Baroque – Les styles et les concepts de l’art baroque

Le mouvement baroque a commencé en Europe au début des années 1600 et a été populaire dans certains pays pendant près d’un siècle. Ce mouvement a touché presque tous les domaines de la vie, notamment la littérature, la musique, l’architecture et l’art. Cet article emmènera le lecteur dans un voyage qui lui permettra de bien comprendre ce qu’est l’art baroque ainsi que les artistes qui l’ont rendu si influent.

Une brève histoire de l’art baroque

Chaque mouvement artistique est façonné par les circonstances de son époque. Des événements spécifiques liés à la politique, à la religion, aux conflits et à l’innovation peuvent affecter la façon dont les artistes choisissent de s’exprimer. Chaque époque a apporté quelque chose d’unique au monde de l’art. Par conséquent, pour bien comprendre l’art baroque, il est préférable d’en apprendre d’abord un peu plus sur son histoire.

Les origines du terme « baroque »

Il existe de nombreuses théories sur la façon dont le mouvement baroque a obtenu son nom. L’étymologie du mot « baroque » est française. Cependant, beaucoup pensent qu’il a été adapté du mot baroco, qui vient du latin. Le terme était utilisé dans l’étude de la logique formelle pour décrire quelque chose d’inutilement alambiqué ou obscur.

Dans les années 1500, le mot « baroque » était également utilisé par les bijoutiers pour décrire les perles, qui étaient mal formées. Cette façon de décrire les perles imparfaites était courante dans toute l’Europe.

La Visite à la grand-mère (Visit to Grandmother (c. 1645 – 1648) par Louis Le Nain, située au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, Russie; Louis Le Nain, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Chaque pays l’a simplement adapté pour qu’il s’intègre plus facilement dans sa langue spécifique. Par exemple, le terme barroco a été utilisé au Portugal. Une autre croyance veut que le terme « baroque » ait été adapté du nom de famille de Frederico Barocci. Barocci était un peintre maniériste italien connu pour ses œuvres colorées et chaotiques. La flamboyance de sa célèbre Madone du peuple(1579) présente des parallèles évidents avec les œuvres d’art baroques ultérieures. Il ne serait donc pas surprenant que l’inspiration ait été puisée chez lui.

Quoi qu’il en soit, le terme « baroque » est devenu un terme fréquemment utilisé dans les années 1600.

Le mot « baroque » en est venu à représenter tout ce qui est fantaisiste et ostentatoire, de la mode à la musique en passant par l’architecture, etc. Les peintures créées pendant la période baroque, qui étaient incroyablement audacieuses et majestueuses, sont encore très appréciées aujourd’hui.

L’évolution de l’art baroque

À quelle époque se situe l’époque baroque ? La période baroque s’est déroulée au début des années 1600, juste après la Renaissance tardive. L’art de la première et de la haute Renaissance célébrait la beauté de la simplicité. Les artistes de cette période se sont concentrés sur la création de représentations réalistes de la forme humaine dans des poses candides et naturelles. À la Renaissance tardive, les artistes avaient évolué en faveur du maniérisme, un style caractérisé par des figures déformées et des poses complexes.

Les peintures baroques portent certaines caractéristiques inspirées du maniérisme, la plus évidente étant leur complexité ; cependant, des différences essentielles sont présentes.

Les premiers exemples d’art baroque remontent à la ville de Rome, en Italie. Il y a plusieurs raisons à cela, qui sont presque toutes liées à la présence de l’Église catholique dans cette région. À cette époque, le christianisme connaît des conflits importants. Plusieurs scandales concernant des comportements contraires à l’éthique au sein du Vatican ont été révélés, ce qui a poussé un grand nombre de chrétiens à se détourner de l’Église catholique. De nombreux catholiques, en particulier en Europe du Nord, sont devenus protestants et ont rejoint l’Église luthérienne. Cela a donné lieu à ce que l’on appelle le réveil catholique.

Judith décapitant Holopherne (1611 – 1612) par Artemisia Gentileschi, situé au Musée national de Capodimonte à Naples, Italie; Artemisia Gentileschi, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Au cours du Renouveau catholique, le pape Sixte Quint s’est efforcé de consolider la présence de l’Église catholique en Europe. Il y est parvenu notamment en montrant la gloire de l’Église catholique à travers l’art et l’architecture. C’est pourquoi, pendant son mandat de pape, de nombreux bâtiments de style baroque ont été érigés et les églises ont été décorées de peintures et de fresques réalisées par des artistes influents de l’époque.

