Artistes surréalisme – Explore le travail de célèbres surréalistes

Qui étaient les peintres surréalistes et comment ont-ils influencé le monde de l’art ? Le mouvement surréaliste, fondé en 1924 par André Breton et promu par plusieurs surréalistes célèbres, a pris d’assaut le monde de l’art. Les artistes surréalistes ont cherché à accéder à l’inconscient pour tenter de libérer leur imagination et leur créativité. Cet article sera une exploration des artistes surréalistes les plus célèbres qui ont laissé leur marque unique.

Artistes surréalistes célèbres

Ils estimaient, informés par la psychanalyse, que l’esprit logique réprimait la force de leur expression. Les peintres surréalistes soutenaient que les artistes devaient faire abstraction de la logique et de la raison dans les arts visuels tels que la photographie, la littérature et le cinéma. Ces stratégies, qui encouragent le hasard et l’improvisation dans les démarches artistiques, étaient connues sous le nom d’écriture automatique. Ils ont utilisé une gamme de thèmes qui ont dépeint ces concepts, guidés par les travaux de Freud, et se sont concentrés sur la pertinence du rêve et de l’inconscient. Les artistes surréalistes utilisaient leur propre symbolisme, mais leurs œuvres étaient souvent considérées comme bizarres, déroutantes et même inquiétantes, faisant sortir l’observateur de sa zone de confort.

La nature était l’iconographie la plus souvent représentée, de la fascination de Max Ernst pour les oiseaux à la représentation d’œufs ou de fourmis de Salvador Dalí, en passant par l’imagerie biomorphique ambiguë de Joan Miró.

War (1894) par Henri Rousseau; Henri Rousseau, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’art surréaliste, issu du mouvement Dada, comprend des inspirations esthétiques provenant de plusieurs sources. Les peintres surréalistes ont été influencés non seulement par l’imagerie étrange et les arrangements troublants de Giorgio de Chirico, mais aussi par les œuvres de peintres intéressés par le primitivisme et l’imagerie sensationnelle, comme Arnold Bocklin, Gustave Moreau, Henri Rousseau, Odilon Redon, et même Hieronymus Bosch. De nombreux concepts surréalistes ont finalement été absorbés par le mouvement de l’expressionnisme abstrait, jetant une ombre sur leur suprématie avec de nouveaux moyens de représenter l’inconscient.

Néanmoins, l’imagerie étonnante du mouvement surréaliste, son symbolisme riche, ses méthodes de peinture polies et son mépris pour la tradition ont eu un impact sur plusieurs générations d’artistes. Voici notre liste des surréalistes les plus célèbres qui ont eu un impact sur le monde de l’art.

Jean Arp (1886 – 1966)

Jean Arp était un mouvement artistique unipersonnel qui pouvait (et voulait) tout transformer en art. Il était surtout connu pour ses sculptures biomorphiques et était l’un des esprits créatifs les plus diversifiés du début du 20e siècle, créant des sculptures en pierre, en plâtre et en bronze, ainsi que des collages, des peintures, des esquisses et de la poésie. Son approche de la forme, connue sous le nom d’abstraction organique, était étonnamment cohérente : ses lignes ondulantes faisaient allusion à des plantes, des parties du corps et d’autres éléments naturels tout en restant complètement abstraites.

Le talent d’Arp consistait à représenter des informations visuelles comme s’il en faisait l’expérience pour la première fois, presque comme s’il était un extraterrestre en visite sur Terre.

Constellation selon les lois du hasard (1930) de Jean Arp; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons.

La transformation, la croissance, la fertilité et la métamorphose font partie des thèmes majeurs de son travail. L’art d’Arp est non représentatif tout en restant profondément ancré dans la nature. Ses créations les plus abstraites rappellent les formes biologiques. Cela suscite l’intérêt du spectateur tout en fournissant une base uniforme pour plaire à l’œil. Arp a été l’un des premiers artistes à inclure l’aléatoire et le hasard dans son travail, et il considérait le hasard comme un partenaire dans son processus.

Ce fut un moment décisif dans les arts visuels. Les peintres occidentaux s’étaient auparavant efforcés d’atteindre un degré de contrôle sophistiqué.

