Artistes Espagnols – Les meilleurs artistes masculins espagnols

Tout au long de l’histoire de l’art, les artistes espagnols ont dominé les mouvements artistiques de leur époque, la plupart des noms les plus célèbres étant originaires d’Espagne. Les peintres espagnols ont été des figures formatrices dans de nombreux styles de peinture traditionnels ainsi que dans les mouvements d’avant-garde. L’Espagne a été influencée par de nombreux autres pays au cours des siècles en raison de sa position géographique, comme la France et l’Italie pendant les périodes baroque et néoclassique.

Artistes et peintres espagnols célèbres

Du fait de sa position en Europe, de nombreux artistes espagnols ont pu voyager et s’approprier les techniques d’autres pays. Les peintures de nombreux artistes espagnols sont aujourd’hui considérées comme ayant joué un rôle déterminant dans le développement de nombreux mouvements artistiques en Europe. Aujourd’hui, nous allons nous intéresser de plus près aux célèbres artistes et peintres espagnols qui ont marqué le monde de l’art. Ce qui suit est une liste de 10 des peintres espagnols masculins les plus célèbres.

El Greco (1541 – 1614)

Doménikos Theotokópoulos est né le 1er octobre 1541 en Crète. El Greco était son surnom, faisant référence au pays d’origine de l’artiste, la Grèce. Malgré ses origines grecques, il est considéré comme l’un des principaux membres de la Renaissance espagnole. El Greco s’est formé et a maîtrisé l’art post-byzantin avant de se rendre à Venise à l’âge de 26 ans, une tournée traditionnelle pour les jeunes artistes grecs de l’époque.

Il s’installe ensuite à Rome et ouvre un atelier en 1570. À cette époque, El Greco commence à incorporer les styles des artistes contemporains tels que le maniérisme ainsi que des éléments de la Renaissance vénitienne. 

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Vue de Tolède (c.1596-1600) ) par El Greco; El Greco, Public domain, via Wikimedia Commons.

Il s’installe ensuite à Tolède en Espagne en 1577, où il restera jusqu’à sa mort en 1614. Plusieurs de ses tableaux les plus célèbres, tels que Ouverture du cinquième sceau (vers 1608-1614) et Vue de Tolède (1596-1600) ont été commandés à cette époque. Bien que son style ait suscité un sentiment de perplexité chez ses contemporains en raison de son style expressionniste et dramatique, il a finalement trouvé une grande estime auprès des érudits et des critiques du 20e siècle.

Les historiens de l’art considèrent son travail comme non conventionnel et n’appartenant à aucun mouvement artistique spécifique, mais il est pourtant considéré comme un précurseur du Cubisme et de l’Expressionnisme.

L’ouverture du cinquième sceau (La vision de saint Jean) (entre 1608 et 1614) par El Greco; El Greco, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’œuvre d’El Greco est considérée comme un mélange intrigant de styles de peinture occidentaux et d’art traditionnel byzantin. On reconnaît son art à son utilisation fantastique de la pigmentation et à ses figures étrangement étirées et allongées. Parmi les peintures les plus remarquables de l’artiste espagnol, on peut citer :

• • La Dormition de la Vierge (1567)
  • L’adoration des mages(1565)
  • L’Assomption de la Vierge (1577)
  • L’enterrement du comte d’Orgaz (1586)

Francisco de Zurbarán (1598 – 1664)

Francisco de Zurbarán est né le 7 novembre 1598 à Fuente de Cantos, en Espagne. Il est surtout connu pour ses peintures qui représentent des sujets religieux tels que des martyrs, des nonnes et des moines. En raison de son application magistrale de la technique duchiaroscuro, il était connu comme le « Caravage d’Espagne ». De Zurbarán a commencé à s’amuser avec le dessin très tôt dans sa vie, recréant des objets au fusain lorsqu’il était enfant. En 1614, son père l’envoie en apprentissage pendant trois ans auprès d’un artiste peu connu appelé Pedro Diaz de Villanueva à Séville.

Nature morte avec des pots (c. 1650) par Francisco de Zurbarán; Ё, Domaine public, via Wikimedia Commons.

