Néoclassicisme – Exploration la période néoclassique

L’art néoclassique a évolué en réponse aux formes extrêmement colorées et criardes des périodes baroque et rococo, qui insufflaient à la culture une esthétique narcissique axée sur les artifices et les fantaisies individuelles. L’art du néoclassicisme a suscité une renaissance généralisée de la philosophie classique, reflétant ce qui se passait dans les sphères sociales et politiques de l’époque, contribuant finalement à la Révolution française. La principale notion de la période néoclassique était que l’art peut incarner les valeurs idéales de la vie et peut améliorer le public en transmettant une déclaration moralisatrice.

L’art néoclassique

Qu’est-ce que le néoclassicisme ? Les peintres et sculpteurs néoclassiques croyaient que l’art néoclassique avait le pouvoir d’apprivoiser, de restructurer et de changer la société au moment même où celle-ci était convertie par de nouvelles stratégies d’administration et les influences croissantes de la révolution industrielle, poussée par les progrès et les découvertes scientifiques.

La Grande Odalisque (1814) de Jean Auguste Dominique Ingres ; Jean Auguste Dominique Ingres, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le succès du Grand Tour, au cours duquel les spécialistes de l’art et la noblesse en général ont pu accéder à des ruines fraîchement découvertes en Italie et ont été enthousiasmés par l’esthétique et la philosophie de l’art antique, a largement contribué à l’émergence des sculptures et des peintures néoclassiques.

Les premiers jours de l’art néoclassique

L’Académie royale des arts de France a élaboré une hiérarchie de la peinture en 1669, dans laquelle la peinture néoclassique était acceptée. Le genre le plus élevé était la peinture historique, qui couvrait des sujets de l’Écriture, des mythes classiques et des récits historiques, suivie des portraits, de la peinture de genre, des vues et des natures mortes.

Ce système était utilisé pour juger les œuvres présentées au Salon ou pour des récompenses comme le prestigieux Prix de Rome, et il affectait la valeur monétaire des peintures pour les bienfaiteurs et les acheteurs.

Et en Arcadie ego (1638-40) de Nicolas Poussin ; Nicolas Poussin, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les peintures de Claude Lorrain et Nicolas Poussin sont considérées comme de parfaits exemples de peinture historique, et les deux peintres ont eu une influence majeure sur l’art du néoclassicisme. Si Claude Lorrain et Nicolas Poussin étaient tous deux des peintres baroques français qui ont consacré la majeure partie de leur vie à travailler à Rome, c’est l’attention particulière qu’ils portaient à un style plus classique qui a attiré les artistes néoclassiques vers eux.

Claude Lorrain a produit des paysages avec des personnages de la mythologie classique ou des scènes scripturaires, comme on peut le voir dans sa peinture néoclassique Un paysage avec Apollon gardant les troupeaux d’Admète et Mercure les volant (1645). Plusieurs de ses chefs-d’œuvre communiquent une influence de l’unité organisée, ce qui a rapproché le néoclassicisme de la conviction que l’art doit transmettre les aspects positifs idéaux.

Cupidon et Psyché (1817) de Jacques-Louis David ; Jacques-Louis David, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Bien qu’il ait également été un artiste religieux de premier plan, le plus grand effet de Nicholas Poussin sur la peinture néoclassique a été ses peintures mythiques et historiques. Sa La mort de Germanicus (1627) lui a valu une réputation à l’intérieur de son propre temps et a inspiré Benjamin West et Jacques-Louis David. Bien que les peintures de Titien aient eu un impact sur sa palette de couleurs, les arrangements de Poussin privilégiaient la pureté et la rationalité, et ses traitements réalistes valorisaient les lignes fortes.