La ville de Bologne a également connu une énorme résurgence des fonds papaux versés aux arts. C’est en grande partie grâce à l’archevêque Gabriele Paleotti, qui était le plus haut pouvoir clérical de la région.

Paleotti était un défenseur non seulement des arts, mais aussi de l’égalité. Il a veillé à ce que le niveau d’éducation des jeunes filles soit amélioré. Probablement grâce à ses réformes, Bologne a produit de nombreuses femmes artistes talentueuses pendant la période baroque. Il s’agit notamment d’Elisabetta Sirani, qui fondera la première école d’art pour femmes en Europe.

Apollo et Daphné (1622 – 1625) par Gian Lorenzo Bernini, situé dans la Galleria Borghese à Rome, Italie; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

À cette époque, de nombreux jeunes artistes en herbe partent en pèlerinage en Italie pour étudier les œuvres des maîtres de la Renaissance. À leur arrivée, ils ont été accueillis par des peintures, des sculptures et des architectures de style baroque.

Plusieurs d’entre eux se sont inspirés de ce nouveau mouvement artistique dans leur pays d’origine, et c’est ainsi que le style baroque s’est rapidement répandu dans toute l’Europe.

La majorité des pays dans lesquels l’Église catholique était encore dominante ont commencé à produire un art similaire à celui que l’on trouve en Italie. Cependant, de nombreux pays, en particulier ceux des Basses Terres, étaient nouvellement protestants. Par conséquent, bien qu’ils aient commencé à incorporer des éléments de l’art baroque, ils ne mettaient pas autant l’accent sur l’imagerie religieuse, car l’église protestante avait interdit l’idolâtrie. Ainsi, leurs plus grands mécènes étaient de riches marchands et aristocrates qui commandaient principalement des portraits et des peintures de genre.

Du baroque au rococo

La période du baroque tardif est souvent appelée période rococo. Bien qu’elle ait conservé le style orné du style baroque, elle était différente à plusieurs égards. Tout d’abord, le rococo a vu le jour en France, et non en Italie. Il a été stimulé par la mort de Louis XVI en 1715, qui a donné lieu à une période plus légère de l’histoire de France. Son arrière-petit-fils, connu sous le nom de Louis le Bien-Aimé, a succédé au despotique Roi-Soleil.

Au début du règne de Louis le Bien-Aimé, de nombreuses réformes ont été introduites, qui ont limité le pouvoir de la monarchie.

Les Trois Grâces (1630 – 1635) par Peter Paul Rubens, situé au Museo del Prado à Madrid, Espagne; Peter Paul Rubens, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Cela a rendu le peuple français très optimiste sur le fait qu’à l’avenir, il aurait enfin son mot à dire dans la gestion de son pays. Cet optimisme s’est ensuite reflété à travers le style rococo dominant dans la mode, l’architecture et l’art.

Le rococo était beaucoup plus féminin que le baroque, avec une tendance à des palettes de couleurs plus pastel.

Il y a également eu un retour de l’imagerie religieuse vers la mythologie grecque et romaine, bien qu’avec une nature plus fantaisiste que pendant la Renaissance. La peinture de genre est également devenue populaire, comme en témoigne La Balançoire(vers 1767) de Jean-Honoré Fragonard, un tableau mondialement connu, qui incarne l’art rococo.

Caractéristiques artistiques de l’art baroque

Il existe plusieurs caractéristiques spécifiques à l’art baroque, qui permettent de distinguer facilement la Renaissance tardive ainsi que la période rococo. Les caractéristiques utilisées le plus fréquemment par les artistes de la période baroque seront abordées dans la section ci-dessous.

Thèmes

L’une des façons les plus faciles de repérer une peinture baroque est le thème du tableau. Des thèmes très distincts, ainsi que des règles pour les exécuter, étaient évidents pendant cette période. Le thème choisi par l’artiste peut également t’aider à déterminer de quelle partie de l’Europe provient le tableau, car divers pays privilégiaient des thèmes différents pendant la période baroque.

