Artistes art déco – Les meilleurs peintres à connaître

L’Art déco était l’un des genres les plus gracieux et les plus élégants de l’histoire de l’art contemporain pendant ses années d’apogée entre les deux grandes guerres mondiales. C’est une esthétique qui a été adoptée par de nombreux créatifs, des peintres et bijoutiers Art déco aux designers et architectes Art déco. Dans cet article, nous allons nous pencher sur les noms influents de l’Art déco qui ont été les pionniers du style avec notre liste d’artistes célèbres de l’Art déco..

Artistes célèbres de l’Art déco

Les créations Art déco étaient synonymes de concepts progressistes de modernité, de célébrations exubérantes de la vie et du style de vie extravagant d’une génération de jeunes de l’après-guerre. Les idéaux et l’esthétique de l’Art déco sont toujours vivants aujourd’hui, et en raison des sentiments nostalgiques de la culture actuelle, les créateurs modernes font resurgir certaines des caractéristiques de ce style exquis du passé. Qui sont les créateurs de l’Art déco qui ont formé et développé ce style ?

Il y a pas mal de noms de l’Art déco dans tous les domaines qui ont incorporé l’esthétique dans leurs œuvres d’art, l’architecture, la mode, la décoration d’intérieur et les bijoux.

René Lalique (1860 – 1945)

René Lalique est sans doute l’artiste verrier le plus célèbre au monde, dont la réputation perdure encore aujourd’hui et dont les œuvres sont très recherchées par les collectionneurs. Lalique, qui est né à Paris en 1860, s’est imposé comme l’un des bijoutiers Art nouveau les plus acclamés, travaillant pour de grands fabricants français tels que Boucheron et Cartier.

Il a finalement modifié son approche de l’Art nouveau en adoptant des conceptions organiques et fluides dans les années 1920 et a embrassé le style Art déco en plein essor.

Spirit of the Wind mascotte conçue par René Lalique pour la société Citroën, située dans le Blackhawk Automotive Museum en Californie, États-Unis ; Ingrid Taylar de Seattle, WA, USA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Ses créations se sont simplifiées au fur et à mesure qu’il expérimentait divers matériaux allant de l’émail au métal. Cependant, le verre est resté son matériau de prédilection pour travailler, bien qu’avec de nouvelles propriétés prismatiques. Il a dominé les marchés du verre et de la bijouterie tout au long de la période Art déco, et sa popularité peut également être attribuée à son procédé de moulage du verre à la cire perdue, qui lui permettait de fabriquer des duplicatas d’un même modèle.

Parmi ses créations majeures de l’Art déco, citons les murs de verre éclairés du paquebot Normandie ainsi que sa fontaine de verre magnifiquement stylisée créée pour l’exposition inaugurale de l’Art déco.

Léon Bakst (1866 – 1924)

L’Art déco se caractérise par son mélange varié de styles. Les Ballets russes, premier groupe de spectacle mondial à présenter des costumes et des conceptions de scène réalisés par des artistes notables, ont longtemps été une source d’influence majeure pour les designers de l’Art déco. De 1909 à 1921, l’artiste russe Léon Bakst a été l’un des concepteurs les plus en vue de la compagnie des Ballets russes, influençant le développement des premiers idéaux de l’Art déco.

Bakst participait à la compagnie Mir Iskusstva, qui s’est imposée à Paris pendant le boom des Ballets russes.

Dessin de Léon Bakst pour un décor de scène pour le ballet Le Donne de Buon Umore (« Les Dames de bonne humeur »), créé à Rome, le 12 avril 1917. Dessin situé au Metropolitan Museum of Art de New York, États-Unis; Léon Bakst, CC0, via Wikimedia Commons.

Ce groupe d’artistes a transformé la conception théâtrale au tournant du siècle, influençant non seulement les décors et les costumes, mais aussi l’esthétique visuelle de la danse. Les décors de scène et les costumes de Léon Bakst étaient vibrants et aventureux, riches en images et en thèmes exotiques, et incorporaient tous les aspects vitaux recherchés par les peintres de l’Art déco.

Son utilisation de couleurs harmonisantes, d’ornementations riches et de compositions puissantes a encouragé une nouvelle génération de designers Art déco, ayant un impact significatif sur les avancées futures du style décoratif.

Jean Dunand (1877 – 1942)

Jean Dunand, artiste français, était sans doute l’artiste laqueur le plus important de la période Art déco. Le travail du cuivre et la sculpture ont été ses principales passions tout au long de ses premières années. Il a commencé ses expériences sur la laque vers 1910 en tant qu’assistant de Seizo Sugawara, l’artiste japonais.