Le Grand Tour

La mise au jour de sites et d’objets antiques gréco-romains qui ont été reconnus dans toute l’Europe dans des rapports illustrés répandus de différentes excursions de voyage a influencé l’art néoclassique. Rome, avec ses vestiges romains, son art de la Renaissance et ses antiquités nouvellement découvertes, est devenue une visite populaire. Beaucoup de ces voyageurs aristocrates étaient des collectionneurs enthousiastes et ont commandé de nombreuses pièces, si bien que des artistes célèbres comme Antonio Canova et Pompeo Batoni ont organisé des ateliers ouverts.

Les jeunes nobles européens du Grand Tour, un rite de passage coutumier et académique, se rendaient en Italie « à la poursuite de l’art, des cultures et des origines de la civilisation occidentale », selon l’analyste culturel Matt Gross.

Johann Joachim Winckelmann (1717 – 1768)

Le néoclassicisme est né à Rome, avec les Pensées sur l’imitation des œuvres grecques en peinture et en sculpture (1750) de Johann Joachim Winckelmann. Cet ouvrage a joué un rôle clé dans la création de l’esthétique et de l’idéologie de l’art néoclassique. Bien qu’il soit allemand, il a passé la majeure partie de sa vie à Rome, où il a été parrainé par divers dirigeants catholiques éminents. Il a déclaré que « le seul moyen pour nous de devenir magnifiques, voire uniques, est de copier les anciens », arguant que l’art doit aspirer à « une noble simplicité et une majesté sereine ».

Portrait de Johann Joachim Winckelmann (c. 1777) par Anton Raphael Mengs ; Anton Raphael Mengs, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’œuvre de l’artiste Henry Fuseli, qui a fait sa renommée, a été largement transcrite, d’abord en français, puis en anglais, en 1765. La ville antique d’Herculanum a été découverte et fouillée en 1738, suivie en 1748 par Pompéi et Paestum. Les colonies ont été recouvertes de cendres volcaniques après l’éruption inattendue du Mont Vésuve en 79 de notre ère, préservant des vestiges de l’ancienne vie quotidienne, des sculptures remarquables et de nombreuses peintures murales.

Comme l’ont noté les historiens de l’art, le chef-d’œuvre de Winckelmann, Histoire de l’art antique(1764), était devenu un chef-d’œuvre immédiat. Son « accomplissement le plus substantiel et le plus durable a été de générer un enregistrement chronologique complet, approfondi et convaincant de tout l’art antique – qui comprenait celui des Étrusques et des Égyptiens. »

Il a été le premier à développer une image ordonnée de l’art, de sa création à sa maturité et sa décadence, considérant l’art d’une société comme inextricablement lié à la culture elle-même. Son œuvre a eu un impact sur les penseurs notables de son époque et des générations suivantes, notamment Herder, Lessing, Goethe, Spengler et Nietzsche.

Anton Raphael Mengs (1728 – 1779)

Anton Raphael Mengs est considéré comme un innovateur de la peinture néoclassique. Les artistes qui se sont rassemblés autour de Winckelmann et de Mangs ont établi Rome comme l’épicentre du nouveau mouvement.

Les célèbres tableaux de Mengs représentant des sujets légendaires lui ont valu le titre de « meilleur artiste du jour ».

Parnassus (c. 1750s – 1760s) par Anton Raphael Mengs ; Anton Raphael Mengs, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il a influencé un certain nombre de peintres notables, notamment Angelica Kauffman, Benjamin West, John Flaxman et Gavin Hamilton, qui allaient diriger le futur développement de l’art néoclassique en Grande-Bretagne. Comme les deux peintres se sont rencontrés lors de la visite de David au Prix de Rome de 1775 à 1780, il a inspiré Jacques-Louis David, qui a dirigé la phase suivante du néoclassicisme axé en France.

Les Lumières

Les Lumières, un mouvement politique et intellectuel qui mettait l’accent sur les sciences, la rationalité et les découvertes, ont inauguré la période néoclassique. Le siècle des Lumières, également connu sous le nom de « l’âge de la raison », a été influencé par le scepticisme de René Descartes et la philosophie politique de John Locke. Les vérités immuables de la famille royale et de la doctrine religieuse ont été profondément remises en question et les idéologies des droits personnels, de la foi et des gouvernements ont été développées.

