Surréalisme – Découvre le mouvement artistique

Qu’est-ce que le surréalisme ? Quelle est la définition de l’art surréaliste et quelles sont les caractéristiques du surréalisme ? Dans cet article, nous allons explorer en profondeur le mouvement artistique du surréalisme : de l’histoire de l’art surréaliste aux exemples de peintures et de sculptures surréalistes.

Qu’est-ce que l’art surréaliste?

Commençons par une définition de l’art surréaliste. L’art surréaliste est un peu plus difficile à définir que d’autres tendances artistiques, qui peuvent se distinguer par des jeux de couleurs, des sujets picturaux ou des décisions stylistiques. Les artistes surréalistes utilisent une variété de médias sans limites pour produire des visuels surréalistes, parfois grotesques, comme moyen d’explorer la psyché inconsciente.

L’idée première du surréalisme est de mettre l’accent sur la représentation instinctive des idées les plus profondes qui viennent à l’esprit.

Allereerste Gedachten (Premières pensées) (2004) de Willem den Broeder ; Willem den Broeder, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Cette façon de penser est appelée « automatisme » en art. L’automatisme psychique pur est la méthode par laquelle on entend communiquer les fonctions subliminales de l’esprit, que ce soit oralement, par écrit ou de toute autre manière. Dictée de l’esprit sans aucune influence de la raison et sans aucune considération d’ordre esthétique ou moral.

Caractéristiques du surréalisme

L’automatisme est une technique utilisée dans la peinture surréaliste lorsque l’artiste enregistre simplement ses propres notions sans faire de pause ni les structurer. Dans les peintures et les sculptures surréalistes, les formes juxtaposées sont fréquemment utilisées, regroupant des éléments visuels incongrus.

Même s’ils ne semblent pas pertinents, les surréalistes tentent de créer des liens entre les deux éléments surréalistes en puisant dans l’inconscient et en dépeignant des relations grâce à ces juxtapositions.

Lobster Telephone (1936) de Salvador Dalí, tel qu’il est présenté à la Tate Modern à Londres, Royaume-Uni ; Nacaru, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons.

L’application de l’inconscient par l’artiste est une composante fondamentale du mouvement artistique surréaliste, mais l’actualité et le conscient interagissent également avec cet état de conscience lorsque l’inconscient trouve un moyen de représenter la réalité et de la traduire sur les toiles créées par ces artistes.

Alors que certains artistes se fient uniquement à ce que leur subconscient leur apporte, comme dans l’automatisme, d’autres utilisent les rêves et les fantasmes pour former une interprétation de la réalité et peuvent générer une peinture surréaliste onirique avec une signification.

De nombreuses autres techniques peuvent être utilisées, comme le frottage, qui consiste à appliquer la texture du papier du dessous à l’aide d’instruments tels qu’un crayon de cire. La peinture surréaliste automatique consistait à dessiner des formes autour de formes générées de façon aléatoire, qui peuvent être produites en appliquant de la saleté et de la colle sur le papier. Les peintures surréalistes automatiques sont un exemple de dessin sans aucune intention délibérée.

L’histoire du mouvement artistique surréaliste

Bien que l’art surréaliste soit peut-être l’aspect le plus connu du genre, c’est aussi le plus difficile à reconnaître et à classer. Chaque artiste a utilisé des thèmes récurrents qui leur sont venus dans leurs rêves ou leur inconscient.

A son niveau le plus élémentaire, l’œuvre d’art est bizarre, déroutante et même déstabilisante puisqu’elle est censée faire sursauter le spectateur de ses présomptions familières.

Le début du mouvement artistique surréaliste

Le mouvement Dada, qui s’opposait lui aussi à la complaisance de la classe moyenne, a donné naissance au surréalisme. Néanmoins, l’art a subi plusieurs influences. Giorgio de Chirico, un prédécesseur des surréalistes qui, comme eux, employait une imagerie étrange avec des juxtapositions troublantes, a été la plus grande inspiration directe des surréalistes.

Ils étaient également attirés par des peintres contemporains comme Arnold Bocklin, Gustave Moreau, Redon et Henri Rousseau qui s’adonnaient au primitivisme, au naïf ou à l’iconographie magique.

Même les maîtres de la Renaissance comme Hieronymus Bosch et Giuseppe Arcimboldo, qui étaient moins préoccupés par des préoccupations esthétiques, notamment la forme et la couleur, et plus poussés à produire ce que les surréalistes considéraient comme le « réel », ont servi d’influence à cet égard. Après la désintégration de Dada à Paris, le mouvement artistique surréaliste a émergé en tant que mouvement littéraire étroitement associé à Dada. Le désir d’André Breton de donner un sens à Dada s’est heurté à l’anti-autoritarisme de Tristan Tzara.

