Peinture célèbre femme – 15 portraits féminins les plus célèbres

Tout au long de l’histoire de l’art, les femmes ont toujours été des sujets de premier plan. Qu’il s’agisse de sujets saints, de déesses nues, de beaux portraits féminins, d’aristocrates en goguette ou de tout ce qui se trouve entre les deux, les femmes ont toujours été présentes. Dans cet article, nous explorons des peintures célèbres de femmes, réalisées aussi bien par des hommes que par des femmes, en commençant par la période de la Renaissance, où les femmes dans l’art jouaient un rôle très différent, jusqu’aux femmes dans l’art de l’ère moderne.

Les femmes dans l’art

Depuis la nuit des temps, les femmes ont été, sinon les premières, des sujets importants dans l’art. Il y a plus de 20 000 ans, la figure féminine était vénérée, peut-être comme modèle de fertilité. L’un des exemples les plus anciens et les plus célèbres est la Vénus de Willendorf (vers 24 000 à 22 000 avant notre ère). Cependant, on retrouve cette accentuation des attributs féminins dans des centaines, voire des milliers, d’objets d’art provenant de multiples cultures.

L’art féminin égyptien, par exemple, représente les femmes dans le rôle de la mère, mais aussi dans d’autres rôles familiaux comme celui de l’épouse ou de la fille. Les femmes étaient également représentées en fonction de leur statut dans la vie. Nous verrons également des femmes dans l’art des époques grecque et romaine, représentées dans leurs rôles au sein des systèmes sociétaux en tant que mères et soignantes.

Vénus de Willendorf (c. 24 000 à 22 000 avant notre ère) ; photographe User:Thirunavukkarasye-Raveendran, CC0, via Wikimedia Commons

Parmi les autres thèmes dominants des peintures de femmes de l’Antiquité, on trouve les divinités, les objets de désir comme la déesse Vénus, ou les méchants monstrueux de la mythologie grecque.

Les femmes ont été représentées comme délicates, belles, illustres, saintes, douces, et presque tous les traits liés à la féminité. Cependant, le chemin n’a pas été facile pour les femmes et leur rôle dans l’art. Elles ont été placées sur des piédestaux et mises à l’écart dans un monde où le patriarcat a tracé et peint la voie.

Lorsque nous regardons l’art au Moyen-Âge et à la Renaissance, les femmes reprennent leur place déterminée par le statut, la société, l’économie et la religion. La figure féminine a suscité un intérêt particulier à la Renaissance, car elle était idéalisée en tant qu’exemple de beauté et de perfection, avec des tons et des contours parfaits.

Primavera (1482) par Alessandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons

Le sujet des nus était prédominant, bien qu’il s’agisse d’une esthétique sensuelle et non d’une provocation « nue ». Les femmes de la mythologie sont illustrées par des artistes comme Alessandro Botticelli, qui a représenté Vénus dans deux tableaux célèbres, à savoir Primavera (1482) et La Naissance de Vénus (vers 1484 à 1486). Seul Léonard de Vinci a représenté des femmes issues de la religion, à savoir Mère Marie, par exemple dans Virgin of the Rocks (v. 1483 à 1486).

Cependant, les femmes n’étaient pas simplement douces dans leurs représentations, car leur beauté est forte, comme le montrent la sculpture en bois intitulée Madeleine pénitente (1453 à 1455), de Donatello, et la sculpture en marbre Pietà (1498 à 1499) de Michel-Ange, qui représentent toutes deux la figure religieuse de Mère Marie. Remarquez la forte musculature de la Madeleine pénitente de Donatello, une représentation totalement différente de la volupté de Vénus.

Alors que la Renaissance évolue vers l’ère moderne, les femmes dans l’art deviennent plus libres et plus fluides ; leurs rôles sont bouleversés.
Les impressionnistes comme Édouard Manet ont provoqué les masses avec ses célèbres tableaux Le Déjeuner sur l’herbe (1863) et Olympia (1863), tandis que le Luncheon de la fête nautique (1881) de Pierre-Auguste Renoir dépeint les femmes parmi les hommes dans leur mode et leur plaisir au cours de la vie parisienne du 19e siècle. Nous voyons également des artistes comme Edgar Degas dépeindre la femme de tous les jours, un exemple étant sa Femme dans un bain s’épongeant la jambe (vers 1883 à 1884).