En 1626, de Zurbarán a été chargé par le monastère dominicain de réaliser 21 peintures en huit mois. La plupart des tableaux représentaient saint Dominique, et les autres étaient des représentations des quatre docteurs de l’Église, de saint Thomas d’Aquin et de saint Bonaventure. Cela a contribué à faire de Zurbarán une figure à suivre parmi les jeunes peintres espagnols. Deux ans plus tard, il est chargé de réaliser 22 peintures pour le monastère des Mercedariens de Séville.

Vers 1630, Philippe IV nomme de Zurbarán son peintre personnel et lui confie plus tard qu’il n’est pas seulement le peintre du roi, mais aussi le roi des peintres.

L’apothéose de saint Thomas d’Aquin (1631) par Francisco de Zurbarán; Jl FilpoC, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Son travail a souvent été comparé à celui du Caravage en raison de son utilisation de la technique du clair-obscur pour créer des arrière-plans très sombres. Cependant, on ne sait pas s’il a jamais eu l’occasion de voir ne serait-ce que les œuvres d’art du Caravage. Il était très apprécié pour sa représentation de matières telles que les draperies et les robes. En 1631, de Zurbarán a peint sa plus grande contribution à l’art, le vénérable retable de L’Apothéose de Saint Thomas d’Aquin pour l’église du collège du saint. Parmi ses autres œuvres notables, on peut citer :

• Christ en croix (1627)
• Saint Hugh dans le réfectoire des chartreux (1630 – 1635)
• Nature morte avec des pots (1650)
• Immaculée Conception (1630)

Diego Velázquez (1599 – 1660)

Diego Velázquez est né le 6 juin 1599 à Séville, en Espagne. Diego Velázquez était considéré comme le plus grand peintre parmi les autres peintres espagnols de l’âge d’or espagnol, ainsi que comme un artiste très respecté à la cour du roi Philippe IV. Il était considéré comme un créateur très individualiste de peintures espagnoles pendant la période baroque contemporaine.

Il a peint de nombreuses restitutions de scènes culturellement importantes de l’histoire, ainsi que de nombreux portraits de la royauté espagnole et des gens du peuple.

Infante Margarita Teresa en robe bleue (1659) par Diego Velázquez; Diego Velázquez, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Pour de nombreux impressionnistes et réalistes du 19e siècle, l’œuvre d’art de Diego Velázquez était le modèle à suivre. De nombreux artistes tels que Francis Bacon, Salvador Dalí et Pablo Picasso lui rendront hommage au 20e siècle en produisant leurs propres reproductions de certaines de ses œuvres d’art les plus emblématiques. Velázquez était un ami proche de tous les peintres les plus éminents de son époque et était bien informé sur toutes les différentes écoles d’art italiennes.

Pourtant, bien qu’entouré de pairs et d’influences tout aussi talentueux, il est parvenu à rester largement concentré sur le développement de ses propres principes et de son propre style.

Las Meninas (‘Les demoiselles d’honneur’, 1656) par Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons.

Diego Velázquez rejetait la solennité cérémonielle qui caractérisait les portraits de nombreuses autres cours européennes. Il était très doué pour créer des teintes variées avec une palette de couleurs très limitée. Seule une très petite quantité d’esquisses peut être attribuée à sa main sans aucun doute et avec une certitude définitive. Quelques croquis préliminaires de ses peintures ont été notés par des spécialistes, mais sa technique la plus répandue consistait à peindre les sujets directement d’après nature et à corriger les erreurs au fur et à mesure. Parmi ses œuvres d’art les plus remarquables, on peut citer :

• • Infante Margarita Teresa dans une robe bleue (1659)
  • Las Meninas (1656)
  • Portrait de Juan de Pareja (vers 1650)

Bartolomé Esteban Murillo (1617 – 1682)

Bartolomé Esteban Murillo est né, a vécu et est mort dans la ville de Séville en Espagne. À l’époque, Séville était une ville considérée à l’égal d’Amsterdam et de Venise en termes d’influence et de puissance. Jusque dans les années 1630, la ville était très prospère grâce à sa position sur la route commerciale avec le Nouveau Monde. Cependant, alors que Murillo sculptait les premiers jalons de sa carrière, Séville traversait une période de diminution de la population et de baisse du niveau de vie des habitants. L’église et les autres fraternités de nature religieuse, en revanche, connaissaient un accroissement de leur influence et de leur richesse.