Dunand, qui apprenait vite, a rapidement saisi ce processus complexe et chronophage, ainsi qu’une technique qui lui permettait de créer des motifs étonnants en insérant des coquilles d’œuf dans ses couches de laque.

Écran Fortissimo (1925 – 1926) de Jean Dunand, situé au Metropolitan Museum of Art de New York, États-Unis ; Metropolitan Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons.

Ses créations en laque ont d’abord été influencées par la culture japonaise et les thèmes naturalistes typiques des motifs de l’Art nouveau, mais il a ensuite écarté ces motifs au profit de formes plus abstraites et plus pures inspirées de l’art africain et du cubisme. Dunand faisait partie des designers Art déco les plus prolifiques qui ont utilisé la laque sur un large éventail de produits et de surfaces, des bijoux et des vases aux meubles, aux panneaux et même aux portraits.

Il a collaboré à plusieurs reprises avec d’autres designers Art déco notables, et ses tapisseries et pièces décoratives sont toujours très appréciées des collectionneurs d’art après plus de cent ans.

Émile-Jacques Ruhlmann (1879 – 1933)

Émile-Jacques Ruhlmann, un décorateur d’intérieur et de meubles français, a été un précurseur et un partisan passionné du style Art déco. Ruhlmann croyait beaucoup en la capacité de l’élite à sauver l’art, et contrairement à Le Corbusier, qui prêchait la rigidité et l’idéalisme, les créations de Ruhlmann correspondaient magnifiquement à l’attitude magnifique et luxueuse de l’époque.

Malgré son conservatisme dans l’utilisation des décorations, il a fabriqué ses meubles et ses éléments décoratifs à partir des meilleurs et des plus coûteux matériaux disponibles, tels que l’ivoire, les bois exotiques, la laque et les métaux précieux.

Textile « Sarrazin » (c. 1917) par Émile-Jacques Ruhlmann, situé au Metropolitan Museum of Art à New York, États-Unis; Jacques-Émile Ruhlmann, CC0, via Wikimedia Commons.

Ruhlmann était sans doute l’artiste préféré de l’aristocratie d’après-guerre soucieuse d’afficher son aisance et son goût. La plus grande réussite de Ruhlmann a peut-être été sa capacité à faire entrer les éléments royaux et classiques du passé dans une atmosphère contemporaine.

Ruhlmann est indéniablement un pionnier qui a contribué à définir le genre et continue d’influencer les designers d’aujourd’hui.

Sonia Delaunay (1885 – 1979)

Sonia Delaunay, artiste française d’origine russe, est l’une des créatrices Art déco qui continuent d’avoir un grand effet sur les tendances de la mode de nos jours. Delaunay a été la première créatrice à incorporer des idées abstraites dans le domaine de la mode, influencée par le fauvisme et le cubisme, et travaillant en collaboration avec les artistes dada et surréalistes.

Les principes du design géométrique étaient nouveaux et populaires entre 1920 et 1930, et certaines de ses plus grandes créations datent de cette période.

Photographie de Sonia Delaunay portant des créations Casa Sonia à Madrid, entre 1918 et 1920; AnonymeAuteur inconnu, peut-être par Zockoll, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Ses combinaisons innovantes de textiles et de couleurs lui ont valu la distinction de Créatrice de mode moderne à l’1925 Expo, et Delaunay est devenue célèbre pour ses robes en patchwork, qui étaient des expériences utilisant un mélange inhabituel et contemporain de matériaux et de couleurs divers.

Son travail avec les peintres dadaïstes dans les années 1920 a culminé dans le développement de ses « costumes-poèmes », qui comprenaient des motifs géométriques de couleur disposés à côté de vers de poésie.

Sonia Delaunay, l’une des plus célèbres stylistes de l’Art déco, a également créé des gilets imaginatifs pour Louis Aragon, Tristan Tzara, René Crevel et d’autres artistes surréalistes, et ses motifs géométriques continuent d’inspirer les lignes de mode haut de gamme aujourd’hui.

Démétre Chiparus (1886 – 1947)

Demetre Chiparus était un sculpteur roumain qui travaillait dans le style Art déco. Ses sculptures uniques représentaient des danseuses en costumes de ballet anciens égyptiens ou modernes, mélangeant généralement l’ivoire et le bronze dans un processus connu sous le nom de chryséléphantine. La mise au jour du tombeau de Toutânkhamon du vivant de Chiparus, ainsi que les Ballets russes de Serge Diaghilev, ont influencé le caractère stylisé et élancé de ses personnages.

Presque aucune peinture de Chiparus n’a été vendue pendant l’invasion nazie de Paris, mais le créateur a continué à sculpter des animaux sauvages dans le style Art déco.