Déjeuner de la fête nautique (1881) de Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons.

Au fur et à mesure que les époques moderne et contemporaine se développaient dans l’histoire du monde, elles traçaient également une ligne de démarcation entre l’ancien et le nouveau dans le domaine de l’art. Les femmes ont pris position pour leurs droits, ce qui s’est reflété dans leur art, où elles ont célébré non seulement leurs propres défis avec courage et honnêteté, mais aussi ceux des autres. On le voit notamment dans les peintures poignantes de la Mexicaine Frida Kahlo et dans les œuvres contemporaines controversées comme The Dinner Party (1974 à 1979) de Judy Chicago.

Il y a également eu de nombreuses femmes artistes à travers les âges, créant de nouvelles normes et de nouveaux lieux pour les femmes au-delà des perceptions de nourrices et de nus.

Parmi les femmes artistes importantes, citons Artemisia Gentileschi, Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Catharina van Hemessen, Judith Leyster, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Hannah Höch, Frida Kahlo, Georgia O’Keeffe et Cindy Sherman, pour ne citer qu’elles.

Nos 15 peintures de femmes les plus célèbres

Vous trouverez ci-dessous 15 peintures célèbres de femmes. Nous avons également inclus des peintures réalisées par des femmes, car il est tout aussi important de les mettre en lumière. Il est également important de noter que la façon dont les hommes percevaient les femmes était et continue d’être très différente de la façon dont les femmes se percevaient et se perçoivent encore à un niveau personnel et culturel.

Examinons donc de plus près la manière dont chaque artiste a célébré la femme de son choix, de la Renaissance à l’ère moderne. N’oubliez pas que le monde de l’art féminin est vaste et que nous ne faisons qu’effleurer la partie émergée de l’iceberg, comme on dit.

La Naissance de Vénus (v. 1484 à 1486) par Alessandro Botticelli

La Naissance de Vénus a été peinte par le peintre italien de la Renaissance Sandro Botticelli entre 1485 et 1486. On y voit Vénus, la célèbre déesse grecque, debout sur un grand coquillage, accueillie sur le rivage par le dieu du vent, Zéphyr, qui tient à gauche une figure féminine que l’on pense être Chloris, une nymphe qu’il a épousée. Hora se tient à droite.

La Vénus elle-même est représentée avec une attitude timide et timorée caractéristique ; sa main gauche (notre droite) repose doucement sur ses organes génitaux et, de la même façon, sa main droite (notre gauche) couvre ses seins. On pensait que cela faisait référence à la position féminine classique appelée Venus Pudica.

La Naissance de Vénus (1484 – 1486) par Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons.

La Naissance de Vénus est un tableau à grande échelle qui représente un nu féminin, ce qui n’était pas généralement accepté pour des tableaux de cette envergure, qui représentaient souvent des scènes religieuses. Cependant, il s’agit ici d’un nu féminin dans une scène mythologique.

La Joconde (1503) de Léonard de Vinci

La Joconde (1503) a été peinte par le célèbre Léonard de Vinci, l’un des maîtres de la Haute Renaissance en Italie. Il s’agit d’un portrait éloquent mais ambigu de Lisa Gherardini, également connue sous le nom de Lisa del Giocondo, qui était apparemment mariée à Francesco del Giocondo.

Le tableau est intitulé La Gioconda en italien, ce qui signifie « jovial » ou « heureux ».

La Joconde (1503) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

De Vinci a utilisé plusieurs techniques pour obtenir une représentation presque immaculée de la Joconde, notamment le sfumato, qui implique une transition fluide entre les couleurs, créant ainsi une apparence de réalisme. En outre, l’arrière-plan représente un paysage inconnu, que Da Vinci a également représenté dans d’autres tableaux.