Man Ray (1890 – 1976)

L’artiste Man Ray a travaillé sur différents supports, notamment la peinture, la sculpture, la photographie, le cinéma, la poésie et les gravures, et s’est inspiré du futurisme, de Dada, du cubisme et du surréalisme. Néanmoins, il est surtout connu pour ses photographies de l’entre-deux-guerres, en particulier les images sans appareil photo qu’il a baptisées « Rayographes ». Breton l’a qualifié de pré-surréaliste, soulignant son amour inhérent pour le style et la présence de connotations surréalistes dans ses œuvres avant même la création du mouvement.

Sa photographie dépendait de diverses approches qui brouillaient la barrière entre le rêve et la réalité, opérant dans l’espace entre l’art et la vie.

Kiki, Noire et Blanche (1920) par Man Ray; Tim Evanson de Cleveland Heights, Ohio, USA, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons.

Il a utilisé la solarisation, le recadrage et le surdéveloppement pour produire des photographies surréalistes dans le but d’établir une vision surréaliste de la forme féminine. Les capacités créatives et techniques de Ray sont apparues dès son plus jeune âge. Son expérience au lycée a été cruciale car elle lui a permis d’acquérir des bases solides en dessin et autres méthodes artistiques. Il s’est également instruit en visitant régulièrement des musées d’art, où il a découvert les œuvres de maîtres anciens tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci, Rembrandt et Caravage. En tant qu’étudiant, il a été influencé par Monsieur Alfred Stieglitz, dont il fréquentait la galerie, ainsi que par Monsieur Robert Henri, son professeur de lycée.

Man Ray a organisé sa première exposition de peinture individuelle à l’âge de 25 ans. Sa relation de 55 ans avec Duchamp a inspiré leur travail et a abouti à des entreprises créatives coopératives.

Max Ernst (1891 – 1976)

Bien qu’il ait servi dans l’armée tout au long de la Première Guerre mondiale, Ernst était prêt à continuer à produire de l’art et à exposer à Der Sturm à Berlin en 1916. En 1918, il est retourné à Cologne. L’année suivante, il crée ses premiers collages et cofonde le mouvement Dada de Cologne, qui existe depuis peu et que Jean Arp et d’autres rejoindront plus tard. Ernst expose pour la première fois à Paris en 1921, à la Galerie au Sans Pareil. Au début des années 1920, il participe activement aux activités surréalistes aux côtés d’André Breton et de Paul Eluard. Ernst réalise ses premiers frottages en 1925. En 1932, il réalise sa première exposition américaine à la galerie Julien Levy à New York. En raison de son statut d’étranger, il est retenu en France en 1939.

Ernst s’échappe aux États-Unis deux ans plus tard avec Peggy Guggenheim, qu’il épouse début 1942. Après leur divorce, il épouse Dorothea Tanning et s’installe en France en 1953.

Photographie de Max Ernst (1968); Voir la page de l’auteur, CC0, via Wikimedia Commons.

Max Ernst était un provocateur, ainsi qu’un artiste étonnant et original, qui a exploré son inconscient pour créer des images surréalistes oniriques qui remettaient en question les conventions conventionnelles. Il a fait du concept de non-sens du monde moderne le fondement de son travail. Il a été l’un des premiers peintres à utiliser les idées de rêve de Sigmund Freud dans son travail, peignant librement à partir de son esprit intérieur pour découvrir la source de son inspiration et libérer ses sentiments primordiaux. Il a également étudié l’inconscient universel à travers l’imagerie des rêves courants.

Il a expérimenté des peintures, des sculptures et des œuvres sur papier en tant qu’artiste surréaliste flexible et productif.

André Breton (1896 – 1966)

André Breton est une figure fondatrice du mouvement Dada qui a ensuite fondé et dirigé le mouvement surréaliste. L’artiste et ses amis à New York ont organisé des spectacles surréalistes qui ont présenté aux premiers expressionnistes abstraits les notions d’automatisme et de création artistique spontanée. Il a travaillé dans une variété de médias créatifs, principalement le collage et l’impression, et a écrit de nombreux livres. Breton a été un pionnier dans l’utilisation de l’association fortuite pour relier le texte et les images afin de générer de nouvelles paires de mots et d’images lyriques.