Tânără (Girl) sculpture réalisée par Démétre Chiparus pour l’exposition de sculptures Art déco au 8e Congrès mondial de l’Art déco au Cap, en Afrique du Sud ; Colin Rose de Montréal, Canada, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

L’intérêt des collectionneurs pour ses œuvres a fait son retour dans les années 1970, et ses œuvres reçoivent aujourd’hui des évaluations élevées lors des ventes aux enchères. Les vêtements et les bijoux des personnages étaient typiquement inspirés de l’Orient, et ses sculptures sont généralement posées sur un socle en marbre.

Chiparus a également produit d’autres sculptures en porcelaine, en spéléologie ou en marbre, mais elles sont extrêmement rares. Il a également utilisé de la Plasteline pour créer certaines de ses figurines Art déco.

Le Corbusier (1887 – 1965)

Bien qu’il ait été l’un des critiques les plus virulents des arts ornementaux, l’architecte Le Corbusier est devenu au fil du temps étroitement lié au mouvement Art déco. Le label Art déco est généralement attribué à ce concepteur, même s’il n’est entré dans le lexique de l’histoire de l’art que dans les années 1960.

Lors de la première exposition Art déco en 1925, le pavillon de Le Corbusier représentait un contraste direct avec les motifs ornementaux grandioses qui caractérisaient le nouveau style.

Photographie de l’architecte franco-suisse Le Corbusier en 1964; Joop van Bilsen / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons.

Déjà icône de l’histoire de l’architecture, Le Corbusier s’est fait le champion de l’habitat conventionnel, de l’esthétique pure et des conceptions précises et logiques. Plus proche des concepts du Bauhaus, l’architecture de Le Corbusier était anti-décorative et s’opposait aux matériaux opulents, coûteux et exotiques privilégiés par les designers de l’Art déco.

Toutefois, en raison du lien étroit de l’Art déco avec l’esthétique moderniste et de ses premières réalisations en tant que décorateur, son nom est devenu crucial dans toute discussion sur l’histoire du style Art déco.

Georges Lepape (1887 – 1971)

L’un des peintres de l’Art déco les plus connus est Georges Lepape. Il a commencé sa carrière en produisant des illustrations pour Paul Poiret et est ensuite devenu l’un des illustrateurs les plus remarquables pour les magazines de mode. Jusqu’au milieu des années 1930, il était le principal dessinateur du magazine Vogue.

L’art de Georges Lepape est connu pour ses portraits humoristiques, ses formes curvilignes et son raffinement, que l’on retrouve dans ses affiches, ses gravures, ses illustrations et ses catalogues.

Couverture de Vanity Fair de décembre 1919 par l’illustrateur français Georges Lepape; Georges Lepape, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Georges Lepape, comme beaucoup d’autres peintres de l’Art déco, s’est inspiré des miniatures persanes, de l’orientalisme et de l’esthétique théâtrale proéminente des Ballets russes tout au long de sa carrière. Ses images mettant en scène des figures féminines minces portant le foulard sont représentatives de son esthétique, et l’on peut dire que les meilleurs aspects de ses personnages sont leurs dispositions détendues, leur confiance en soi et leur individualité.

Après 1938, Lepape se concentre sur l’illustration de livres, délaissant le monde de la mode.

Hildreth Meière (1892 – 1961)

Le Radio City Music Hall est une œuvre d’art de l’époque de l’art déco. Les trois ronds en émail et en métal situés près de l’entrée sur la façade sont ses caractéristiques les plus remarquables – mais en quelque sorte sous-estimées. Ils ont été conçus par Hildreth Meière, un artiste dont les fenêtres en verre, les mosaïques architecturales et les peintures murales peuvent encore être trouvées dans d’importants immeubles de bureaux, des églises, des gratte-ciel et des pavillons d’expositions universelles.

À l’époque de Meière, les femmes ne se voyaient pas souvent confier d’énormes commandes de peintures murales. Cependant, l’architecte Bertram Grosvenor Goodhue a joué un rôle déterminant dans le succès de Meière.

Song rondelle de Hildreth Meière, située dans le Radio City Music Hall du Rockefeller Center à New York City, États-Unis ; ricardo martins, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Reconnaissant ses compétences, il lui a présenté deux projets importants de peintures murales. Elle n’avait aucune expérience préalable en tant que muraliste, mais elle avait beaucoup d’ambition. Ces projets substantiels au début de sa carrière ont permis à Meière de démontrer ses capacités en tant que composante d’une équipe d’architectes. Après le décès de Goodhue en 1924, Meière a continué à travailler sur divers travaux avec son successeur, recevant les éloges et les honneurs du public.

Meière a commencé à expérimenter l’Art déco en 1923, et ce style est resté son préféré tout au long de sa carrière.