Vénus d’Urbino (1534) par Tiziano Vecellio (Titien)

La Vénus d’Urbino représente la déesse Vénus nue dans une pose allongée, regardant les spectateurs avec sa main gauche placée légèrement sur sa zone génitale. Un chien endormi est également représenté à droite du lit, ce qui a souvent été considéré comme un signe de loyauté.

Vénus est également représentée à l’intérieur, entourée de ce qui semble être un mobilier et une literie opulents et il y a deux femmes à l’extrême droite de la composition, peut-être deux servantes, qui s’affairent dans un cassone, un coffre à vêtements.

Vénus d’Urbino (1534) par Titien ; Titien, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

L’histoire de cette célèbre Vénus couchée a été débattue ; certaines sources affirment qu’il pourrait s’agir de la représentation d’une femme nommée Angela Zaffetta, et d’autres pensent qu’elle aurait appartenu à un homme nommé Guidobaldo II della Rovere pour célébrer son mariage. On pense que Vénus a également été représentée d’après le tableau intitulé La Vénus endormie (vers 1510) de l’artiste italien Giorgione.

La Vénus d’Urbino de Titien est devenue une représentation célèbre de la figure féminine nue allongée, inspirant de nombreux autres artistes à créer des compositions sur ce thème. L’une d’entre elles est Olympia (1863), peinte par Édouard Manet.

Judith tuant Holopherne (1614 – 1621) par Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi a peint à l’époque baroque et est devenue très tôt l’une des femmes artistes les plus célèbres et les plus prestigieuses. Ce qui la rend unique, c’est sa carrière artistique accomplie. Son style de peinture est connu pour être plus réaliste avec des sujets centrés sur les femmes des histoires religieuses, de la mythologie et de divers autres récits.

Son talent a également été attribué au célèbre peintre italien, Le Caravage.

Judith Slaying Holofernes (c. 1611 – 1612) par Artemisia Gentileschi ; Artemisia Gentileschi, Domaine public, via Wikimedia Commons

est l’une des peintures les plus populaires de Gentileschi, représentant l’histoire de l’Ancien Testament de la Bible lorsque Judith a décapité Holopherne, qui était un général assyrien. Dans le tableau, nous voyons en détail comment Gentileschi a représenté le moment où Judith coupe le cou de son antagoniste, avec son serviteur, Abra, qui l’aide en immobilisant Holopherne.

Certaines sources affirment que la signification de ce tableau est liée à la volonté de Gentileschi de représenter des femmes fortes et courageuses, tandis que d’autres ont émis l’hypothèse qu’il s’agissait d’une « vengeance » de l’artiste.

Il s’agirait d’une forme de catharsis, pour ainsi dire, après le viol dont elle a été victime de la part du peintre Agostino Tassi. En outre, cette peinture n’est qu’un exemple parmi d’autres illustrant le pouvoir des femmes, non seulement dans la narration, mais aussi dans le choix de ce qu’elles veulent peindre.

Fille à la boucle d’oreille en perle (vers 1665) de Johannes Vermeer

Johannes Vermeer, connu comme peintre baroque et peintre hollandais de l’âge d’or, était très apprécié pour son talent artistique dans l’utilisation des couleurs pour représenter la lumière et les textures. Apparemment, son surnom était « Maître de la lumière ». Il a également peint des scènes de genre représentant des personnes de différentes classes sociales, ainsi que des portraits.

La Fille à l’oreille de perle est devenue l’une des œuvres d’art les plus célèbres de Vermeer. Il s’agit d’une peinture dite « tronie », qui n’est pas un portrait à proprement parler de quelqu’un, mais plutôt une œuvre dont les traits du visage sont exagérés. Ces peintures décrivent les émotions et les caractéristiques humaines à travers cette emphase.

Fille à la boucle d’oreille en perle (1665) de Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Public domain, via Wikimedia Commons

L’exotisme ou l' »orientalisme » sont également souvent représentés. Le turban de la jeune fille illustre ces dernières caractéristiques. Elle porte également une grande boucle d’oreille ronde à l’oreille gauche, mais certains disent qu’il s’agit d’un étain plutôt que d’une perle, et elle regarde le spectateur avec une expression faciale animée.