Dans les années 1940, ses théories sur l’exploitation de l’inconscient et l’utilisation du symbolisme pour l’expression de soi ont été des fondements conceptuels clés pour les célèbres surréalistes de New York.

André Breton au festival Dada à Paris portant une pancarte conçue par Francis Picabia (1920); http://blakegopnik.com/post/147009113161, Domaine public, via Wikimedia Commons.

André Breton s’est engagé dans l’art d’avant-garde et s’est fait remarquer pour sa capacité à rassembler divers artistes par le biais de documents imprimés et d’efforts de conservation. En 1924, Breton a publié le Manifeste surréaliste, qui définissait le surréalisme comme un « automatisme psychologique pur », influençant profondément les méthodes et les débuts de mouvements ultérieurs tels que l’expressionnisme abstrait. Pendant la Première Guerre mondiale, l’une des principales idées de Breton était d’utiliser l’art comme une protestation contre la guerre.

Ce thème a refait surface pendant et après la Seconde Guerre mondiale, lorsque les premiers peintres expressionnistes abstraits ont créé des œuvres pour exprimer leur colère face aux horreurs qui se produisaient en Europe.

André Masson (1896 – 1987)

André Masson, un surréaliste de la première heure, a fait de l’art qui a transcendé la classification en raison de changements stylistiques. Il voulait représenter l’énergie créatrice de l’inconscient en expérimentant le croquis instinctif et en laissant sa main parcourir la toile sans effort et sans plan conscient. Il travaillait souvent dans des conditions difficiles, par exemple en se privant de nourriture ou de sommeil pendant de longues périodes, ou sous l’effet de narcotiques, croyant que cela le conduirait à un niveau de conscience diminué, dépourvu de tout contrôle logique.

Il est également connu pour ses représentations surréalistes de confrontations brutales et de batailles bizarres. Son art a été décrit comme faisant le pont entre l’expressionnisme abstrait et le surréalisme.

Femme tourmentée (1942) par André Masson; Funke, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

En 1958, la Biennale de Venise alloue un espace entier à son art, et ses œuvres deviennent de plus en plus abstraites. Masson conçoit régulièrement pour la scène, en commençant par ses idées pour le ballet Les Présages de Léonide Massine en 1933 et jusqu’au milieu des années 1960. Son projet le plus important et le plus ambitieux de l’après-guerre survient en 1965, lorsque l’auteur et ministre de la Culture André Malraux lui demande de peindre le toit du Théâtre de l’Odéon de Paris.

Sa première grande rétrospective a eu lieu en 1941 au musée d’art de Baltimore.

René Magritte (1898 – 1967)

René Magritte, éminent peintre surréaliste belge, a réalisé des tableaux ravissants par leur pureté et leur simplicité, mais qui suscitent souvent des sentiments désagréables chez le spectateur. Il a ignoré les distractions esthétiques d’une grande partie de la peinture moderne, optant plutôt pour une manière impassible et picturale qui transmet clairement le sujet de l’œuvre. Ses sculptures sont considérées comme des images qui ne cachent rien mais qui évoquent un sentiment de profond mystère. Son art, qui présente des objets communs dans des juxtapositions étranges, remet en question la perception humaine et les hypothèses, et force le spectateur à examiner des choses qui sont souvent considérées comme allant de soi.

Il a réalisé des œuvres d’art qui ont typiquement une certaine qualité intrigante qui définit la plupart de ses travaux surréalistes, incorporant souvent l’interaction de signaux linguistiques et visuels.

Panorama populaire (1926) de René Magritte; Pilardenou999, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Les pipes, les nuages, les chapeaux melon et les pommes vertes font partie des objets symboliques les plus immédiatement identifiables utilisés par René Magritte. Avec les énigmes visuelles et linguistiques du peintre surréaliste, Magritte a rendu le familier bouleversant et inattendu, présentant des préoccupations sur la nature de la représentation et de la réalité. Il a créé un ensemble d’œuvres qui rendaient les objets quotidiens inhabituels, en les plaçant dans des cadres bizarres ou troublants ou en les étiquetant volontairement de manière erronée afin de faire ressortir les objets les plus banals.