L’Encyclopédie française, le volume le plus important du siècle et un recueil de la pensée des Lumières, a eu un impact international. Denis Diderot, l’éditeur de l’ouvrage et créateur du sujet de l’histoire de l’art, a déclaré que l’objectif de l’ouvrage était de « transformer la façon dont les gens semblent penser ». Elle « défendait efficacement la capacité du raisonnement et de la compréhension unifiée à renforcer le choix humain et à changer les défis sociétaux », a déclaré l’historienne Clorinda Donato.

Adoptant ce point de vue, les peintres néoclassiques pensaient que l’art devait à la fois civiliser, éduquer et améliorer la société.

Daphnis offrant une guirlande de fleurs à Chloé (1776) par Antonio Zucchi ; Antonio Zucchi, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Cela s’explique par le fait que la société elle-même était en train d’être révolutionnée par les pouvoirs croissants de la révolution industrielle, alimentée par les découvertes et les innovations scientifiques. Au Royaume-Uni, parmi d’autres artistes, le néoclassicisme de Benjamin West a adopté un thème plus moderne, soulignant la moralité et le rationalisme des Lumières.

D’autres peintres, comme Joseph Wright de Derby, ont réalisé des œuvres influencées par l’ingéniosité scientifique, comme lePhilosophe faisant une conférence sur l’Orrerie (1768). Plutôt que des sujets mythiques, les peintres britanniques se sont tournés vers d’anciens documents historiques ou des événements réels, comme La mort du général Wolfe (1770) de West, dans lequel il a défié les conventions académiques en refusant de représenter les troupes en toges romaines comme non fondées sur la raison ou l’observation.

Apex de la période néoclassique

Ce dernier style néoclassique, basé en France, mettait l’accent sur les lignes fortes, les environnements classiques austères éclairés par la lumière artificielle et les matériaux réduits pour dépeindre la force morale. Le Serment des Horaces (1784) de Jacque-Louis David, vu au Salon de Paris de 1785, a caractérisé la nouvelle tendance de la peinture néoclassique et l’a établi comme chef du mouvement.

Le tableau a été réalisé alors que le peintre néoclassique était à Rome, où il a rencontré Mengs et a ensuite vu les ruines d’Herculanum, une expérience qu’il a comparée à l’ablation chirurgicale d’une cataracte. Même si la peinture néoclassique convenait au roi Louis XVI, dont le gouvernement l’avait commandée en mettant l’accent sur la dévotion, elle a ensuite été associée à la cause révolutionnaire de la France.

La Révolution française a été une période de profonds bouleversements sociaux et politiques qui ont abouti au renversement de la monarchie, à l’instauration d’une république et à la mise en place d’un régime sous Napoléon influencé par les principes radicaux du nouveau libéralisme.

Styles et concepts artistiques du néoclassicisme

L’architecture néoclassique est née au milieu des années 1700 et s’est répandue dans toute l’Europe, influencée par les conceptions de l’architecte vénitien de la Renaissance Andrea Palladio et inspirée par les découvertes archéologiques d’Herculanum et les idées de Winckelmann. Le style qui en résulte, que l’on retrouve dans la conception de bâtiments publics, de demeures célèbres et dans l’urbanisme, utilise un motif de grille inspiré des précédents romains classiques. Les anciens Romains, et même des civilisations plus anciennes avant eux, utilisaient un design unifié pour l’aménagement des villes pour la défense et le confort de la société.

La proposition, dans sa forme la plus élémentaire, mettait l’accent sur une grille carrée de routes avec une place centrale pour les fonctions municipales. Les différences régionales sont apparues au début des années 1800 lorsque les Britanniques ont adopté la forme néo-grecque et les Français le style Empire créé pendant le règne de Napoléon Bonaparte.