La Grande Odalisque (1814) de Jean Auguste Dominique Ingres

Le Français Jean Auguste Ingres était connu comme un peintre néoclassique et romantique. Il était connu pour « abstraire » les formes de la figure humaine dans ses peintures, ce qui donnait à son sujet des expressions plus émotionnelles et soulignait les traits. Certains disent que ses œuvres ont jeté les bases de l’ère moderne de l’art en raison de son style plus expressif.

Dans sa peinture à l’huile La Grande Odalisque, nous voyons une femme nue. Elle est représentée dos à nous, les spectateurs, tout en regardant fixement dans notre direction. Ce qui a rendu cette peinture si unique, c’est la façon dont Ingres a représenté la concubine avec des caractéristiques anatomiques exagérées.

La Grande Odalisque (1814) de Jean Auguste Dominique Ingres; Jean Auguste Dominique Ingres, Public domain, via Wikimedia Commons.

En particulier, son dos est trop allongé et de nombreuses sources d’histoire de l’art indiquent que cette représentation de l’allongement nécessiterait plusieurs vertèbres supplémentaires. En outre, sa jambe gauche forme un angle disproportionné avec ses hanches et sa jambe droite.

La Grande Odalisque, aussi enchanteresse et particulière que soit cette peinture dans son réalisme, est devenue l’une des icônes des figures féminines, prenant place aux côtés des nombreuses autres représentations de Vénus et de femmes érotisées comme le Vénus d’Urbino de Titien, mentionné plus haut.

En outre, il s’agit également d’une représentation de ce que l’on a appelé le sujet « oriental », qui rendait la nudité de la femme plus acceptable parce qu’elle était jugée « exotique ». C’était également à l’époque où l’Empire français a colonisé l’Orient, qui comprenait des endroits comme le Proche-Orient et la Turquie.

Liberté guidant le peuple (1830) par Eugène Delacroix

Eugène Delacroix était connu comme un peintre romantique. Son style se caractérisait par une utilisation expressive des coups de pinceau, une utilisation vive et forte des couleurs, et un dynamisme de la composition et des sujets qui allaient de l’oriental à l’historique. Son œuvre est considérée comme étant à l’opposé du style d’Ingres, mentionné précédemment. Nous remarquerons son style artistique émotif et passionné dans l’une de ses peintures emblématiques, Liberty Leading the People.

Le protagoniste principal ici est une femme, tenant le drapeau français dans sa main droite (notre gauche) et un mousquet avec une baïonnette dans sa main gauche (notre droite). Elle porte ce que l’on appelle un bonnet phrygien, qui symbolise la liberté. On la voit à la tête d’un groupe d’hommes sur un champ de bataille avec de nombreux cadavres sous leurs pieds.

Liberté guidant le peuple (1830) par Eugène Delacroix ; Eugène Delacroix, Public domain, via Wikimedia Commons.

Il y a également une indication d’un paysage urbain à l’arrière-plan. Delacroix a peint cette femme comme un symbole et une personnification de la liberté. C’était en l’honneur de la Révolution française de 1830, qui était connue comme la deuxième Révolution française (la première avait eu lieu en 1789).

Delacroix a placé la figure féminine dans une position de pouvoir : elle a été représentée non seulement comme un chef, mais aussi comme une femme sauvage, avec ses seins entièrement révélés par sa robe ouverte et ses pieds nus. Elle semble ne pas être perturbée par les éléments, naturels ou artificiels, qui l’entourent.

On croyait aussi qu’elle était une représentation de Marianne, qui était une figure symbolisant la liberté, connue sous le nom de « symbole républicain ».

Olympia (1863) par Édouard Manet

Édouard Manet, l’un des pères de l’impressionnisme, a introduit dans le monde un nouveau regard sur le nu féminin, pour ainsi dire. Présentant une Vénus en pleine confiance par rapport à la Vénus traditionnellement timide et timorée que nous connaissons depuis les périodes classiques, Manet a peint Olympia.