Magritte a commencé sa carrière en tant que graphiste et artiste quasi-abstrait, mais son style a changé en 1926 lorsqu’il a commencé à se réinventer en tant que peintre figuratif.

Yves Tanguy (1900 – 1955)

Yves Tanguy était un surréaliste classique à bien des égards, bien connu pour ses surfaces fondues et rocheuses, qui définissaient son esthétique surréaliste. Sa symbologie était profondément personnelle, reflétant ses intérêts pour les souvenirs d’enfance, les hallucinations, les rêves et les expériences psychotiques. Tanguy dépeint des paysages abstraits habités de motifs biomorphiques et peints dans des tons sombres, résultat de son amour de la nature. Ses paysages ont un certain aspect hallucinogène, équilibrant la réalité et l’imagination.

Il était préoccupé par les visions et l’inconscient, et il a décrit la psyché et son contenu avec des détails réalistes, considérant l’inconscient comme un lieu. Carl Gustav Jung a illustré son idée de l’inconscient collectif avec l’une de ses peintures surréalistes.

Les objets représentés dans la nature planent ou glissent vers les cieux. La manipulation magistrale de la taille et du point de vue, ainsi que les vues astucieuses du monde naturel, ajoutent à l’impact hallucinogène de ses œuvres. Ses étranges structures rocheuses ont probablement été influencées par la maison de sa mère en Bretagne. Tanguy, comme d’autres artistes surréalistes célèbres, était obsédé par les visions et l’inconscient. La clarté réaliste avec laquelle il représentait la psyché et son contenu le distinguait.

C’est sa contribution la plus importante. Tanguy a envisagé et peint l’inconscient comme un lieu plus complètement que tout autre artiste avant lui.

Luis Bunuel (1900 – 1983)

Luis Bunuel est le cinéaste surréaliste qui a le plus efficacement réalisé les idéaux du mouvement, à savoir échapper à la narration linéaire et rationnelle. Le surréalisme a été le pionnier de la méthode d’écriture automatique en littérature et a créé des images oniriques frappantes mais statiques en peinture. Bunuel pensait que le cinéma pourrait aller au-delà de la peinture pour dépeindre les récits visuels fragmentaires des rêves humains en mouvement.

Ses deux premiers films surréalistes dépeignent l’absence de filtrage moral, de volition et de raisonnement qui définissent la condition de rêveur, comme si Bunuel avait réussi à placer sa caméra au sein de rêves authentiques et à les enregistrer.

Les images de brutalité ou de cruauté de Bunuel sont extrêmement efficaces pour briser la complaisance du spectateur, détruire les idées préconçues réconfortantes sur la réalité et l’existence, et activer les préoccupations les plus fondamentales et les plus enfouies stockées dans le subconscient. Ses vidéos suscitent non seulement des réactions émotionnelles et intellectuelles, mais touchent aussi physiquement le public avec des scènes d’insectes, de déchets humains, de cadavres en décomposition, de mutilation et d’autres profanations horribles de parties du corps humain. Ils s’engagent et interagissent avec le public d’une manière qui est caractéristique de l’art postmoderniste.

Contrairement à la plupart des autres réalisateurs surréalistes, les films de Bunuel ne sont jamais stylisés : ils ont un aspect urgent, saisissant et viscéral, même dans leurs moments les plus ridicules.

Salvador Dalí (1904 – 1989)

Salvador Dalí est surtout connu pour sa personnalité colorée et son brio technique, mais il s’est également adonné à la sculpture, à l’imprimerie, à la mode, à la publicité, à la littérature et au cinéma dans le cadre de partenariats avec Alfred Hitchcock et Luis Bunuel. Bien qu’il ait été formellement banni du mouvement surréaliste en 1934 pour ses convictions politiques régressives, il y est néanmoins largement lié aujourd’hui.