Religion

Comme nous l’avons vu plus haut, la période baroque coïncide avec le renouveau catholique. Comme la papauté était un généreux mécène, ses agendas étaient très clairs pendant le mouvement baroque. La plupart des œuvres d’art créées dans les pays catholiques à cette époque ont été commandées spécifiquement pour décorer les églises et les cathédrales, le dogme catholique est donc évident.

L’une des caractéristiques les plus marquantes des œuvres d’art commandées par l’église catholique à cette époque est l’accent mis sur les saints.

Cela s’explique en grande partie par le fait que les églises protestantes étaient très opposées à la prière aux saints, car elles estimaient qu’il ne fallait prier que Dieu. Ainsi, l’église catholique voulait dépeindre les saints sous un bon jour pour justifier leur présence au sein du catholicisme. L’un des exemples les plus célèbres est Saint François d’Assise en extase(1595) du Caravage.

Pietà (1585) d’Annibale Carracci, située au musée national de Capodimonte à Naples, en Italie; Annibale Carracci, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Une autre caractéristique qui distingue l’art religieux de l’ère baroque est la condamnation des nus au sein des représentations bibliques. À l’époque de la Renaissance, de nombreux artistes ont créé des allégories bibliques dans leurs œuvres d’art, qui contenaient des personnages nus.

Par contre, pendant la période baroque, l’église catholique a interdit toutes les peintures religieuses qu’elle estimait être chargées d’érotisme.

C’était principalement parce qu’ils pensaient que l’art devait être utilisé pour enseigner aux analphabètes, plutôt que d’être simplement pour le plaisir. Frederico Barocci a été l’un des premiers artistes de cette époque à commencer à recouvrir ses personnages de tissus drapés.

Peinture de genre et natures mortes

Dans les Pays-Bas, le protestantisme est beaucoup plus présent que le catholicisme à cette époque. Dans le dogme protestant, l’imagerie dans les églises était interdite car elle était considérée comme un culte des idoles. Par conséquent, les artistes de ces pays ont utilisé les caractéristiques de l’art baroque, mais avec des thèmes différents.

Au cours de cette période, la peinture de scènes quotidiennes, également connue sous le nom de peinture de genre, est devenue très populaire dans les Pays-Bas.

Las Meninas (Les demoiselles d’honneur) (1656 – 1657) par Diego Velázquez, situé au Museo del Prado à Madrid, Espagne; Diego Velázquez, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Ils ont employé les techniques des vieux maîtres italiens pour élever la peinture de genre ainsi que les natures mortes. Auparavant, ces sujets ordinaires étaient considérés comme trop banals pour être peints. Seuls les portraits, la mythologie classique, les allégories religieuses et les peintures historiques étaient considérés comme des sujets dignes d’intérêt.

Bien que des artistes tels que Pieter Bruegel aient commencé à explorer ces thèmes plus tôt, ils n’ont vraiment été validés que pendant la période baroque.

Couleur et composition

Les artistes de la période baroque souhaitaient insuffler des sentiments de grandeur et d’extravagance dans les tableaux qu’ils créaient. Pour ce faire, ils ont utilisé certaines combinaisons de couleurs et certaines techniques de composition, qui ont permis d’obtenir un effet dramatique maximal dans les œuvres.

Couleur

L’une des caractéristiques les plus distinctives des peintures baroques est qu’elles étaient souvent peintes sur des surfaces sombres. Comme beaucoup d’entre elles apparaissaient comme décorations dans les églises, elles étaient souvent peintes directement sur du bois sombre. Cependant, même celles qui n’ont pas été créées pour les églises étaient généralement exécutées sur des toiles noires.

Par conséquent, les couleurs étaient plus atténuées que celles peintes sur des fonds blancs. Ces couleurs atténuées donnaient aux peintures une ambiance de mystère et d’émotion.

La Madeleine pénitente (c. 1640) par Georges de La Tour, situé au Metropolitan Museum of Art à New York, États-Unis; Georges de La Tour, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Peindre sur une toile sombre créait également des niveaux élevés de contraste entre les hautes lumières et les ombres. Pendant la Renaissance, la technique du clair-obscur a été perfectionnée par des artistes acclamés tels que Léonard de Vinci. Cette utilisation de la lumière et de l’ombre a permis d’obtenir des représentations plus réalistes et tridimensionnelles.