Les deux styles étaient liés à un sentiment d’identité nationale, favorisé par le climat politique de l’époque. Les découvertes à Pompéi et Herculanum ont eu un impact sur la décoration intérieure et le mobilier du style Empire.

Arche de Titus, Forum Romanum, situé à Rome, en Italie; Jebulon, CC0, via Wikimedia Commons

Les intérieurs Empire, conçus pour impressionner, comprenaient des ornements en or, fréquemment avec un motif militaire ou des motifs faisant écho à l’Égypte ancienne et à d’autres cultures capturées par les Romains, puis par Napoléon au début des années 1800. Le style Empire est devenu universel en matière de design et d’architecture puisqu’il est lié au design fédéral aux États-Unis, à la forme Regency en Angleterre et à la forme Biedermeier en Allemagne.

Jean-Baptiste Pigalle, un Français, était un pionnier de la sculpture néoclassique.

Voltaire a fait l’éloge de sonMercure(1744) comme étant apparenté à la plus grande sculpture grecque et il a été fréquemment imité. Pigalle était également un instructeur réputé, puisque son élève Jean-Antoine Houdon, connu pour ses portraits-bustes, a ensuite dirigé la tendance en France. Comme le mouvement était vraiment mondial, le sculpteur italien Antonio Canova a été considéré comme le principal représentant du néoclassicisme, avec des œuvres comparables en élégance et en facilité à celles du premier sculpteur grec Praxitèle.

Importants tableaux néoclassiques

En sculpture et en peinture, l’art néoclassique a commencé à décliner avec l’émergence de Romantisme. Cependant, au début des années 1800, les deux formes étaient en concurrence, car Ingres adhérait au néoclassicisme, qui était alors jugé « traditionnel », et Delacroix mettait l’accent sur la sensibilité et le sentiment individuels.

Dans les années 1850, l’art néoclassique en tant que style s’est éteint, tandis que les peintres académiques ont continué à utiliser des formes et des sujets classiques pendant tout le reste du XIXe siècle, bien qu’ils aient été attaqués et défiés par de nouveaux groupes artistiques comme le Naturalisme, le Réalisme et l’Impressionnisme. Voici quelques exemples notables de peintures néoclassiques.

Mort du général Wolfe (1770) par Benjamin West

Cette peinture néoclassique représente la mort du major-général James Wolfe sur les plaines d’Abraham pendant la guerre de Sept Ans, souvent connue sous le nom de guerre française et indienne aux États-Unis. Lors de ce court combat, Wolfe a été tué par un tir de mousquet alors qu’il menait les troupes britanniques au triomphe, donnant le coup d’envoi de la prise du Canada aux Français.

Nous l’observons allongé sur le sol, encerclé et apaisé par un certain nombre d’officiers.

Death of General Wolfe (1770) par Benjamin West ; Benjamin West, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Son corps, qui forme la base d’une disposition pyramidale qui s’élève jusqu’au drapeau à moitié déployé au-dessus de lui, et son teint pâle sont illuminés à la manière du Christ, ce qui lui donne le cœur visuel et émotionnel de l’œuvre. Un groupe d’hommes armés se tient à gauche, représentant un chagrin évocateur des représentations du Christ en deuil.

Un homme autochtone solitaire est assis au premier plan à gauche, le menton dans la paume de sa main, comme s’il était plongé dans la méditation. Deux autres officiers encadrent l’image à droite, tandis que des soldats adverses meurent à l’arrière-plan et que la fumée sombre du champ de bataille et les nuages d’orage se rassemblent autour de la ligne diagonale de connexion du drapeau.

Alors que la lutte se termine par un sacrifice héroïque solitaire, un sentiment de drame est communiqué.

Le capitaine Harvey Smythe tient le bras de Wolfe, le docteur Thomas Hinde tente d’arrêter l’hémorragie du commandant et le lieutenant-colonel Simon Fraser est représenté dans le plaid de sa compagnie. Bien que ces portraits reconnaissables ajoutent un sentiment d’authenticité et de signification historique, ils n’étaient pratiquement pas tous présents à l’époque, et leur inclusion démontre l’objectif de l’artiste de créer une image iconique d’un héros britannique.