1645 est une année importante dans la vie de Murillo, car il épouse Beatriz Cabrera et reçoit également sa première commande pour créer 13 peintures pour une église de Séville appelée le Convento de San Francisco.

L’adoration des bergers (1650) par Bartolomé Esteban Murillo; Bartolomé Esteban Murillo, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Chaque tableau représente un saint accomplissant un miracle ou un acte de charité. Onze de ces toiles existent encore et sont conservées en Amérique et en Europe dans diverses collections. Cette série a été très bien accueillie et a conduit à la commande de plusieurs autres œuvres d’art dans les années 1650, notamment La Vierge du Rosaireet L’Adoration des Bergers. À cette époque, Séville n’était plus considérée comme le principal centre commercial de l’Espagne, et près de la moitié de sa population avait été anéantie par une peste et d’autres bouleversements naturels et politiques qui ne lui laissaient plus que l’ombre de sa gloire d’antan.

En raison de la désintégration de la ville, les églises et autres ordres religieux ont commencé à injecter des sommes importantes de leurs vastes richesses dans diverses œuvres caritatives et à commander des œuvres d’art pour s’assurer que leurs œuvres caritatives soient documentées et célébrées.

La cuisine de l’ange (1646) par Bartolomé Esteban Murillo; Bartolomé Esteban Murillo, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Membre dévoué de l’église catholique, Murillo acquiert beaucoup de travail et de renommée grâce à ces œuvres commandées. Tout au long de sa carrière, il a continué à créer des œuvres d’art dont le thème et le contenu étaient religieux. Parmi ses œuvres d’art les plus remarquables, on peut citer :

• • La cuisine de l’ange(1646)
  • Vierge du Rosaire (1650)
  • Le bon berger (1660)

Francisco de Goya (1746 -1828)

Francisco de Goya est un peintre espagnol né dans la ville de Fuendetodos en Aragon en 1746. Après avoir étudié auprès de José Luzán y Martinez dès l’âge de 14 ans, il poursuit ses études auprès d’Anton Raphael Mengs à Madrid. Très apprécié pour son travail dans le mouvement du romantisme, il est nommé peintre de la cour de la couronne espagnole en 1786.

Une grande partie de son travail antérieur comprend donc surtout des portraits commandés de la royauté et de la noblesse espagnoles.

Charles IV d’Espagne et sa famille (1800-1801) par Francisco de Goya; Francisco Goya, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Francisco de Goya est considéré par les spécialistes comme l’un des artistes espagnols les plus éminents et les plus influents de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle et est souvent appelé le dernier vieux maître. Les œuvres d’art de De Goya ont été très admirées pour leur reflet des bouleversements historiques et des événements contemporains.

En 1793, son travail a pris une tournure plus pessimiste et plus sombre lorsqu’il est tombé malade d’une maladie qui l’a rendu sourd.

Ce ton sombre lié à la fois à l’état social et politique de l’Espagne ainsi qu’aux luttes personnelles qu’il vivait à cette époque se retrouve dans les œuvres d’art qu’il créait dans ses peintures murales et sur toile. La guerre française contre l’Espagne en 1807 a profondément affecté de Goya et il a exprimé ses sentiments inavoués à ce sujet en créant la série d’estampes intitulée Désastres de la guerre.

Le saint Pierre repentant (c. 1820-1824) par Francisco de Goya; The Phillips Collection, Public domain, via Wikimedia Commons.

À la fin de sa période, de Goya vit dans l’isolement et peint sur les surfaces murales de sa maison. À cette époque, il devient amèrement désenchanté par la situation sociale et politique de l’Espagne et ses œuvres de cette période de 1819 à 1823 sont appelées les Peintures noires. Il finit par quitter l’Espagne et se retire avec sa jeune épouse en 1824 à Bordeaux en France. Parmi les œuvres d’art notables de Fransisco de Goya, on peut citer :

• • Le nu Maja (1797 – 1800)
  • Charles IV d’Espagne et sa famille (1800 – 1801)
  • Le Troisième Mai 1808 (1814)
  • Saturne dévorant son fils (1819 – 1823)

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Le peintre espagnol Pablo Picasso est né à Malaga, en Espagne, en 1881, bien qu’il ait vécu en France pendant la majeure partie de sa vie adulte. Picasso est responsable de la cofondation du cubisme et de l’art du collage, ainsi que de la sculpture construite. En fait, cet artiste espagnol est considéré par les historiens de l’art comme l’un des peintres les plus importants du 20e siècle.