Les artistes de l’époque baroque tels que le Caravage ont utilisé des toiles sombres pour intensifier le contraste entre les ombres sombres et mates et les hautes lumières blanches et brillantes.

Composition

Comme nous l’avons mentionné plus haut, les peintures de style baroque possédaient une théâtralité unique. L’une des façons dont les artistes attiraient l’œil était l’utilisation de diagonales subtiles. Cela crée un sentiment de mouvement et de complexité qui est plus intéressant pour l’œil que les lignes droites.

Pour cette raison, de nombreuses peintures de la période baroque sont soit composées sur des diagonales, soit avec des personnages formant des formes triangulaires.

La mort de la Vierge (1606) du Caravage, située au musée du Louvre à Paris, France; Caravaggio, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Un autre trait commun aux différentes formes d’art baroque est le goût pour la symétrie. Cela se voit surtout dans la musique, l’architecture et l’art de l’époque. Les détails complexes étaient rendus moins chaotiques par la répétition et l’équilibre.

Ce penchant pour la symétrie était probablement le résultat de la relation entre l’art et la science forgée pendant la Renaissance.

Techniques

Les artistes ont utilisé plusieurs techniques au cours de la période baroque, ce qui a entraîné leur aspect distinctif. Tout d’abord, les figures déformées du Mannerisme avaient été abandonnées et on est revenu au réalisme de la période de la Renaissance. En employant des techniques telles que les proportions et la perspective, les artistes baroques ont pu créer des figures qui semblaient fidèles à la réalité.

Comme la plupart des artistes baroques peignaient sur des surfaces sombres, beaucoup utilisaient une technique appelée scumbling.

L’émiettement consiste à appliquer une fine couche de peinture claire sur un fond sombre. Cela crée un dégradé mélangé, particulièrement utile pour créer des ombres. L’émiettage donne également de la profondeur à une peinture car la peinture des hautes lumières est plus épaisse, ce qui donne un effet tridimensionnel.

L’appel de saint Matthieu (1599 – 1600) du Caravage, situé dans l’église San Luigi dei Francesi à Rome, Italie ; Caravaggio, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Enfin, une autre technique fréquente à l’époque baroque est la quadratura. Quadratura signifie couper quelque chose en quatre en italien, cependant, le terme est devenu celui qui est utilisé pour décrire les peintures de plafond qui imitent l’architecture. Les artistes qui utilisaient cette technique avaient recours à des illusions d’optique telles que le raccourcissement pour que les plafonds paraissent beaucoup plus hauts. Généralement, ils étaient peints de telle sorte qu’ils semblaient être une continuation des moulures intérieures.

Cependant, à l’occasion, les artistes peignaient des scènes du ciel de sorte que les plafonds semblaient être en verre.

Artistes célèbres de la période baroque

De nombreux artistes célèbres étaient à leur apogée pendant la période baroque. Dans cette section, trois artistes influents de la période baroque, ainsi que leurs œuvres les plus connues, seront explorés en détail. Chacun de ces artistes a apporté une contribution inestimable à l’art baroque et a aidé à façonner l’histoire de l’art dans son ensemble.

Frederico Barocci (c. 1535 – 1612)

Frederico Barocci est né à Urbino, en Italie, vers 1535. Il est issu d’un milieu artistique dans lequel de nombreux membres de sa famille étaient soit des artistes, soit des artisans. Pendant sa jeunesse à Urbino, il a pour mentor Battista Franco, un célèbre peintre de Venise. À la recherche d’un emploi, il a déménagé à Rome où il a travaillé comme peintre dans la Cité du Vatican.

Sa carrière s’annonçait très prometteuse jusqu’à ce que sa nourriture soit empoisonnée par des artistes du réveil. Bien qu’il ait survécu, cela l’a affaibli au point qu’il ne pouvait plus peindre qu’une heure ou deux par jour.

Barocci est retourné dans le confort de sa ville natale. Il a continué à travailler en tant qu’artiste, produisant des œuvres de qualité, bien que lentement. Son talent semble compenser son incapacité à produire des œuvres d’art rapidement, car Barocci reçoit des commandes de nombreuses personnalités notables de l’époque. Parmi ses mécènes figurent le pape Clément VII, l’empereur Rodolphe II de la maison des Habsbourg, le roi Philippe II d’Espagne et la tristement célèbre famille des Médicis.