L’argument selon lequel le guerrier indigène incarne le noble sauvage, un terme issu du théoricien Jean-Jacques Rousseau, qui louait le caractère fondamental et donc plus noble des personnes « primitives », a provoqué une importante controverse savante. En même temps, comme l’artiste a soigneusement choisi toutes les parties principales, sa présence place fermement l’image dans le Nouveau Monde.

Détail de Mort du général Wolfe (1770) par Benjamin West ; Benjamin West, Domaine public, via Wikimedia Commons.

En arrière-plan, par exemple, un militaire sprinte vers le groupe en portant le drapeau français saisi. Selon l’historien Robert A. Bromley, l’impact total est « si naturel et ils sont si proches de la réalité de l’histoire, qu’ils sont presque authentiques, et pourtant aucun d’entre eux n’est exact dans les faits ». West a retravaillé le tableau historique d’une nouvelle manière en présentant un scénario moderne et en habillant ses sujets avec des vêtements contemporains.

Sir Joshua Reynolds et d’autres peintres et bienfaiteurs de renom voulaient que West représente les personnages dans des vêtements romains traditionnels pour donner plus de respect à l’événement, mais West a déclaré : « La même vérité qui dirige la plume des historiens devrait gouverner le crayon du peintre. »

Le roi George III, enragé par l’utilisation de vêtements actuels par Wolfe, a refusé d’acheter le tableau, et l’artiste en a ensuite fait don à l’Académie royale, où il est devenu extrêmement célèbre. Les impressions du tableau par William Woollett ont acquis un marché mondial, et West a été prié de peindre quatre autres reproductions de l’œuvre d’art.

Serment des Horaces (1784) par Jacques-Louis David

Cette œuvre d’art représente les Horatii, une famille romaine, avec trois fils prêts à combattre, qui tendent leur bras droit en signe de dévotion envers leur père, qui manie trois épées. Ils vont aller se battre avec des frères de la famille d’une ville opposée. À droite, deux dames ayant des parents des deux côtés se laissent tomber en signe de désespoir l’une vers l’autre, les bras mous à leurs côtés, craignant pour ceux qui seraient massacrés.

Une autre dame, vêtue comme si elle était en peine, réconforte les jeunes dans l’ombre. Le décor minimaliste, avec ses triples arches montantes qui se prolongent dans une ombre pratiquement noire, transmet un sentiment de résolution solennelle. Le tableau met l’accent sur le nationalisme et l’abnégation virile pour sa nation.

Serment des Horaces (1784) par Jacques-Louis David ; Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Elle est devenue une analogie de la Révolution française, dans laquelle des compatriotes étaient enrôlés pour s’entretuer pour le plus grand bien. Lorsque le tableau a été présenté au Salon en 1785, David a été salué comme le meilleur artiste français depuis Poussin. Selon l’historienne de l’art Roberta Smith, le tableau est devenu « un véritable pilier de l’art du néoclassicisme ».

Il annonçait le retour victorieux de la grande tradition des peintures poussiniennes, tout en répondant aux prières des critiques qui fulminaient depuis des années contre la dégénérescence des œuvres d’art de la cour, avec Boucher comme principal bouc émissaire, et donnait un genre graphique aux concepts de la Révolution française avant la réalité.

L’œuvre de David a eu une large influence, inspirant le travail de la génération suivante, notamment Gros et Ingres, ainsi que les peintres romantiques Théodore Géricault et Eugène Delacroix, alors même que leur mouvement se révoltait contre les peintres du néoclassicisme.

