cuillère et une cerise, et d’autres objets grandeur nature. Ces œuvres d’art étaient des interprétations amusantes des objets, déformant parfois légèrement leurs formes pour un effet plus humoristique. L’une de ces œuvres, Clothespin (1976), était une pince à linge de 45 pieds de haut qui se tenait debout au-dessus d’une entrée de métro à Philadelphie. La charnière de la pince à linge a la forme d’un sept et d’un six, représentant l’année de création de l’œuvre d’art, ainsi que le bicentenaire de la ville.

Une photographie de Claes Oldenburg dans la performance, The Course of the Knife, à Venise, 1985 ; Gorupdebesanez, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Les travaux plus anciens d’Oldenburg comprenaient des sculptures molles. La Toilette molle est une œuvre d’art créée en 1966. Dans cette œuvre, il a transformé les toilettes – un objet produit en masse et symbole de l’hygiène moderne – en une sculpture molle. Il a utilisé du vinyle et l’a cousu à la main, en le remplissant de rembourrage. Ces toilettes sont imprégnées de drame et d’humour, et leur fonctionnalité est définitivement ruinée.

Oldenburg a créé un sentiment d’amusement dans la galerie et a refusé de laisser les restrictions définies par d’autres impacter ses objectifs pour faire de l’art.

Jasper Johns (1930 – aujourd’hui)

Jasper Johns a créé des peintures pop art. Il est bien connu pour ses peintures de drapeaux américains, et il est bien documenté qu’il brûlait régulièrement ses premières œuvres parce qu’il sentait qu’il leur manquait quelque chose. Son œuvre Flag (1954) est une peinture à l’encaustique du drapeau américain. Ce médium comprenait l’utilisation de la cire et date d’avant la Renaissance. Johns a utilisé d’autres symboles similaires au drapeau, notamment des cartes de l’Amérique, des chiffres, des lettres et des cibles.

Ce qui intrigue tant dans cette peinture, c’est sa complexité et sa simplicité paradoxales.

L’œuvre ne raconte pas l’histoire d’autre chose que ce qui y est représenté – le drapeau. L’œuvre ne fait référence qu’à elle-même, pas comme d’autres mouvements artistiques où les peintures faisaient souvent allusion à des concepts philosophiques. Flag fait référence à d’autres drapeaux, mais l’artiste n’attribue pas de signification à l’œuvre. Certains critiques ont dit que l’artiste était résolument antipatriotique, alors que l’artiste n’a jamais fait beaucoup d’allusions spécifiquement politiques.

L’artiste a utilisé cette image toute faite comme sujet. Le drapeau américain est un symbole qui peut avoir de nombreuses connotations différentes et en raison du silence de l’artiste autour du sujet, il y avait un air de mystère dans les œuvres d’art qui les rendaient attrayantes pour les collectionneurs et les conservateurs de l’époque.

Ces peintures de drapeaux sont devenues certaines des œuvres d’art les plus importantes du mouvement Pop art.

Marisol (1930 – 2016)

Marisol Escobar était une artiste américano-vénézuélienne et l’une des seules femmes de la scène new-yorkaise du Pop art, mais plus tard, son travail a changé, et elle est considérée comme issue du Pop art. Son travail avait un sens différent de celui des autres artistes en raison de son utilisation d’objets trouvés, souvent du bois.

Elle s’est impliquée beaucoup plus dans la réalisation de ces œuvres d’art que des artistes comme Andy Warhol, qui voulait créer une distance avec ses œuvres d’art.

Elle était amie avec Warhol, et a même joué dans certains de ses films. En 1968, elle a exposé ses œuvres à la Biennale de Venise et à la Documenta, montrant à quel point elle était devenue célèbre au cours de ces premières années. Son travail contient les influences de l’art populaire précolombien, influencé en grande partie par le suicide de sa mère. Elle a travaillé avec l’assemblage comme principal médium, créant des collages tridimensionnels et des sculptures à partir d’objets trouvés.

Photographie de Marisol Escobar en 1963 ; New York World-Telegram et le Sun staff photographer : Hiller, Herman, photographer., Public domain, via Wikimedia Commons.

Il s’agit pour la plupart de sculptures en bois. Son utilisation des textures naturelles du bois s’éloigne des caractéristiques typiques du Pop art, et l’artiste hésitait à s’associer de trop près au mouvement Pop art. Malgré tout, ses œuvres représentent des célébrités et des scènes quotidiennes de sa famille et de groupes marginalisés.

Son œuvre d’art, The Party (1966), est l’une des œuvres d’art les plus célèbres de Marisol. Elle contient quinze personnages et trois panneaux muraux, utilisant des objets tels que des miroirs, des vêtements, des lunettes et des téléviseurs. Toutes les figures sont montrées comme faisant partie de l’élite d’une certaine manière, habillées finement avec des boissons coûteuses.

Chacune de ces figures est différente, mais toutes contiennent les propres traits du visage de Marisol.  L’œuvre d’art traite principalement de l’aliénation et tous ces personnages sont à la recherche d’une connexion mais ne la trouvent pas parmi ces autres qui sont habillés si finement. Aucun d’entre eux n’interagit. Marisol tend ainsi un miroir à la société, pour commenter l’isolement social croissant qui avait lieu dans les années 1960.

Majorie Strider (1931 – 2014)

Marjorie Strider était une artiste féministe qui a participé au Pop art moderne. C’était une artiste américaine qui réalisait des peintures sculpturales qui satirisaient les magazines masculins. Elle utilisait une imagerie qui semblait presque pornographique pour se moquer de la façon dont les femmes étaient représentées dans les médias, en utilisant des objets sculpturaux dans ses peintures pour illustrer son propos. Ces grandes peintures étaient conflictuelles et pleines d’humour.

