Maniérisme – Exploration du style artistique de cette période

Qu’est-ce que l’art maniériste ? L’art maniériste est un style d’art européen qui est apparu dans les dernières années de la Haute Renaissance en Italie, qui s’est répandue vers 1530 et a duré jusqu’à la conclusion du 16e siècle, lorsqu’elle a été principalement supplantée par le style baroque. Le style maniériste comprend un large éventail de méthodes influencées par et répondant aux principes d’harmonisation affiliés à des peintres tels que les premiers Michel-Ange, Raphaël, Vasari et Léonard de Vinci. Alors que l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur la symétrie, l’équilibre et la perfection idéalisée, la période du maniérisme exagère ces traits, culminant dans des compositions déséquilibrées ou artificiellement exquises.

L’art du maniérisme

Le style de peinture maniériste, qui se distingue par ses aspects synthétiques plutôt que réalistes, privilégiait les tensions structurelles et la volatilité par rapport à l’harmonie et à la pureté de l’art de la Renaissance précédente. Les historiens de l’art continuent de débattre de la définition de l’art maniériste et des étapes qui le composent.

La période du maniérisme se distingue en musique et en littérature par sa forme extrêmement floride et sa complexité cérébrale.

Putto che suona (1518) par Rosso Fiorentino ; Rosso Fiorentino, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Certains chercheurs, par exemple, ont attribué le titre à certains genres littéraires (en particulier la poésie) et musicaux du début de l’ère moderne, du XVIe et du XVIIe siècle. Le mot s’applique également à plusieurs artistes du gothique tardif qui ont travaillé en Europe du Nord entre 1500 et 1530 environ, notamment les maniéristes d’Anvers, qui était un mouvement sans lien avec la tradition italienne. Le style maniériste a également été attribué à la littérature latine par référence à l’âge d’argent.

Nomenclature

Le terme « maniérisme » provient à l’origine du mot italien maniera, qui signifie « esthétique » ou « manière ». Maniera, comme le terme anglais « style », peut faire référence à une certaine sorte de style, comme une belle allure ou un style agressif. Il peut aussi faire référence à un idéal qui ne nécessite pas de qualification, comme dire que quelqu’un « a du style ».

Maniera a été utilisé par Giorgio Vasari dans trois contextes : pour communiquer la méthode ou le processus de travail réel d’un créateur ; pour caractériser une esthétique individuelle ou de groupe, comme la phrase maniera greca pour faire allusion à l’esthétique italo-byzantine du Moyen Âge ou simplement à la maniera de Michel-Ange ; et pour confirmer une décision favorable de mérite esthétique.

Une copie de Léda et le cygne(XVIe siècle) par Michel-Ange; National Gallery, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons.

Vasari était également un peintre maniériste, et il qualifiait l’époque dans laquelle il produisait de « style moderne ». Selon James V. Morillo, les auteurs de « bella maniera » s’efforçaient de surpasser les sonnets de Pétrarque en matière de virtuosité. Ce concept de bella maniera implique que les créateurs qui étaient inspirés copiaient et amélioraient leurs prédécesseurs plutôt que d’approcher directement la nature. En résumé, bella maniera prenait le meilleur d’une variété de sources et le synthétisait en quelque chose d’entièrement unique.

Le « maniérisme » en tant que descripteur de style est difficile à définir. Il a été inventé au début du 20e siècle par l’érudit suisse Jacob Burckhardt et rendu populaire par les historiens de l’art allemands pour classer l’artisanat soi-disant inclassable du 16e siècle italien.

Il s’agissait de peintures qui ne présentaient plus les approches harmonieuses et sensées affiliées à la Haute Renaissance. Le terme « Haute Renaissance » faisait référence à une époque caractérisée par la symétrie, la grandeur et la restauration de l’antiquité.

Au XVIe siècle, le terme « maniérisme » était employé pour faire des remarques sur le comportement social, pour communiquer un caractère virtuose poli ou pour désigner une méthode spécifique. Cependant, des auteurs ultérieurs, dont Gian Pietro Bellori (17e siècle), ont utilisé la maniera comme un mot désobligeant pour la dégradation supposée de l’art après Raphaël, en particulier dans les années 1530 et 1540.