Cornelia, mère des Gracques, désignant ses enfants comme ses trésors (1785) par Angelica Kauffman

Cornelia, habillée de blanc et de brun, était la mère des futurs dirigeants politiques Gaius Gracchus et Tibère, tandis qu’une matrone romaine, habillée de rouge, est assise à droite dans cette œuvre d’art. L’invité est venu voir les somptueuses possessions de Cornelia, mais lorsqu’on lui demande de montrer à l’invité ses propres richesses en retour, plutôt que de donner sa propre boîte de diamants, elle présente humblement ses enfants comme ses plus belles perles.

Même si le visage de la femme rougit d’humiliation, l’argument de Cornelia est clair : les biens les plus précieux d’une femme ne sont pas les objets matériels, mais ses enfants, qui façonneront l’avenir.

L’arrière-plan architectural romain est modeste mais colossal, enfermant les montagnes et le ciel lointains ainsi que les deux dames, de sorte que le regard de Cornelia et le regard choqué de l’autre femme occupent tous deux la zone rectangulaire, soulignant le thème du tableau, exemplum virtutis, ou exemple de vertus. Kauffman a développé son propre style distinct de peinture historique, en se concentrant sur les figures féminines de l’histoire et de la mythologie anciennes.

Cornélie, mère de Gracchi (1785) par Angelica Kauffman; Angelica Kauffmann, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Kauffman a produit une compréhension de la bravoure et des idéaux classiques qui embrassait les femmes en soulignant l’intégrité d’une mère comme source des vertus de ses enfants et, par implication, de l’équité politique et sociale.

En même temps, elle souhaitait « subvertir les normes prédominantes du genre historique lui-même, et s’attacher à fournir à ses spectateurs divers moyens d’avoir vécu l’histoire et ses représentations, » et par conséquent, elle a joué « un rôle important dans la restructuration des attitudes sociales de la société européenne du 18ème siècle envers l’inventivité, l’identité personnelle et l’identification sexuelle, » selon l’historienne de l’art Meredith Martin.

Lorsque Kauffman est arrivée à Londres en 1766, un graveur londonien s’est exclamé : « Le monde entier est fou d’Angelica », et elle a été une élève fondatrice de l’Académie royale en 1768. Arrivée de Rome, où elle était une amie personnelle de Winckelmann et de son groupe, elle a été une pionnière cruciale dans le domaine de la perspective traditionnelle inspirée par l’archéologie en Grande-Bretagne », a noté le critique d’art Jonathan Jones. Le travail de Kauffman a eu un impact sur un certain nombre de peintres en Angleterre, notamment Joshua Reynolds.

Elle était l’une des deux seules femmes fondatrices de l’Académie royale. Son influence était si grande que le peintre romantique John Constable a commenté qu’aucune avancée dans la peinture ne pourrait être accomplie tant que son héritage ne serait pas perdu.

Achilles recevant les ambassadeurs d’Agamemnon (1801) par Jean-Auguste-Dominique Ingres

Une scène de l’Iliade d’Homère est représentée dans ce tableau néoclassique. Le poème légendaire raconte la guerre de Troie, dans laquelle le roi Agamemnon a envoyé Ulysse et d’autres troupes grecques pour inciter le guerrier légendaire Achille, représenté à gauche, à poursuivre la bataille contre les Grecs.

Un contraste dramatique est produit entre la musculature rude des troupes revenant du combat et la nature sensuelle et tranquille d’Achille et de son camarade Patroclus, sinueusement posé à sa droite, accentuant le nu classique.

Achille s’était retiré du combat après avoir été offensé par la capture de la jeune femme Briseis par Agamemnon, et son langage corporel lorsqu’il bondit en avant dans cette peinture offre un drame psychologique. Ulysse se tient debout, le bras tendu comme s’il implorait la raison, sa robe écarlate signifiant la passion et le conflit.