Autoportrait (c. 1600) par Federico Barocci, situé dans la Residenzgalerie à Salzbourg, Autriche; Federico Barocci, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Beaucoup peuvent prétendre que la carrière de Barocci a atteint son apogée avant le début de l’ère baroque. Cependant, il est l’un des premiers artistes à faire usage de caractéristiques nettement baroques, ce qui implique qu’il a été un pionnier du mouvement. Bien que les figures allongées du maniérisme aient été plus populaires à cette époque, l’œuvre de Barocci présentait l’hyperréalisme.

Son insistance sur les contrastes entre la lumière et les ombres est également un trait de l’art baroque.

Barocci, fervent catholique, a été l’un des premiers artistes à embrasser pleinement le renouveau catholique dans ses œuvres. Cela apparaît de façon flagrante dans deux de ses tableaux les plus célèbres, La Déposition(vers 1567 – 1569) et La Cène(vers 1590 – 1599). Ces deux œuvres d’art ont été créées spécifiquement comme pièces d’autel et peuvent encore être trouvées dans les cathédrales de Pérouse et d’Urbino respectivement.

La Déposition (v. 1567 – 1569)

Bien que La Déposition contienne certaines qualités maniéristes (comme sa palette de couleurs vibrantes), il s’agit d’art baroque pour plusieurs raisons. Premièrement, Barocci a peint la scène de près, de sorte que l’émotion dans les yeux du personnage est évidente. Deuxièmement, les personnages sont peints à la manière réaliste, qui est redevenue populaire à l’époque baroque.

Enfin, la caractéristique qui rend La Déposition indubitablement baroque est le tissu drapé sur Jésus afin de couvrir sa nudité.

La Déposition (c. 1567 – 1569), située dans la cathédrale de Pérouse à Pérouse, Italie; Federico Barocci, Public domain, via Wikimedia Commons.

La Cène (vers 1590 – 1599)

La Cène est une autre des peintures de Barocci qui est reconnaissable au baroque. Au centre du tableau se trouve Jésus qui tient le pain dans une main et le vin dans l’autre. Cela symbolise l’eucharistie, une partie importante du dogme catholique.

C’est aussi quelque chose qui a profondément divisé les catholiques et les protestants.

Études pour un serviteur dans « La Cène » (vers 1590/1599) de Federico Barocci, situé à la National Gallery of Art de Washington D.C., États-Unis; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons.

Parce que les protestants se sont séparés de l’église catholique, on pense que leurs prêtres ne sont pas des descendants des apôtres. Ils ne peuvent donc pas transformer l’eucharistie en corps du Christ ou le vin en sang du Christ. Cette peinture était un rappel du caractère sacré des rituels catholiques.

Le Caravage (1571 – 1610)

Michelangelo Merisi da Caravaggio est né à Milan en 1571. Il est l’un des artistes de la période baroque les plus connus de l’histoire. Tout au long de sa carrière, il est connu simplement sous le nom de Caravage, un nom qu’il a reçu car c’était la ville de son domicile familial. Caravage a été formé au réalisme, qui était encore plus populaire dans le nord de l’Italie que le maniérisme moderne du sud.

Lorsqu’il s’est installé à Rome, beaucoup ont été étonnés par son talent à produire des peintures photoréalistes.

Les premières années du Caravage à Rome n’ont pas été très lucratives. Cependant, ses œuvres d’art ont fini par être remarquées par le cardinal Francesco Maria del Monte, qui l’a invité à vivre et à travailler au prestigieux Palazzo Madama. C’est à cette époque qu’il crée certaines de ses peintures les plus influentes, qui sont commandées par l’église catholique ainsi que pour la collection de Del Monte.

Portrait à la craie du Caravage par Ottavio Leoni (c. 1621), situé dans la bibliothèque Marucelliana à Florence, Italie; Ottavio Leoni, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le Caravage était connu pour son petit caractère et sa propension à la violence. Cela s’est traduit par un incident au cours duquel il a fini par tuer un homme en le poignardant avec son épée. En conséquence, il est devenu un fugitif, ce qui l’a conduit dans toute l’Italie. Il a même fait un court séjour dans une prison maltaise avant de s’échapper et de retourner en Italie. À son retour, il est gravement mutilé lors d’un énième combat.