Portrait de Gian Pietro Bellori (17e siècle) par Carlo Maratta ; Carlo Maratta, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les historiens du travail utilisent souvent l’expression depuis la fin du XIXe siècle pour caractériser les œuvres d’art qui ont suivi le classicisme de la Renaissance et sont antérieures au baroque. Les historiens ne sont pas d’accord sur le fait que le maniérisme soit un genre, une école ou une période ; pourtant, le mot est toujours largement utilisé pour décrire la culture et l’art européens du XVIe siècle.

Origine et développement du style maniériste

À la fin de la Haute Renaissance, les créatifs vivaient une crise : il semblait que tout ce qui pouvait être accompli l’avait déjà été. Il n’y avait plus de problèmes techniques ou non techniques à résoudre.

La compréhension précise de l’anatomie, de la lumière, de la physionomie et de la façon dont les gens expriment leurs émotions dans leur attitude et leurs gestes, ainsi que l’utilisation inventive des figures physiques dans la composition figurative et la délicate gradation des tons, avaient toutes atteint une quasi-perfection.Les créatifs avaient besoin d’un nouvel objectif, et ils ont cherché de nouvelles techniques.

Le maniérisme a commencé à émerger à cette époque. Entre 1510 et 1520, le nouveau style a émergé soit à Rome, soit à Florence, ou peut-être dans les deux villes en même temps. Cette époque a été considérée comme un « résultat logique » du travail d’Andrea del Sarto, de Michel-Ange et de Raphaël.

La Transfiguration (1516 – 1520) de Raphaël ; Raphael, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Michelangelo a établi son style unique à un jeune âge, un style très distinctif qui a d’abord été loué, puis fréquemment copié et imité par d’autres peintres de l’époque. Sa terribilità, une sensation de grandeur impressionnante, était l’un des traits les plus loués par ses contemporains, et les futurs peintres s’efforçaient de la recréer.

D’autres artistes ont appris le style passionné et profondément personnel de Michel-Ange en dupliquant les œuvres du maître, ce qui était une approche courante pour que les étudiants apprennent à sculpter et à peindre. Son plafond de la Chapelle Sixtine, en particulier sa représentation de personnages réunis, leur a servi de modèle à imiter.

Michelangelo a fini par être connu comme l’un des plus grands modèles du maniérisme. De jeunes peintres se sont même introduits chez lui pour s’emparer de ses œuvres d’art.

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La Sibylle libyenne (c. 1511) par Michel-Ange ; Michelangelo, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Giorgio Vasari rappelle dans son livre que Michel-Ange a dit un jour : « Ceux qui sont des suiveurs ne doivent jamais passer à côté de celui qu’ils suivent. » Les mécènes ont favorisé un environnement compétitif en encourageant les artistes parrainés à montrer leurs compétences virtuoses et à concourir pour les commandes. Cela a poussé les artistes à trouver de nouvelles façons de s’exprimer, ce qui a donné lieu à des décors brillamment éclairés, des costumes et des compositions complexes, des proportions exagérées, des figures très stylisées et une absence de perspective distincte.

Dans la salle des Cinq-Cents de Florence, Piero Soderini a engagé Michel-Ange et De Vinci pour décorer un mur. Ces deux peintres devaient créer côte à côte et se mesurer l’un à l’autre, ce qui augmentait la motivation à être aussi créatif que possible.

La période du maniérisme et la diffusion de l’art maniériste

En Italie, les centres du maniérisme comprenaient les villes de Rome, Mantoue et Florence. La longue carrière de Titien en tant que peintre vénitien a illustré une voie différente pour l’art vénitien. Après le sac de Rome en 1527, beaucoup des premiers peintres maniéristes qui avaient été actifs à Rome dans les années 1520 ont fui la ville. Alors qu’ils se déplaçaient à travers le monde à la recherche de travail, leur style s’est étendu à toute l’Italie et à l’Europe du Nord.