Son œuvre la plus emblématique est Girl with Radish (1963).

Cette peinture montre un visage féminin générique qui aurait pu facilement être utilisé dans n’importe quelle forme de média à l’époque. Strider a utilisé l’image d’une femme typique de la représentation sexualisée d’une belle femme, avec la bouche légèrement ouverte, et a placé à la place un radis entre les dents de la femme. Le radis est construit sur la toile, dans le style caractéristique de Strider.

L’humour de cette œuvre d’art a poussé les spectateurs à réfléchir à la façon dont les femmes étaient montrées dans les publicités et les magazines masculins et a fait des déclarations inévitables sur ces questions.

Pauline Boty (1938 – 1966)

Pauline Boty est l’une des seules femmes fondatrices du mouvement pop britannique. Elle est née à Londres et s’est formée à l’école d’art de Wimbledon et au Royal College of Art, en se concentrant sur le vitrail. Elle a également travaillé la peinture et le collage. Boty était également une actrice de talent.

Lorsqu’elle est morte en 1966, elle n’avait que 28 ans et son travail est tombé dans l’oubli, mais a été récemment repris et montré dans de nombreuses expositions.

Boty a rejeté le détachement et la distance que beaucoup d’autres artistes Pop entretenaient à l’égard de leur travail, et son œuvre était très impliquée et expressionniste. Elle a réalisé de nombreuses peintures Pop art faisant référence à des événements tels que la crise des missiles cubains, en utilisant des couleurs expressives et des figures détaillées pour créer des scènes qui montraient le point de vue féminin sur ces événements.

Elle a également réalisé de nombreuses peintures faisant référence à la sexualité féminine, montrant les femmes comme des êtres désirants qui pouvaient également réduire les hommes à l’état d’objet. Son tableau It’s a Man’s World I(1964) met en contraste des figures masculines comme Einstein et Mohammed Ali avec une rose rouge, qu’elle a utilisée comme symbole du désir et de la sexualité féminins tout au long de sa carrière. Le tableau utilise les formes carrées remplies de ces figures masculines issues de la culture populaire, toutes peintes de manière expressive, pour contraster visuellement avec la rose rouge.

Ses peintures étaient des expressions intimes d’idées féministes tout en utilisant l’imagerie associée aux œuvres d’art Pop.

L’héritage du Pop Art

Le Pop Art a remué le monde de l’art et créé des effets d’entraînement dans les univers de l’art, du design et de la publicité. Il s’agissait d’une rupture avec le modernisme et d’un mouvement vers le postmodernisme. Les artistes pop ont réalisé des œuvres d’art sur le monde dans lequel ils vivaient, et ne se sont pas contentés de le présenter ou de faire de l’art pour l’art. Ces artistes avaient des commentaires et des messages à transmettre au monde extérieur.

Les idées du pop art ont agité le monde visuel, remettant en question qui faisait de l’art et qui faisait du design, et pourquoi chacun avait sa valeur distincte.

Marilyn in the Sky (1999) par James Gill ; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Les questions des artistes sur les médias et ce qu’ils faisaient aux consommateurs, et sur la façon dont le monde quotidien des images était également important. Le mouvement Pop art a laissé un héritage important en façonnant l’avenir et la façon dont les artistes pensaient au monde qui les entourait et à la façon dont il était représenté dans leurs œuvres. À partir de l’époque du Pop art, l’art contemporain est devenu un art sur le monde dans lequel nous vivions et sur la façon dont les artistes pouvaient aborder les problèmes en temps réel.

Le pop art a également redonné au monde de l’art un sens de l’amusement et de l’ironie (que l’on n’avait plus vu depuis le surréalisme et Dada), en tordant ses propres histoires pour en faire des commentaires amusants et des sculptures douces.

Ces artistes ont eu une grande influence sur les artistes à venir, et de nombreux artistes ont un sens de l’esthétique du Pop art. Des artistes comme Jeff Koons, Keith Haring et Takashi Murakami, pour n’en citer que quelques-uns, sont tous des artistes contemporains célèbres qui ont été influencés par le Pop art et peuvent être considérés comme faisant du Pop art moderne.

L’ère du Pop art a façonné le monde d’une manière différente des mouvements du modernisme. Son héritage perdure et son importance se retrouve dans la façon dont nous faisons et regardons l’art, ainsi que dans la façon dont nous nous engageons dans la publicité et les médias pour créer un monde meilleur pour nous-mêmes.

Questions fréquemment posées

Le pop art est-il de l’art contemporain ?

Le pop art s’éloigne de l’art moderne et peut être considéré comme le début de l’art contemporain. La façon dont ces artistes ont rejeté les idées du post-impressionnisme et d’autres mouvements artistiques et se sont efforcés de créer des œuvres d’art sur des sujets modernes classe le Pop art comme le premier mouvement de l’art contemporain.

Quelle est la définition du Pop Art?

Qu’est-ce que le Pop art ? Le Pop art est un art basé sur la culture populaire et les médias utilisés dans les années 1960, en particulier les médias de masse et leurs effets sur la société, dans lequel les artistes utilisent l’humour pour commenter ces sujets.

Quand le mouvement Pop Art a-t-il commencé?

On dit que le mouvement Pop Art a commencé dans les années 1950, mais qu’il s’est imposé dans les années 1960.