Tentant une fois de plus d’échapper à ses ennuis, il s’est embarqué sur un navire en direction de la Toscane en 1610. C’est là qu’il a attrapé une fièvre qui a entraîné sa mort à l’âge précoce de 38 ans.

Au cours de ses voyages tumultueux, Le Caravage a tout de même pu réaliser plusieurs commandes. Ses peintures les plus célèbres ont cependant été créées alors qu’il vivait au Palazzo Madama. Il s’agit notamment de Bacchus (1595) et de Judith et Holopherne (1599).

Bacchus (1595)

Bacchus a été commandé par le cardinal Del Monte et représente Bacchus, le dieu romain du vin. Généralement, Bacchus est représenté comme un ivrogne ; cependant, Caravage l’a peint comme un jeune homme innocent dont les joues ne sont que légèrement rougies par le vin qu’il boit. Cela reflète la préférence pour les peintures avec décorum à l’époque baroque.

Bacchus alors, le célèbre réalisme du Caravage et le fort contraste entre l’ombre et la lumière sont mis en valeur.

Bacchus (1595) du Caravage, situé dans la Galerie des Offices à Florence, Italie; Caravaggio, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le modèle de Bacchus aurait été Mario Minniti, que Caravage utilisait fréquemment dans ses œuvres. Ses traits féminins et doux donnent l’impression d’une beauté juvénile, qui était un thème important dans les peintures du Caravage. Devant Bacchus se trouve une coupe de fruits en décomposition, qui rappelle une vanitas peinture.

Il fait allusion à la morale prônée par l’époque baroque, qui met en garde contre la vanité car la beauté n’est qu’éphémère.

Judith et Holopherne (1599)

L’histoire de Judith et Holopherne est fréquemment représentée dans l’histoire de l’art. Elle était souvent utilisée par la république toscane pour symboliser sa lutte contre la famille oppressive des Médicis, ce qui en faisait une histoire particulièrement répandue en Italie.

Toutefois, avant la période baroque, de nombreux artistes ont peint Judith nue pour faire allusion à sa séduction d’Holopherne.

Judith décapitant Holopherne (1599) par Le Caravage, situé dans la Galleria Nazionale d’Arte Antica à Rome, Italie ; Caravaggio, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Dans l’interprétation du Caravage, nous voyons la présence évidente du renouveau catholique à travers sa représentation innocente et modeste de Judith. À cette époque, Judith est également devenue un symbole de l’église catholique car Le Livre de Judith a été rejeté par l’église protestante qui le considérait comme apocryphe.

Rembrandt van Rijn (1606 – 1669)

Communément appelé simplement Rembrandt, Rembrandt Harmenszoon van Rijn est né à Leyde aux Pays-Bas. Contrairement à la plupart des artistes de l’époque, Rembrandt n’avait aucune envie de s’aventurer en Italie pour poursuivre sa carrière artistique. La vie d’artiste aux Pays-Bas n’était pas aussi facile qu’auparavant. Sans le patronage de l’église, les artistes devaient chercher des sponsors privés, ce qui pouvait être difficile.

Toutefois, Rembrandt s’est rapidement fait un nom dans les domaines de la peinture historique et du portrait.

Bien qu’il ait créé de façon prolifique, Rembrandt et sa famille ont souvent été en proie à des difficultés financières dues à des habitudes de dépenses extravagantes. Il s’est également bien habitué à la perte après que lui et sa femme aient enterré leurs trois premiers enfants alors qu’ils étaient encore en bas âge. Peu après la naissance de leur seul enfant survivant, sa femme est décédée à son tour. Cependant, Rembrandt a su exploiter cette douleur et l’utiliser pour insuffler une émotion unique dans ses peintures.

Autoportrait (1659) de Rembrandt, situé dans la National Gallery of Art à Washington D.C., États-Unis; Rembrandt, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Bien que ses œuvres soient distinctement baroques hollandaises, Rembrandt a été fortement influencé par le travail du Caravage. Bien qu’il n’ait pas utilisé des thèmes similaires, il a employé l’utilisation distinctive de l’artiste italien de l’ombre et de la lumière contrastée.

Rembrandt a ensuite adapté les techniques du Caravage, ce qui lui a permis de donner vie à ses tableaux comme aucun autre artiste de l’époque.