Achilles recevant les ambassadeurs d’Agamemnon (1801) par Jean-Auguste-Dominique Ingres ; Jean Auguste Dominique Ingres, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La vue s’élargit entre les deux groupes vers un paysage avec un groupe de soldats qui s’entraînent, et dans le fond à gauche, une jeune femme émerge de l’ombre, sa présence suggérant la raison initiale du combat. Chaque détail est significatif puisque la lyre signifiait l’immortalité offerte par les chants d’adoration, et Patroclus porte le casque d’Achille, présageant des événements à venir.

Le thème du concours était de montrer des soldats préparés au combat. Ingres a démontré sa compréhension et sa maîtrise des sujets néoclassiques en montrant la description exacte d’Homère et s’est inspiré d’une sculpture de Pseudo-Phidias pour sa robe historiquement correcte.

Ingres, qui a été formé au style néoclassique par Jacques-Louis David, a reçu le Prix de Rome en 1801 avec cette œuvre.

En soulignant le moment psychologique et en mettant délicatement en valeur les corps athlétiques des hommes pour un effet sensuel et émotionnel, Ingres a apporté sa touche distinctive. « Ingres a réussi à s’inspirer d’une grande variété de représentations visuelles et littéraires. Il a converti ces modèles, d’abord en amalgamant leurs vocabulaires historiques et mythologiques, puis en plaçant ses propres figures dans une structure bipartite compliquée, qui contourne, du moins dans une certaine mesure, le binarisme sexuel même qu’il vise à imbriquer », selon l’historienne de l’art Carol Ockman.

Importantes sculptures néoclassiques

La sculpture néoclassique est apparue à la fin des années 1700 comme un style réactionnaire qui cherchait à éliminer certaines des caractéristiques de conception les plus frivoles de l’ère Rococo précédente. L’art des anciens Grecs et Romains a été considérablement influencé par les sculptures néoclassiques. Les progrès archéologiques ont permis de découvrir des œuvres d’art étonnantes de l’antiquité classique que les architectes actuels ont souhaité copier. Voici quelques exemples de sculptures néoclassiques.

Psyché ravivée par le baiser de Cupidon (1787) par Antonio Canova

Cette sculpture néoclassique s’inspire de la mythologie de Cupidon et Psyché. Vénus, la divinité de l’amour, était envieuse de la beauté de Psyché et a ordonné à son fils, Cupidon, d’utiliser ses flèches pour forcer la jeune fille à épouser le plus inintéressant des hommes.

Cependant, Cupidon est tombé follement amoureux d’elle, et lorsque Vénus a appris leur relation, elle a envoyé Psyché aux enfers pour récupérer une jarre contenant une « beauté divine ».

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Psyché a ouvert la jarre bien qu’on lui ait dit de ne pas le faire, seulement pour glisser dans le sommeil des morts, car le récipient abritait le « sommeil des ténèbres profondes ». Cupidon embrasse Psyché pour la ramener à la vie dans cette œuvre d’art.

Psyché ranimée par le baiser de Cupidon (1787) par Antonio Canova ; Kurtab123, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Le tissu qui dissimule partiellement Psyché et l’étreinte dissolvante de Cupidon imite les contours fluides de son corps allongé. Canova a utilisé une méthode de sculpture unique pour créer l’apparence de chair vivante, des ailes plumeuses, des draperies pliées de façon réaliste et une roche brute à la base.

Son étude de la forme humaine était approfondie, car il a utilisé des dimensions exactes et des moulages vivants en prévision de la sculpture sur le marbre, faisant preuve d’une approche rationnelle néoclassique. La statue comprend une poignée vers la base car elle était destinée à tourner sur sa base, comme de nombreuses œuvres de Canova, accentuant le mouvement et l’humeur de l’œuvre d’art.

Canova, connu à l’époque comme le « sculpteur de la beauté et de la jeunesse », évoque une image d’amour héroïque et pur triomphant de la mort.

Voltaire (1778) par Jean-Antoine Houdon

Ce buste représente François Voltaire, un éminent théoricien et philosophe français dont l’humour et la brillance intellectuelle ont caractérisé la période néoclassique. La pièce est incroyablement réaliste, le modelage saisissant les cheveux défraîchis du philosophe, les lignes de rictus autour de ses lèvres et son visage froncé alors qu’il approche de la fin de sa vie.