Ce n’est pas seulement le sujet qui a provoqué un tollé parmi les critiques d’art au 19^e siècle, mais c’est aussi le style artistique de Manet qui a contribué à l’ère moderne de l’art.

Olympia (1863) par Édouard Manet ; Édouard Manet, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Dans Olympia, nous voyons une femme nue allongée qui fixe le spectateur d’un regard qui n’est troublé par aucune coïncidence potentielle pouvant résulter de sa nudité. Alors qu’elle semble s’appuyer élégamment sur son oreiller, sa servante se tient à droite et lui présente un bouquet de fleurs. Ce qui a rendu ce tableau controversé lorsqu’il a été présenté pour la première fois au public au Salon de Paris en 1865, c’est que Manet a représenté une prostituée, dénotée non seulement par le nom, mais aussi par les divers articles qu’elle portait.

Olympia est inspirée de la Venus d’Urbino du Titien, mais dans la version de Manet, la main gauche de la femme s’approche plus résolument de son sexe que dans la version du Titien, où le geste est plus léger. Le modèle qui a posé pour Manet était l’artiste française Victorine-Louise Meurent.

Mère de Whistler (1871) par James McNeill Whistler

Whistler’s Mother, également intitulé Arrangement in Grey and Black No.1, est une représentation de la mère de l’artiste James McNeill Whistler, qui s’appelait Anna McNeill Whistler. L’artiste l’a peinte assise de profil, vêtue d’une robe noire et d’un chapeau en dentelle blanche, tout en tenant un mouchoir dans ses mains posées sur ses genoux.

Nous ne voyons que de légers éléments de l’intérieur, tels que le rideau à droite et une peinture sur le mur, que l’on pense être la peinture de Whistler sur la Tamise.

Whistler’s Mother (1871) by James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons.

Il est apparu dans de nombreux films, séries et musiques. Parmi les films les plus connus, citons Bean (1997), I Am Legend (2007), et The Simpsons dans des épisodes comme Rosebud (1993), entre autres. Apparemment, la mère de Whistler a remplacé l’artiste lorsque le modèle prévu a annulé leur rendez-vous.

La mère de Whistler est devenue l’un des portraits féminins les plus emblématiques du 19^ème siècle.

Le berceau (1872) de Berthe Morisot

Berthe Morisot est devenue une artiste féminine notable qui a travaillé au sein de l’impressionnisme. En tant que femme peintre, elle a réalisé de nombreuses peintures sur des scènes quotidiennes et des personnes telles que d’autres femmes et leur mode de vie, des enfants et la nature. Tous ces tableaux ont été réalisés dans le style impressionniste caractéristique en plein air. Elle a utilisé toute une série de techniques comme l’aquarelle, le pastel, l’huile, ainsi que le crayon et le fusain. Son style a également été influencé par le mouvement japonais qui prévalait à l’époque.

Dans Le berceau, Morisot a peint sa sœur, Edma, et son bébé Blanche. Ce tableau a été décrit comme l’un des plus célèbres de Morisot.

Le berceau (1872) de Berthe Morisot ; Berthe Morisot, Public domain, via Wikimedia Commons

Nous voyons Edma assise, regardant fixement son enfant, qui est caché de notre vue par le rideau blanc. Le regard d’Edma et son attitude pensive ont également été interprétés de différentes manières, certains suggérant qu’elle se souvient de l’époque où elle était elle-même peintre, avant de se marier.

Femme à l’ombrelle (1875) de Claude Monet

Femme à l’ombrelle représente Camille Monet, la femme de Claude Monet, et leur fils, Jean Monet, debout sur une petite colline lors d’une promenade. Ce tableau a été peint dans les années 1870, époque à laquelle Monet vivait apparemment à Argenteuil, à Paris.

Ce tableau est devenu l’une des peintures les plus emblématiques de Monet et l’un des exemples de l’impressionnisme et du style de peinture en plein air.

Femme à l’ombrelle (1875) par Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons.