Dalí a tenté de construire dans son atelier un langage structurel et visuel capable de dépeindre ses rêves et ses hallucinations en basant ses œuvres d’art surréalistes sur la théorie freudienne. Il qualifiait cette technique de plongée dans l’inconscient de « paranoïa critique ».

Salvador Dalí (1972) par Allan Warren; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Obsédé par les thèmes de la sexualité, de la mort et de la dégradation, il est bien connu pour utiliser un symbolisme prêt à l’emploi dans son travail, qui comprend des fétiches, des images d’animaux et des symboles religieux. En tant qu’étudiant en art à Barcelone et à Madrid, Dalí a absorbé un large éventail de genres créatifs et a fait preuve d’une capacité technique exceptionnelle en tant que peintre.

Ce n’est pourtant qu’à la fin des années 1920 qu’il découvre les travaux de Sigmund Freud sur l’importance sexuelle des images subconscientes et son engagement auprès des surréalistes parisiens, un certain nombre d’artistes et d’auteurs qui tentent d’établir la « plus grande réalité » du subconscient humain au-dessus de la raison.

Léonora Carrington (1917 – 2011)

Leonora Carrington est considérée comme un acteur central du mouvement surréaliste ainsi que comme une artiste singulière. Comme les autres peintres surréalistes, elle était fascinée par l’inconscient et l’imagerie onirique. Ces compositions oniriques et magiques d’animaux exotiques définissent ses peintures. Elle utilisait un symbolisme profondément personnel pour créer des situations d’un autre monde, qu’elle préférait ne pas articuler.

Dans son exploration de l’identité sexuelle, elle a fait fi des clichés surréalistes communs des femmes en tant qu’objets de désir.

Godiva in the Jungle (1995) par Leonora Carrington; Secretaría de Cultura Ciudad de México de México, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Elle intègre de nombreux éléments culturels tels que la peinture de la Renaissance, la littérature celtique, l’alchimie médiévale, l’art populaire d’Amérique centrale et la psychologie jungienne pour dépeindre des monstres exotiques et des thèmes récurrents d’identité, de métamorphose et de magie. Les œuvres de Carrington sont remplies de personnages hybrides mi-animaux mi-humains ou de mélanges d’autres animaux exotiques qui varient de l’effrayant à l’amusant. Elle a abordé les questions de l’évolution et de l’identité dans un environnement en perpétuel changement à travers ses images uniques.

Le surréalisme était un mouvement esthétique et littéraire fondé à Paris en 1924 par le poète André Breton. Il soutenait que les Lumières, un puissant mouvement intellectuel des XVIIe et XVIIIe siècles qui promouvait la raison et l’individualité, avaient supprimé les plus grandes caractéristiques de l’esprit irrationnel et inconscient. Le but du surréalisme était de libérer l’esprit, le langage et la condition humaine des limites répressives de la rationalité. Les surréalistes célèbres ont pu créer des œuvres d’art inconscientes grâce à l’automatisme, un processus similaire à l’association libre ou au flux de conscience.

Questions fréquemment posées

Qui a été le peintre surréaliste le plus influent?

André Breton a fait des études de psychiatrie et de médecine et connaissait bien les écrits psychanalytiques de Sigmund Freud. Il était particulièrement fasciné par la notion selon laquelle l’inconscient, qui créait les rêves, était à la base de la production créative. Breton, marxiste convaincu, voyait le surréalisme comme un groupe révolutionnaire capable de libérer l’esprit du public de l’ordre logique de la société.

Qu’est-ce que les peintres surréalistes ont représenté?

Tous les surréalistes n’ont pas opté pour des créations aussi abstraites. De nombreux surréalistes ont découvert que la représentation de l’aspect authentique d’une chose dans le monde physique peut évoquer avec plus de succès des connexions pour le spectateur, révélant une réalité plus profonde et inconsciente. Des artistes comme Salvador Dali et René Magritte ont développé des images hyperréalistes et oniriques qui servent de portails vers un monde étrange au-delà de la réalité éveillée. Par exemple, La Clairvoyance (1936) de Magritte, dans laquelle un artiste peint un oiseau en vol tout en regardant un œuf sur une table, indique un état de rêve ou une expérience hallucinatoire.