Portrait photographique de Pablo Picasso, devant son tableau L’Aficionado (Kunstmuseum Basel) à la Villa les Clochettes, Sorgues, France, été 1912; Anonyme Auteur inconnu, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Picasso peignait déjà dans un style naturaliste dans son enfance, faisant preuve d’un talent artistique exceptionnel dès son plus jeune âge et jusqu’à l’adolescence. Au cours des années 1910, il expérimente diverses techniques et méthodes qui entraînent un changement radical dans son approche de l’art. Le travail de Matisse dans le mouvement fauve a inspiré Picasso à expérimenter des styles artistiques plus non conventionnels, ce qui a donné lieu à une rivalité productive entre Picasso et Matisse pendant de nombreuses années, car ils étaient tous deux considérés par les critiques comme des figures de proue de l’art moderne.

Contrairement à d’autres artistes abstraits espagnols, le travail de Picasso partait toujours de la réalité, bien que le résultat final ait une apparence résolument abstraite.

L’Aubade (1942) de Pablo Picasso; Wisi eu, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons.

Picasso était bien connu pour son importance dans le mouvement cubiste. Avec le travail très apprécié de l’artiste Georges Braque, Picasso a co-développé un nouveau style de regard sur les sujets de peinture appelé le cubisme analytique. Le terme est dérivé de la façon dont les deux artistes décomposaient les objets et les analysaient en termes de formes.

De nombreuses similitudes sont donc partagées dans les peintures de ces deux artistes espagnols.

Picasso a également participé au développement du cubisme synthétique, qui incorporait l’utilisation de matériaux tels que des coupures de journaux et des morceaux de papier pour créer des compositions de collage dans le style de fine art. Parmi les œuvres notables de Picasso, on peut citer :

• La Vie (1903)
• Famille de saltimbanques (1905)
• Les Demoiselles d’Avignon (1907)
• Portrait de Daniel-Henry Kahnweiler (1910)

Joan Miró (1893 – 1983)

Joan Miró est né dans la ville de Barcelone le 20 avril 1893. Tout en fréquentant l’école privée de l’ancien hôtel particulier ar Carrer del Regomir, il commence à prendre des cours d’art alors qu’il n’a qu’environ sept ans. Il s’inscrit ensuite à l’académie des beaux-arts de La Llotja à l’âge de dix-sept ans, à la grande consternation de son père. Joan Miró présente sa première exposition personnelle en 1918 aux Galeries Dalmau, ce qui lui vaut un accueil critique très négatif et des moqueries.

Portrait de Joan Miró, Barcelone, 1935; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons.

Lors de ses voyages à Barcelone et à l’étranger, il est inspiré par les expositions qui s’y tiennent, en particulier par l’art des fauves et des cubistes. Après avoir rejoint les Surréalistes en 1924, il a passé la plupart de son temps à vivre et à peindre à Paris. Son travail était déjà très poétique et symbolique, il s’accordait donc naturellement avec les qualités oniriques de l’art surréaliste, avec toutes ses contradictions ainsi que ses dualités.

Pendant cette période, son travail est devenu plus ciblé et moins chaotique, il a commencé à expérimenter des médiums comme le collage, et son art a commencé à refléter son processus constant de rejet des méthodes traditionnelles de la peinture.