L’image est représentée tête nue, ou sans la perruque qui était courante dans l’aristocratie française, et elle a l’authenticité et la pureté des bustes romains antiques, ce qui permet de faire ressortir le caractère du sujet.

L’intelligence vive de Voltaire est capturée par Houdon, dont le regard semble amusé par ses propres pensées intérieures. Les réalisations de Houdon sont sa précision scientifique, car il utilisait des étriers pour mesurer les traits et les moulages vivants de ses sujets, et il a développé une méthode pour sculpter les yeux qui leur permettait d’accrocher la lumière.

Voltaire (1778) par Jean-Antoine Houdon ; Jean-Antoine Houdon, CC0, via Wikimedia Commons.

Selon l’historien de l’art John Goldsmith Phillips, « Il a d’abord retiré tout l’iris, puis a percé un trou plus grand pour la pupille, laissant un petit éclat de marbre pour surplomber l’iris. Le résultat est un niveau de vivacité et de mobilité expressive inégalé dans la longue histoire de la sculpture et de la peinture de portraits. »

Houdon est souvent considéré comme le meilleur portraitiste de l’ère néoclassique, ayant peint des personnages tels que Benjamin Franklin, George Washington, Thomas Jefferson et Napoléon Bonaparte. Il a su saisir leur âme aussi bien que leur ressemblance exacte.

« Les valeurs des Lumières que sont l’honnêteté envers la nature, la simplicité et l’élégance ont toutes trouvé une magnifique expression grâce à sa capacité à communiquer à la fois la personnalité d’un sujet et l’esprit vif de la chair vivante, leur réalité interne ainsi que leur vitalité extérieure », a déclaré l’historienne de l’art Johanna Hecht.

Ces représentations ont été reprises dans de nombreux manuels, reproductions en plâtre et timbres et pièces de monnaie nationaux, et sont devenues partie intégrante de la conscience populaire de ces personnalités. Le nickel des États-Unis présente la représentation de Thomas Jefferson par Houdon.

Ceci conclut notre regard sur l’art néoclassique. L’art néoclassique est né en opposition aux formes flamboyantes et criardes des périodes baroque et rococo, qui ont inculqué à la culture une esthétique narcissique centrée sur les artifices et les fantaisies individuelles. L’art néoclassique a créé une résurgence mondiale de la pensée classique, faisant écho à ce qui se passait dans les domaines sociaux et politiques de l’époque, et a finalement contribué à la Révolution française. La philosophie centrale de la période néoclassique était que l’art peut représenter les qualités idéales de la vie et peut améliorer le public en transmettant un message moralisateur.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’art néoclassique ?

Les peintres néoclassiques croyaient que l’art néoclassique avait le pouvoir de civiliser, réorganiser et transformer la société à une époque où celle-ci était transformée par de nouvelles stratégies administratives et les influences croissantes de la révolution industrielle, poussée par les progrès et les découvertes scientifiques. La popularité du Grand Tour, qui permettait aux spécialistes de l’art et à la noblesse en général d’accéder aux ruines nouvellement découvertes en Italie et d’être envoûtés par l’esthétique et la philosophie de l’art ancien, a grandement contribué à la naissance des sculptures et peintures néoclassiques.

Que représentait la période néoclassique?

Elle a pris la forme d’une concentration sur un design linéaire austère dans la représentation des idées et des sujets classiques, avec des environnements et des tenues archéologiquement précis dans la peinture. Dans les arts, le néoclassicisme est une approche esthétique basée sur l’art de l’Antiquité de la Grèce et de Rome, qui évoque la symétrie, la simplicité, la modération, l’unité et l’idéalisme. L’art du classicisme désigne l’art créé dans l’Antiquité ou l’art ultérieur influencé par l’histoire dans le cadre des traditions.