En conséquence, le gothique est devenu le premier style esthétique universel depuis la Renaissance.

Les autres pays d’Europe du Nord n’ont pas eu d’interaction aussi étroite avec les peintres italiens, mais le style maniériste s’est fait sentir par le biais des estampes et des livres décorés.  Les rois européens, entre autres, ont acheté des œuvres d’art italiennes, tandis que les artisans d’Europe du Nord ont continué à visiter l’Italie, propageant ainsi le style maniériste. Des peintres italiens individuels opérant dans le nord ont donné naissance au mouvement du maniérisme du nord.

Façade ouest de la cathédrale Notre-Dame de Paris, France; Carlos Delgado, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

La peinture maniériste a persisté en dehors de l’Italie jusqu’au 17e siècle. Elle est reconnue comme le « style Henri II » en France, où Rosso a procédé à la création du palais de Fontainebleau et a eu un effet important sur l’architecture.

Le palais de Rudolf II à Prague, ainsi que Haarlem et Anvers, sont des centres continentaux clés du maniérisme du Nord.

Le maniérisme en tant que catégorie de style est utilisé moins fréquemment dans les arts visuels et ornementaux anglais, tandis que les désignations locales comme « jacobéen » et « élisabéthain » sont utilisées plus fréquemment. Un exemple est le maniérisme artisanal du XVIIe siècle, qui désigne une architecture qui dépend de livres de modèles plutôt que d’antécédents historiques en Europe continentale.

Fête de mariage à Cana (1560 – 1584) par Michael Damaskinos ; Attribué à Michael DamaskinosTzim78, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’impact flamand à Fontainebleau est particulièrement remarquable, combinant la sensualité de la manière française avec une forme précoce du style vanitas qui définira la peinture flamande et néerlandaise du 17e siècle. Le pittore vago, une caractérisation des artistes du Nord qui fréquentaient des ateliers en Italie et en France pour produire un style véritablement international, était populaire à l’époque.

Les premiers théoriciens de la période du maniérisme

Le point de vue de Giorgio Vasari sur la peinture se retrouve dans l’admiration qu’il porte à ses pairs dans ses livres en plusieurs volumes : il pensait que l’accomplissement d’une œuvre d’art nécessitait du raffinement, la richesse de l’invention exprimée par une technique virtuose, et l’éclat et la recherche qui émergeaient dans l’œuvre achevée, autant de qualifications qui mettaient en valeur l’intelligence du créateur et le bon sens du bienfaiteur.

Six poètes toscans (1569) par Giorgio Vasari ; Giorgio Vasari, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le créateur n’était plus seulement un membre de la guilde locale de St Luke. Il était maintenant assis à la cour avec des intellectuels, des philosophes et des idéalistes, dans un environnement qui cultivait le respect de la beauté et de la complexité.

Une autre figure littéraire de l’époque, Gian Paolo Lomazzo, a réalisé deux projets : l’un utilitaire et l’autre mystique qui ont contribué à caractériser l’attitude consciente du créateur du maniérisme vis-à-vis de son métier.

Son Trattato della pittura, scoltura, et architettura (1584), par exemple, sert de guide aux notions modernes de décorum, que la Renaissance a hérité de l’Antiquité mais que le maniérisme a élaboré. La formulation systématique de l’esthétique de Lomazzo, qui incarne les méthodes plus organisées et plus érudites caractéristiques de la fin du XVIe siècle, met l’accent sur une correspondance entre les fonctions intérieures et le type d’objets décoratifs et sculpturaux qui seraient appropriés.

Mannerisme Définition et caractéristiques de l’art

Le style maniérisme était un mouvement anti-classique qui divergeait considérablement des idées esthétiques de la Renaissance. Bien que le maniérisme ait d’abord été perçu positivement d’après les œuvres de Vasari, il a finalement été considéré négativement car il était simplement considéré comme « une déformation de la vérité naturelle et une répétition fastidieuse de formules naturelles. »

L’art maniériste, en tant que moment esthétique, comporte plusieurs caractéristiques qui sont distinctes et propres à l’exploration de la façon dont l’art est perçu. Voici une liste de nombreux traits distincts que les peintres du maniérisme ont utilisés dans leurs œuvres d’art.