Christ dans les limbes (c. 1575) par un suiveur de Hieronymous Bosch ; Suiveur de Hieronymus Bosch, Domaine public, via Wikimedia Commons.

En publiant le Manifeste du surréalisme en 1924, Breton, parfois appelé le « pape » du surréalisme, a établi la cause comme officielle. Néanmoins, Guillaume Apollinaire a utilisé le mot « surréalisme » pour la première fois en 1917, lorsqu’il l’a utilisé dans les notes d’accompagnement de Parade, un ballet, qui a été créé par Erik Satie, Leonide Massine, Pablo Picasso et Jean Cocteau.

Le premier manifeste de Breton a été publié au moment où les surréalistes ont commencé à publier La Révolution surréaliste, un périodique qui était principalement consacré à la littérature, mais qui présentait également des reproductions d’œuvres de Man Ray, Ernst, de Chirico et André Masson. La publication a duré jusqu’en 1929. À Paris, en 1924, le Bureau de recherches surréalistes a également été fondé.

Le but de ce groupe d’auteurs et d’artistes vaguement connectés était de « rassembler toutes les connaissances relatives aux formes susceptibles de refléter le fonctionnement inconscient de l’esprit. »

Illustration de Robert Delaunay pour la couverture du Surréalisme d’Yvan Goll, Manifeste du surréalisme Volume 1, Numéro 1, 1er octobre 1924 ; Robert Delaunay, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Ils se sont réunis et ont interviewé des gens pour leurs recherches. Le Bureau, sous la direction de Breton, a établi deux archives : l’une pour les informations sur l’activité sociale et l’autre pour les images de rêves. Chaque jour, au moins deux personnes travaillaient dans le bureau, l’une pour accueillir les invités et l’autre pour noter leurs observations et remarques, qui étaient ensuite ajoutées aux archives.

Ces notions révolutionnaires ont été signées par 27 personnes, dont Ernst, Breton et Masson, et ont été publiées par le Bureau en janvier 1925.

Surréalisme Styles et concepts artistiques

Le surréalisme et Dada, le mouvement dont il est issu, partageaient tous deux un fort antirationalisme. Les premiers surréalistes parisiens se sont tournés vers leur travail pour échapper à des événements politiques tendus et pour exprimer leur inquiétude face à l’imprévisibilité du monde.

Les artistes produisaient des œuvres d’art dans une multitude de médiums en utilisant l’imagination et les images de rêve, en révélant leurs pensées intérieures dans des méthodes non conventionnelles et métaphoriques, en déterrant des inquiétudes et en les abordant logiquement à travers des matériaux visuels.

Peintures surréalistes

Les peintures surréalistes ont été définies par deux genres ou techniques. Les peintures surréalistes hyperréalistes comme celles d’Yves Tanguy, de Salvador Dali et de René Magritte soulignent le caractère onirique de leurs sujets en les représentant avec des détails précis et en donnant l’impression qu’ils sont tridimensionnels. Ces peintures surréalistes utilisent fréquemment des combinaisons de couleurs vives ou monochromes, qui suggèrent toutes deux une ambiance onirique.

De nombreux surréalistes ont également fortement favorisé l’automatisme comme technique d’accès au subconscient.

Les Voix Intérieures (1984 – 1985) de Didier Mazuru ; Didier Mazuru, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Des artistes comme Max Ernst et Joan Miró ont employé diverses méthodes, notamment le collage, le frottage et le grattage, pour produire des œuvres d’art inattendues et parfois bizarres. Les collages ont également été produits par des artistes comme Hans Arp en tant que pièces autonomes. Il n’y avait pas d’opposition entre l’automatisme et l’hyperréalisme. Par exemple, Miro utilisait fréquemment les deux techniques dans une même pièce.

Quelle que soit la façon dont le sujet était choisi ou présenté, il était toujours étrange et destiné à déconcerter et à déstabiliser.

Surréalisme Sculptures et objets

Depuis le début du 19ème siècle, l’objet, selon Breton, se trouve dans une position de crise. Breton pensait que cette impasse pourrait être brisée si l’objet était vu dans toute sa particularité, comme si c’était la première fois. L’objectif était de créer des objets « surréalistes » par le biais de ce que Dada appelait l’aliénation plutôt que de créer des produits surréalistes pour choquer la classe moyenne. L’intention était de « défamiliariser » l’objet en le délogeant de son environnement habituel. La chose pouvait alors être vue clairement sans le voile de son cadre culturel une fois sortie de son contexte habituel.

Ces étranges associations d’objets étaient également censées éclairer les forces psychologiques tumultueuses qui sous-tendent l’apparente actualité de la réalité.