Monet aurait peint Femme à l’ombrelle en une seule séance et créé une représentation éblouissante de la lumière extérieure. Nous voyons la femme tenant une ombrelle, debout contre la lumière du soleil, ce qui crée des ombres supplémentaires. En outre, Monet a peint selon une perspective angulaire, plaçant son sujet plus haut, créant l’effet que nous, les spectateurs, regardons vers le haut.

Monet a réalisé des peintures similaires en 1886, en prenant Suzanne Monet comme modèle.

Portrait de l’artiste (1878) par Mary Stevenson Cassatt

Née en Pennsylvanie, Mary Stevenson Cassatt a peint des scènes quotidiennes de femmes, notamment avec leurs enfants, tout en explorant les thèmes autour de la maternité. Cassatt a voyagé et vécu en Europe (plus précisément en France) pendant une grande partie de sa vie, où elle a étudié et appris auprès des grands maîtres de l’art.

Elle a peint en tant qu’impressionniste et a été l’une des figures de proue de l’introduction de ce style en Amérique. Elle a également été décrite comme faisant partie des « trois grandes dames » de l’impressionnisme, les deux autres étant Berthe Morisot et Marie Bracquemond.

Portrait de l’artiste (1878) par Mary Cassatt ; Mary Cassatt, Public domain, via Wikimedia Commons

Dans Portrait de l’artiste, nous voyons l’exemple d’une femme qui se peint elle-même, à l’aquarelle et à la gouache, ce qui montre également que Cassatt a utilisé des techniques mixtes tout au long de sa carrière artistique. Certaines sources pensent que cet autoportrait a été réalisé lorsque Edgar Degas a également peint un portrait de Cassatt, intitulé Mary Cassatt Assise, tenant des cartes (vers 1884).

Portrait de Gertrude Stein (1905 – 1906) par Pablo Picasso

Portrait de Gertrude Stein est l’un des portraits féminins les plus populaires de Pablo Picasso à ce jour. Le sujet de cette peinture était, comme son titre l’indique, Gertrude Stein. Elle était américaine et vivait à Paris, où elle et Picasso se sont rencontrés en 1905. Stein était une écrivaine, une poétesse et une collectionneuse d’art de premier plan, parmi bien d’autres mérites. Elle a acheté de nombreuses peintures à Picasso et a joué un rôle déterminant dans le succès de l’artiste.

Ce qui rend ce tableau unique, c’est que Picasso ne l’a pas peint comme un portrait traditionnel.

Par exemple, Stein est assise, son bras reposant sur sa jambe, et elle regarde dans une autre direction et non pas directement vers nous, les spectateurs. Elle n’a pas non plus la même formalité que les portraits typiques. Ce tableau a été peint pendant la « période rose » de Picasso, qui aurait été influencé par les styles artistiques primitifs, ce qui expliquerait que le visage de Stein ait l’air d’un masque.

Portrait d’Adèle Bloch-Bauer I (1907) par Gustav Klimt

Portrait d’Adèle Bloch-Bauer I de Gustav Klimt, également intitulé La femme en or et La dame en or, a été peint pendant la « phase d’or » artistique de Klimt. Le modèle était Adele Bloch-Bauer, qui a également posé pour Klimt dans d’autres tableaux, par exemple Judith I (1901), et une deuxième version du portrait en 1912.

Bauer était mariée à Ferdinand Bloch-Bauer, un riche homme d’affaires viennois.

Portrait d’Adèle Bloch-Bauer I (1907) par Gustav Klimt; Gustav Klimt, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le premier portrait d’Adèle est représenté dans un style abstrait et décoratif, caractéristique de Klimt. Nous la voyons assise sur une chaise, mais nous ne pouvons pas distinguer la chaise dans tous ses détails. De même, on ne distingue pas la robe dorée du modèle du mur doré derrière elle.

Klimt utilisait la feuille d’or et l’argent dans ses peintures et était l’une des figures de proue du mouvement Art nouveau. Il a réalisé de nombreux autres portraits féminins tout au long de son œuvre artistique.