• L’art maniériste inclut fréquemment l’allongement de la figure humanoïde. Cela a parfois conduit à l’imagerie étrange de certains maniéristes.
• La déformation de la perspective dans les peintures répondait aux idées de production d’un bel endroit. Cependant, le concept de perfection était parfois utilisé pour faire référence au développement d’images uniques. La méthode de raccourcissement des traits était une distorsion à sens unique a été étudiée. Lorsqu’une distorsion considérable a été utilisée, l’image est devenue pratiquement difficile à comprendre par moments.
• Les artistes du maniérisme ont fréquemment utilisé des fonds noirs plats pour créer des situations dramatiques en présentant un contraste complet des formes.L’utilisation de fonds noirs a également contribué à créer un sentiment d’imagination au sein du sujet.
• De nombreux artistes du maniérisme se sont attachés à recréer l’esprit du ciel nocturne. Cela s’est fait par le biais d’un éclairage ciblé, qui a fréquemment produit des scénarios fantastiques. Notamment, une attention particulière était accordée à la torche et au clair de lune afin de créer des situations dramatiques.

Laocoön et ses fils, également connu sous le nom de Groupe de Laocoön (c. 1er siècle), attribué à Hagesandros, Athenedoros et Polydoros ; Musées du Vatican, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

• La sculpture, qui a acquis une certaine importance au XVIe siècle, a eu un impact important sur le maniérisme. Par conséquent, les peintres du maniérisme ont fréquemment basé leurs représentations de figures humaines sur des sculptures et des gravures. Cela a permis aux peintres du maniérisme de se concentrer sur la création de la profondeur.
• Le maniérisme était remarquable pour son accent sur les contours nets des figures. Ce qui le distinguait des périodes de la Renaissance et du Baroque. Les contours des figures permettaient fréquemment d’apporter plus de soin et d’attention.
• Les peintres du maniérisme ont fait fi des idéaux de la Renaissance, notamment de la méthode de la vue d’un seul point. On s’est plutôt concentré sur les effets d’ambiance et la distorsion de la perspective. L’utilisation de l’espace par le maniérisme, quant à elle, favorisait les compositions bondées avec différentes formes et figures ou les compositions dépouillées en mettant l’accent sur les fonds noirs.

Les peintres du maniérisme représentaient fréquemment une forme distincte de mouvement liée à des poses serpentines. Cela s’explique par leur importance dans le thème du mouvement humain. En raison de leurs figures de mouvement souvent instables, ces positions préfigurent fréquemment les mouvements des positions futures. En outre, cette approche contribue à l’exploration des formes par l’artiste.

Importants artistes maniéristes

Dans leurs peintures, plusieurs maniéristes ont utilisé la technique du sfumato, qui se définit comme « la représentation de contours ou de surfaces douces et floues », pour représenter la lumière qui coule. Un trait distinctif du maniérisme était que, en plus d’expérimenter la forme, la structure et l’éclairage, une grande partie de la même recherche était accordée à la couleur.

Saisons (1573) par Giuseppe Arcimboldo ; Giuseppe Arcimboldo, Domaine public, via Wikimedia Commons.

De nombreuses œuvres d’art ont expérimenté des couleurs nettes et vives de verts, bleus, roses et jaunes, qui, à certaines occasions, détournent l’attention et à d’autres complètent le design général des œuvres d’art. De plus, en rendant le teint de la peau, les peintres s’attachaient souvent à créer des teints excessivement crémeux et clairs, ainsi qu’à utiliser des sous-tons bleus.

Jacopo da Pontormo (1494 – 1557)

L’œuvre d’art de Jacopo da Pontormo est considérée comme l’une des contributions les plus importantes au maniérisme. Pour ses sujets, il s’inspire généralement de thèmes religieux ; très influencé par les œuvres de Michel-Ange, il fait régulièrement allusion à des formes sculpturales ou les utilise comme modèles pour ses compositions.