Marcel Duchamp’s Fountain (1917), photographie d’Alfred Stieglitz à la 291 Art Gallery suite à l’exposition de 1917 de la Society of Independent Artists, avec étiquette d’entrée visible. La toile de fond est The Warriors de Marsden Hartley ; Marcel Duchamp, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Seuls quelques surréalistes sont connus pour leurs sculptures surréalistes. Arp était un pionnier du mouvement Dada et est surtout reconnu pour ses peintures biomorphiques. Les œuvres de Giacometti étaient des formes sculpturales plus classiques, dont la plupart étaient des créatures de combinaison homme-insecte, tandis que celles d’Oppenheim étaient des combinaisons bizarres qui sortaient des choses familières de leur cadre normal.

Dalí, qui est moins connu pour ses travaux en 3D, a construit quelques installations intrigantes, notammentTaxi pluvieux(1938), un taxi avec des mannequins et un réseau de tuyaux qui produisaient de la « pluie » à l’intérieur du véhicule.

Surréalisme Photographie

La photographie a joué un rôle important dans l’art surréaliste car elle a permis aux artistes de créer simplement des images inquiétantes. Pour étudier l’écriture automatique, des artistes comme Maurice Tabard et Man Ray ont utilisé des techniques telles que l’impression combinée, la double exposition, le montage et la solarisation, cette dernière permettant d’éviter complètement l’utilisation d’un appareil photo.

D’autres photographes ont créé des photos bizarres en faisant pivoter ou en déformant leurs sujets.

Photographie de l’artiste surréaliste Salvador Dalí, intitulée Dali Atomicus (c. 1948), par Philippe Halsman ; Philippe Halsman, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’instantané prosaïque, lorsqu’il est vu à travers une sensibilité surréaliste et isolé de son environnement ordinaire, était également apprécié par les surréalistes. Sans rapport avec l’usage auquel ils étaient destinés, les journaux surréalistes présentaient des photos de tous les jours, des photos de police, des photos de films et des photos documentaires. Par exemple, les photos de Paris prises par Eugène Atget ont suscité l’admiration des surréalistes. Les représentations d’Atget d’un Paris qui se dissipe rapidement étaient perçues comme des rêves irrationnels.

Les images d’Atget de rues et de devantures désertées ont rappelé le concept des surréalistes qui considéraient Paris comme une « métropole de rêve »

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L’émergence et la chute du mouvement artistique surréaliste

Bien qu’ayant ses racines en France, le surréalisme a influencé l’art dans le monde entier. De nombreux artistes ont été entraînés dans son cercle, en particulier dans les années 1930 et 1940, lorsque la montée de l’agitation politique et la deuxième guerre mondiale ont alimenté les inquiétudes selon lesquelles la société telle que nous la connaissons était au bord de la crise et de l’effondrement. De nombreux surréalistes se sont installés en Amérique pendant la Seconde Guerre mondiale, diffusant ainsi davantage leurs opinions.

Toutefois, l’émergence de l’existentialisme après la guerre, qui célébrait l’individualité mais était plus logiquement fondé que le surréalisme, avait mis les croyances du groupe à l’épreuve.

BrainChain (2001) de Willem den Broeder ; Willem den Broeder, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

En inventant de nouvelles méthodes pour représenter l’inconscient, les expressionnistes abstraits dépassent la suprématie des surréalistes dans les arts et absorbent leurs idées. Breton s’engage de plus en plus dans l’objectif principal du mouvement, qui est une action politique révolutionnaire.

Le mouvement initial s’est divisé en groupes artistiques plus spécialisés en conséquence.

Les bretons pensaient que l’art était fondamentalement politique, comme Roberto Matta. D’autres ont choisi de rester en Amérique et de se détacher de Breton, notamment Max Ernst, Yves Tanguy et Dorothea Tanning. Salvador Dalí, qui partageait cette croyance en l’importance de l’individu dans l’art, s’est retiré en Espagne.

Expressionnisme abstrait

Fantastic Art, Dada, and Surrealism est le nom d’une exposition qui s’est tenue en 1936 au musée d’art moderne de New York, et qui a laissé une profonde impression sur de nombreux créateurs américains. Certains artistes, dont Jackson Pollock, ont commencé à expérimenter l’automatisme et les images qui semblaient provenir de l’inconscient ; ces tentatives ont par la suite inspiré ses œuvres « goutte à goutte ».