Comme cela était typique du style baroque néerlandais, Rembrandt a peint de nombreux portraits. Au cours de ses dernières années sur terre, il affectionnait particulièrement les autoportraits. L’un de ses autoportraits les plus célèbres est Le fils prodigue dans un bordel (1635). Un autre de ses tableaux les plus connus est La Veille de nuit(1642), qui est encore très apprécié aujourd’hui.

Le fils prodigue dans un bordel (1635)

Dans Le fils prodigue dans un bordel, Rembrandt s’est servi de lui-même et de sa femme Saskia comme modèles. Ce choix peut sembler étrange, cependant, si tu es familier avec l’histoire du fils prodigue et que tu connais l’histoire de Rembrandt, il est tout à fait approprié. L’histoire du fils prodigue vient de la bible et c’est un conte souvent exploré dans l’art.

Elle raconte l’histoire édifiante d’un homme qui a gaspillé son héritage et a dû honteusement retourner chez son père.

Le fils prodigue dans un bordel (1635) par Rembrandt, situé dans la Gemäldegalerie Alte Meister à Dresde, Allemagne; Rembrandt, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Dans sa propre vie, Rembrandt était connu pour ses habitudes de dépenses extravagantes. Ainsi, nombreux sont ceux qui pensent que le tableau avait pour but de donner une leçon de morale. Cependant, étant donné la nature joviale de la peinture ainsi que l’hypocrisie que cela représenterait, beaucoup pensent qu’il s’agit simplement d’un trait d’humour.

Quoi qu’il en soit, Rembrandt transmet parfaitement à ce tableau la grandeur et l’esprit émotif de l’ère baroque.

La veille de nuit (1642)

La Garde de nuitest également connue sous le nom de Compagnie de milice du district II sous le commandement du capitaine Frans Banninck Cocq. C’est l’une des peintures les plus célèbres que Rembrandt ait jamais créées. Cela est dû en grande partie au fait qu’elle était unique en son temps. Rembrandt a insufflé à une peinture militaire officielle le mouvement et la flamboyance de la période baroque en peignant les personnages en train de s’équiper pour la bataille plutôt que de poser de façon rigide pour un portrait. Son portrait dramatique a été très controversé lors de sa révélation.

Son utilisation dramatique du contraste entre l’ombre et la lumière est très efficace et s’inspire de façon flagrante du Caravage.

La Ronde de nuit (1642) de Rembrandt, située au Rijksmuseum d’Amsterdam, aux Pays-Bas; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le style baroque a occupé une place prépondérante dans diverses formes d’art du 17e siècle. Il était populaire dans toute l’Europe, cependant, chaque pays l’a interprété à sa manière. Cet article n’a donné qu’un bref aperçu de la magnificence de l’art baroque. Par conséquent, si tu as apprécié sa lecture, nous t’encourageons à l’explorer davantage.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’art baroque?

L’art baroque est un style d’art qui se caractérise par son caractère dramatique et émotif. En raison du renouveau catholique, qui avait lieu à cette période de l’histoire, l’art baroque est souvent basé sur des thèmes chrétiens. Cependant, dans certaines parties de l’Europe, la peinture de genre et les natures mortes étaient plus populaires. Toutes deux faisaient appel à de riches combinaisons de couleurs et à des compositions flamboyantes.

Quand la période baroque a-t-elle commencé?

On pense que la période baroque a commencé en Italie au début des années 1600. Elle s’est ensuite répandue dans le reste de l’Europe et a connu son apogée pendant une cinquantaine d’années. Cependant, dans certains pays, elle a été populaire pendant beaucoup plus longtemps et s’est poursuivie jusqu’au siècle suivant.

Pourquoi l’art baroque est-il si spectaculaire?

Il y a de nombreuses raisons pour lesquelles l’art baroque était si dramatique. Tout d’abord, il a évolué à partir du maniérisme, qui était très exagéré et dramatique à sa manière. Deuxièmement, il y avait beaucoup de tensions religieuses entre l’église catholique et l’église protestante à l’époque. Cela a poussé l’église catholique à commander des œuvres d’art qui affichaient la gloire du dogme catholique. Enfin, les techniques populaires utilisées à cette époque, telles que le chiaroscuro, donnaient lieu à des contrastes dramatiques.