La représentation des regards de divers personnages, qui jaillissent fréquemment vers le spectateur dans de nombreuses directions, est une caractéristique bien connue de son œuvre.

Visitation de Carmignano (1528) par Jacopo da Pontormo ; Pontormo, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Pontormo, qui était dévoué à son art, s’inquiétait fréquemment de son excellence et il était prouvé qu’il travaillait soigneusement et lentement. Son œuvre est très appréciée car il a influencé des artistes tels qu’Agnolo Bronzino et les objectifs esthétiques du maniérisme tardif.

Agnolo Bronzino (1503 – 1572)

Agnolo Bronzino était un disciple de Pontormo, dont la manière était très significative et parfois perplexe pour déterminer la provenance de plusieurs œuvres d’art. Pendant toute la durée de son mandat, Bronzino a également travaillé en tant que concepteur de production pour le spectacle de Vasari « Comédie des magiciens », pour lequel il a peint plusieurs portraits.

L’art de Bronzino était très demandé, et il a connu un succès considérable lorsqu’il a été engagé comme artiste royal pour la famille Médicis en 1539.

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Vénus, Cupidon, la folie et le temps (Allégorie du triomphe de Vénus) (1540 – 1545) par Agnolo Bronzino ; Bronzino, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La représentation des teints laiteux était une caractéristique distincte du maniérisme dans l’art de Bronzino. Dans Vénus, Cupidon, la Folie et le Temps, Bronzino dépeint une rencontre sensuelle qui laisse l’observateur avec plus de questions sans réponse. Cupidon et Vénus sont virtuellement engagés dans un baiser au premier plan, puis s’arrêtent comme s’ils étaient pris en flagrant délit. Au-dessus du duo se trouvent des personnages légendaires, le Père Temps sur le côté, qui tire un rideau pour dévoiler le couple, et la déesse des ténèbres sur la gauche.

Une collection de costumes, un monstre hybride avec les traits d’une femme et d’un serpent, et un homme montré à l’agonie sont également inclus dans la pièce. De nombreuses idées existent concernant l’image, comme par exemple qu’elle dépeint les dangers de la syphilis ou qu’elle a servi de jeu de tribunal.

Le maniérisme est un style artistique européen qui est apparu dans les dernières années de la Haute Renaissance en Italie vers 1530 et qui a prospéré jusqu’à la fin du 16e siècle, lorsqu’il a été en grande partie supplanté par le style baroque. Le maniérisme est un large éventail d’approches influencées par et réagissant aux idées d’harmonisation associées à des artistes tels que les premiers Michel-Ange, Raphaël, Vasari et Léonard de Vinci. Alors que l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur la symétrie, la symétrie et la perfection idéalisée, le maniérisme exagère ces caractéristiques, ce qui donne des compositions déséquilibrées ou trop exquises.

Fréquence des questions posées

Qu’est-ce que le style artistique du maniérisme?

Les caractéristiques synthétiques plutôt que réalistes du style de peinture du maniérisme soulignent les tensions structurelles et la volatilité au-dessus de la paix et de la pureté de l’art de la Renaissance précédente. En musique et en littérature, la période du maniérisme est définie par sa forme excessivement floride et sa complexité mentale. Les historiens de l’art continuent de débattre de la définition de l’art du maniérisme et des étapes qui le composent.

Qu’est-ce que la définition de l’art du maniérisme?

Le terme est également attribué à un groupe de peintres du gothique tardif qui ont travaillé en Europe du Nord entre 1500 et 1530. Il s’agissait plus particulièrement des maniéristes d’Anvers, un mouvement sans rapport avec le style italien. En faisant référence à l’âge d’argent, le style maniérisme a également été appliqué à la littérature latine.  Le maniérisme est un large éventail d’approches influencées par des idées d’harmonisation et réagissant à celles-ci.