Romain de Tirtoff (Erté) (1892 – 1990)

Romain de Tirtoff, plus connu sous le nom d’Erté, est l’un des designers Art déco les plus connus. Né en 1892 à Saint-Pétersbourg, il s’est fait connaître comme l’un des illustrateurs et créateurs de mode les plus renommés de Paris dans les années 1920. Tirtoff a été reconnu pour ses créations de mode raffinées et fortement stylisées.

Entre 1915 et 1937, son travail est apparu sur la couverture de Harper’s Bazaar et dans d’autres publications de mode importantes telles que Cosmopolitan et Vogue.

Harper’s Bazaar couverture de février 1916 par Erté ; Erté, Public domain, via Wikimedia Commons.

À cette époque, il s’associe fréquemment avec Paul Poiret, un autre designer renommé de l’ère Art déco, et en plus de ses illustrations, il conçoit divers vêtements d’opéra et de théâtre, ainsi que des décors de scène. Ses concepts et illustrations sont généralement considérés comme romantiques et exotiques, avec une esthétique somptueuse. Ce designer Art déco a travaillé dans diverses disciplines au cours de sa longue carrière, qui s’est étendue sur près de huit décennies, allant de la création de bijoux à la décoration d’intérieur en passant par la sculpture.

Il a également travaillé sur diverses productions hollywoodiennes pendant un certain temps, créant des costumes et des décors pour des films tels que Ben-Hur (1959).

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Tamara de Lempicka (1898 – 1980)

Tamara de Lempicka est l’une des peintres Art déco les plus appréciées et les plus connues. Née en 1898 en Pologne et vivant à Paris après la révolution russe, Lempicka s’est imprégnée du mode de vie luxueux des mondains parisiens dans les années 1920, réalisant les portraits de nombreux personnages célèbres, notamment de l’aristocratie en exil, ce qui lui a valu les éloges de la critique, la reconnaissance et une richesse importante. Sa créativité est un beau reflet de son mode de vie glamour.

Tamara de Lempicka a créé sa méthode distinctive en s’inspirant des principaux courants picturaux de l’époque, tels que le cubisme.

Bien que son style soit résolument plus délicat que le style cubiste initial, et que les lignes et les formes féminines soient précises, élégantes et nettes. Tamara de Lempicka est considérée comme la meilleure représentante des peintres de l’Art déco en raison des couleurs vives et du style géométrique qui caractérisent ses œuvres et le genre en général. Elle était une portraitiste notable de son époque, appréciée par une clientèle aisée, et ses peintures sont encore bien accueillies aujourd’hui.

Depuis les années 1960, les gens écrivent sur l’Art déco, tentant de cerner et de décrire ce qu’est cette esthétique. C’est difficile à cerner, car les noms célèbres de l’Art déco se retrouvent dans la mode, la décoration intérieure, l’architecture, les transports, la publicité et bien plus encore, et leur style a imprégné même les appareils ménagers les plus banals comme les grille-pain. L’un des aspects communs de cette esthétique, cependant, est l’étalage de l’opulence et du luxe. Les peintres de l’Art déco ont également été influencés par des styles tels que le cubisme et l’orientalisme, comme en témoignent les motifs anguleux et les sujets exotiques.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce qui caractérise l’Art déco?

Le design Art déco symbolisait la modernité transformée en mode. Ses produits présentaient à la fois des articles de luxe fabriqués à la main et de l’artisanat produit en masse, mais l’objectif était d’établir un raffinement épuré et anti-traditionnel qui représentait la richesse et l’élégance. Des lignes simples et épurées, généralement d’aspect lisse, des embellissements géométriques ou stylisés à partir de formes figuratives, et des matériaux extraordinairement variés, souvent coûteux, qui contiennent régulièrement des composants artificiels à côté de composants naturels, sont des éléments caractéristiques du style Art déco.

Qu’est-ce qui a inspiré les artistes célèbres de l’Art déco ?

L’Art déco était un mélange unique de diverses influences, du cubisme au fauvisme, en passant par l’orientalisme et l’art nouveau. Il reprenait des éléments du passé exotique et les mélangeait au raffinement moderne. Des lignes lisses, des formes géométriques rigides, des couleurs extrêmement vives et des contrastes sont les caractéristiques de toutes les œuvres de l’Art déco. À ses débuts, il glorifiait le luxe et le potentiel du monde contemporain. Les figures humaines et mythiques, les animaux et les motifs géométriques étaient des thèmes populaires. De nouveaux matériaux, tels que le chrome, étaient développés par l’industrie. Les automobiles, les avions et les trains élégants devenaient de plus en plus omniprésents au cours de cette période, et l’énergie électrique était de plus en plus présente dans la vie de tous les jours. On trouve des échos de ces choses dans l’art Art déco.