En 1928, il peint les Intérieurs hollandais, qui voient un retour marqué à la peinture de formes représentatives après avoir été inspiré par l’art qu’il a vu lors d’un voyage en Hollande. Ils ressemblent davantage à certaines de ses œuvres comme Harlequin’s Carnival qu’aux peintures surréalistes qu’il avait créées quelques années auparavant. Parmi les œuvres notables de Joan Miró, on peut citer :

• • Carnaval d’Arlequin(1924)
  • Intérieur hollandais (I) (1928)
  • Le bel oiseau révélant l’inconnu à un couple d’amoureux (1941)

Salvador Dalí (1904 – 1989)

Salvador Dalí est l’une des figures les plus reconnues dans le monde de l’art. On se souvient de lui et on l’aime autant pour son style de vie merveilleusement étrange et somptueux que pour sa prodigieuse production artistique. Pour prouver à quel point Dalí était lié à son œuvre, il a été enterré dans son musée après son décès en 1989. Dalí était très conscient de ses excentricités et il créait des œuvres d’art extrêmement personnelles avec une imagerie pleine de symbolisme subconscient et de qualités oniriques.

L’œuvre de 1948 Dalí Atomicus explore l’idée de suspension, représentant trois chats volants, de l’eau jetée d’un seau, un chevalet, un pouf, et Salvador Dalí apparemment suspendu dans les airs; Philippe Halsman, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Dans sa vie comme dans son art, Dalí a cherché à briser les conventions sociales et a contribué à créer de nouveaux langages visuels symboliques et des techniques artistiques qui ont élargi notre façon d’examiner et d’exprimer la psyché humaine et le subconscient. Sa façon anti-establishment de voir la vie a commencé tôt dans sa carrière, étant expulsé de l’Académie de Madrid pour avoir fomenté une protestation parmi les étudiants contre un professeur d’art qu’il considérait comme un enseignant médiocre et inapte à donner des cours aux étudiants.

En 1929, Dalí s’installe à Paris pour rejoindre les surréalistes par désir de bouleverser le statu quo de la pensée rationnelle et, ce faisant, de libérer la psyché de l’auto-emprisonnement.

Ce déménagement a enflammé l’intérêt de Dalí pour l’exploration de nouveaux supports et l’a vu expérimenter avec d’autres personnes créatives telles que Luis Buñuel, un réalisateur espagnol avec lequel Dalí a collaboré pour créerUn Chien Andalou, le premier film surréaliste.

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Bien que considéré comme l’un des artistes abstraits espagnols, Dalí n’aimait pas certains aspects des techniques abstraites ou surréalistes comme l’automatisme, qui était une technique où les artistes cherchaient à ne pas contrôler leur art ou leur écriture et à les laisser sortir spontanément. Bien que ce type de méthodes soit censé libérer l’esprit créatif, Dalí préférait créer délibérément les objets et les thèmes de ses œuvres afin d’illustrer un monde hyperréaliste plutôt qu’un monde de figures abstraites. Parmi les œuvres les plus notables de Dalí, on peut citer :

• • La persistance de la mémoire (1931)
  • Métamorphose de Narcisse (1937)
  • Les cygnes reflétant les éléphants(1937)
  • La tentation de Saint-Antoine(1946)

Antoni Tàpies (1923 – 2012)

Antoni Tàpies est un peintre espagnol né à Barcelone le 13 décembre 1923. Tàpies n’était pas seulement un peintre, mais aussi un théoricien de l’art et un sculpteur, et il était considéré comme l’un des artistes européens les plus connus de sa génération. Alors qu’il n’avait que 17 ans, Tàpies a été victime d’une crise cardiaque et a passé deux ans à vivre dans les montagnes. C’est là qu’il a passé une grande partie de son temps à lire et à poursuivre son intérêt croissant pour l’art, qui avait déjà commencé au début de son adolescence.

Après trois ans d’études de droit à l’école allemande de Barcelone, Tàpies se consacre entièrement à son travail artistique à partir de 1943.

Il a commencé ses expérimentations avec des matériaux de rinçage en 1945, en mélangeant une solution de merlan avec peinture à l’huile. Les peintures de l’artiste abstrait espagnol ont été exposées dans de nombreux grands musées du monde entier. Tàpies a été un élément important dans la fondation du premier mouvement artistique d’après-guerre en 1948, connu sous le nom de Dau al Set, qui affiche des similitudes avec d’autres mouvements de l’époque tels que le dadaïsme et le surréalisme.