Autoportrait avec collier d’épines et colibri (1940) de Frida Kahlo

Frida Kahlo est devenue une figure artistique féminine légendaire. Née au Mexique, elle a vécu une vie aussi riche que ses peintures, et ses tableaux dépeignaient sa vie intérieure et ses émotions profondes. Elle a été impliquée dans un accident de voiture mortel à la fin de son adolescence, qui l’a laissée avec des douleurs chroniques et des problèmes de colonne vertébrale pour le reste de sa vie.

Elle a été mariée à Diego Rivera, un artiste mexicain bien connu, dont elle a divorcé et s’est remariée.

Autoportrait avec collier d’épines et colibri (1940) par Frida Kahlo ; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

C’est pendant son divorce avec Rivera qu’elle a peint un autoportrait, parmi beaucoup d’autres, intitulé Autoportrait avec collier d’épines et colibri. Ici, nous voyons Kahlo qui nous fixe directement, il y a un chat noir près de son épaule gauche (notre droite), un singe araignée près de son épaule droite (notre gauche), un colibri mort suspendu à son collier d’épines, et d’autres insectes et feuillages autour d’elle.

C’était un trait commun à Kahlo d’utiliser divers motifs d’animaux et de feuillage comme symboles, ainsi que la mythologie mexicaine. Dans cette peinture, les divers symboles pourraient suggérer les sentiments de frustration, de tristesse et de déchirement de l’artiste.

Le singe-araignée aurait été offert à Kahlo par Rivera, ce qui pourrait être un symbole de ce dernier. Kahlo était assurément une artiste féminine qui a inspiré et motivé de nombreuses autres personnes à créer de l’art sans aucune prétention, comme nous le voyons dans l’une des nombreuses œuvres présentées ici.

Les femmes dans l’art et l’art chez les femmes

Bien que nous n’ayons présenté que 15 des peintures les plus célèbres de femmes et de portraits féminins dans l’article ci-dessus, réalisées par des artistes hommes et femmes, nous ne devons pas oublier toutes les autres centaines d’exemples éparpillés comme des joyaux dans les sables de l’histoire de l’art.

Les femmes dans l’art ont été l’un des sujets les plus courants, mais aussi l’un des plus contestés en raison du rôle des femmes dans la société humaine, la politique, l’économie et la culture. En tant que mères, filles, épouses, gardiennes, amantes, objets d’affection et actrices de leur propre vie, il y aura toujours de l’art dans les femmes autant que nous aurons des femmes dans l’art.

Questions fréquemment posées

Quel est le tableau le plus populaire représentant une femme ?

LaJoconde (1506) de Léonard de Vinci est considérée comme l’une des plus célèbres peintures de femme. Elle est devenue une icône de la période artistique de la Renaissance et de l’habileté artistique avec laquelle Léonard de Vinci a peint la Joconde avec réalisme et une beauté envoûtante. La Joconde est devenue populaire pour son sourire énigmatique.

Qui sont les femmes peintres les plus célèbres ?

Parmi des milliers, certains des noms les plus célèbres dans le genre des femmes peintres à travers l’histoire de l’art en Occident ont été, à savoir, Angelica Kauffman, une peintre néoclassique ; Artemisia Gentileschi, qui a peint pendant l’ère baroque ; Mary Cassatt, qui a peint pendant la période impressionniste ; Frida Kahlo, qui était une peintre mexicaine réaliste et magique ; Georgia O’Keeffe, qui était une artiste moderne de premier plan, ainsi que la contemporaine Judy Chicago, qui est l’une des principales artistes féministes de notre époque.

Qu’est-ce que la Joconde hollandaise ?

Le célèbre tableau de femme de l’artiste néerlandais Johannes Vermeer, Fille à la boucle d’oreille perlée (1666), a été surnommé la Joconde hollandaise en raison du mystère inhérent au sujet, qui est la jeune fille, ainsi que de l’habileté artistique de Vermeer à représenter ce que l’on appelle une peinture de Tronie, qui n’est pas une peinture de portrait traditionnelle. Cette peinture est également devenue une icône dans les films, la télévision et les livres.