Une composition d’Antoni Tàpies; Enric, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Bien qu’il ait commencé sa carrière en tant que peintre d’art surréaliste, Tàpies est devenu peu après un artiste du style connu sous le nom d’Art Informel, qui employait une technique consistant à prendre des matériaux considérés comme non artistiques au sens traditionnel et à les mélanger aux peintures.

Cette exploration de la méthode des médias mixtes est considérée comme étant la plus grande contribution de Tàpies à l’histoire de l’art.

Ses œuvres d’art comprennent souvent des matériaux couramment trouvés, tels que la poussière de marbre et la terre, mélangés à des coups de pinceau expressifs et à des applications intéressantes de la technique de l’empâtement. Parmi les œuvres les plus remarquables de l’artiste espagnol, on peut citer :

• • Peinture grise et verte (1957)
  • Ocre gris (1958)
  • Grande peinture (1958)
  • Equation III (1987)

Eduardo Arroyo (1937 – 2018)

Eduardo Arroyo était un graphiste et un peintre espagnol. En raison d’un dédain croissant pour la politique espagnole, il s’installe à Paris en 1958. À Paris, il se lie d’amitié avec les acteurs de la scène artistique, comme son futur collaborateur Gilles Aillaud, avec qui Arroyo crée des décors qui se veulent des déclarations artistiques de leur aversion pour l’art contemporain Français.

Plus de deux décennies de création d’œuvres d’art remontent à une exposition très réussie en 1964, qui a demandé de bons prix sur le marché et a reçu une évaluation critique élogieuse. Le travail d’Arroyo a été décrit comme le point de rencontre entre pop art et la figuration narrative. Son travail se caractérise par l’aplatissement de la perspective et une absence notable de profondeur spatiale.

Ces parodies ressemblant à des dessins animés dépeignent le sujet dans une version aplatie de l’espace pictural, une grande partie du style repris pendant le temps où il dessinait des caricatures pour son travail.

Né en Espagne à une époque de grands troubles politiques sous le régime franquiste, son opposition à ces forces oppressives se reflète dans l’œuvre de cet artiste politiquement actif. C’est grâce à son travail de conception de costumes et de décors qu’Arroyo est devenu une figure créative renommée à Milan, Berlin et Paris. Il est finalement retourné vivre et travailler en Espagne jusqu’à son décès en 2018. Les œuvres d’art d’Arroyo se trouvent encore dans des collections à travers le monde, notamment au musée des beaux-arts de Bilbao, au musée Hirshhorn et au musée d’art moderne de New York. Certaines des œuvres d’art les plus notables de ce peintre espagnol sont :

• • Cuore (Portrait d’Edmundo d’Amicis) (1962)
  • La Perquisition de St. Sebastian (1969)
  • Nella giungla della città (1975)
  • Portrait de James Joyce (1992)

Nous avons appris à connaître dix artistes et peintres espagnols célèbres qui ont contribué à façonner le visage du monde de l’art. Les artistes espagnols sont parmi les plus respectés dans leurs différents styles, tels que le cubisme, le surréalisme, la Renaissance espagnole et d’autres mouvements influents. Les peintures des artistes espagnols sont aujourd’hui vénérées comme des chefs-d’œuvre et ont contribué à jeter les bases de plusieurs mouvements fondés par des peintres espagnols. Des artistes abstraits espagnols aux hyperréalistes, les célèbres artistes et peintres espagnols ont laissé derrière eux un héritage d’œuvres d’art fascinantes et non traditionnelles.

Questions fréquemment posées

Quel artiste espagnol a fondé le mouvement du cubisme?

Bien qu’il ait commencé sa carrière en peignant dans un style plus traditionnel et naturaliste, Picasso s’est intéressé à l’expression des formes d’une manière liée à leurs formes et a fondé le style cubiste grâce à ses expérimentations. Georges Braque, l’un des plus proches contemporains de Picasso, a également joué un rôle formateur dans le développement du mouvement.

Pourquoi l’art espagnol présente-t-il autant d’influences extérieures ?

En raison de sa position au début des échanges commerciaux entre l’Europe et l’Occident, l’Espagne a constamment été le centre d’influences créatives, avec des personnes de cultures et de pays différents qui se déplaçaient dans la région et laissaient derrière eux leurs techniques et leurs méthodes.