A l’instar de Robert Motherwell, on prétend que l’automatisme et l’abstraction l’ont laissé « coincé entre les deux réalités ». »

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Rebus sortant d’un rêve par Didier Mazuru ; Didier Mazuru, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

En raison de l’agitation politique en Europe, New York, et non Paris, est devenue la plaque tournante d’une nouvelle élite qui préférait utiliser l’abstraction pour accéder au subconscient, par opposition aux « visions peintes à la main » de Salvador Dalí. L’exposition Peggy Guggenheim de 1942, qui comprenait des peintres influencés par le surréalisme ainsi que des peintres européens Klee, Miró et Masson, souligne la rapidité avec laquelle les idées surréalistes ont imprégné la scène artistique new-yorkaise.

Surréalisme et féminisme

Les surréalistes étaient souvent considérés comme un groupe d’hommes très unis, et leurs œuvres d’art représentaient fréquemment les femmes comme des « autres » indomptés dans la société éduquée et saine d’esprit. Depuis, des travaux d’historiennes de l’art féministes ont rectifié cette idée fausse en notant la contribution significative des femmes surréalistes, notamment au cours des années 1930, ainsi qu’en examinant les préjugés sexistes présents dans de nombreuses œuvres surréalistes.

Les critiques d’art féministes ont écrit divers livres et organisé des expositions sur ce sujet, notamment Mary Ann Caws, Dawn Ades et Whitney Chadwick.

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Fermez la lumière, on mange des pâtes (2019) de Daria Shcherba ; Daria Shcherba, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Les femmes surréalistes comme Lee Miller, Claude Cahun et Dorothea Tanning ont tenté d’aborder la mise en œuvre gênante de la psychanalyse freudienne qui plaçait fréquemment les femmes comme grotesques et inférieures, tandis que la majorité des hommes surréalistes, en particulier Magritte, Man Ray et Dal, se sont concentrés de manière répétitive sur la forme féminine ou l’ont contournée et ont illustré les femmes comme des muses, de la même manière que les hommes l’avaient fait pendant des siècles.

En conséquence, beaucoup de femmes surréalistes ont expérimenté les vêtements comme différents animaux ou créatures mythiques.

Le surréalisme en Angleterre

Il est intéressant de noter à quel point les femmes surréalistes britanniques étaient en vue. Parmi les pionnières, on peut citer Emmy Bridgwater, Eileen Agar et Ithell Colquhoun. La recherche continue des liens entre l’homme et le monde naturel, en particulier avec la mer, était unique à l’expression britannique de la philosophie surréaliste. Paul Nash partageait la fascination d’Agar pour l’objet trouvé, qui se compose généralement d’objets ramassés au bord de la mer.

L’accent mis sur la frontière entre les rivages, où les rochers ressemblent anthropomorphiquement à des humains, résonnait à la fois avec l’identité britannique et, plus largement, avec les concepts surréalistes de rapprochement et de réconciliation des opposés.

Exemple de tableau surréaliste, artiste inconnu; Aucun auteur lisible par machine n’a été fourni. Vues3d supposées (sur la base des revendications de droits d’auteur)., CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Le style s’est épanoui en Grande-Bretagne, donnant naissance à des géants mondiaux tels que Lee Miller et Leonora Carrington, ainsi qu’à un autre groupe important d’artistes comprenant Barbara Hepworth, Ben Nicholson et Henry Moore. Dans l’ensemble, l’accent mis sur une imagination excentrique et le rejet fondamental des modes de pensée conventionnels et logiques a tout de suite touché une corde sensible.

L’héritage du surréalisme britannique, en particulier, de cet âge d’excellence artistique générale au Royaume-Uni, continue d’avoir un impact sur l’art contemporain dans cette nation.

Exemples importants d’art surréaliste

Pour libérer le potentiel de l’esprit, les surréalistes ont tenté d’accéder au subconscient. Les surréalistes, qui méprisaient la rationalité et le réalisme textuel et s’inspiraient grandement de la psychanalyse, estimaient que le potentiel de l’imagination était supprimé par l’esprit logique parce qu’il était accablé par les tabous.

Le désir des surréalistes d’accéder à l’inconscient, ainsi que leur fascination pour les mythes et le primitivisme, ont influencé un certain nombre de groupes suivants et continuent de le faire.

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Ils suivent les traditions romantiques en mettant l’accent sur le potentiel de l’imagination individuelle, mais contrairement à leurs prédécesseurs, ils pensaient que la perspicacité pouvait être découverte dans la vie quotidienne et dans la rue. Nous allons maintenant explorer quelques exemples significatifs de peintures et de sculptures surréalistes.

Carnaval d’Arlequin (1925) de Joan Miró

Il s’agit du couronnement d’un ensemble de peintures de Joan Miró qui intègrent la palette de couleurs et les paysages de sa Catalogne natale, en Espagne. Le mystérieux personnage au masque mi-bleu, mi-rouge et à la tunique à motifs de diamants au centre-gauche de la toile fait allusion à la commedia dell’arte italienne. L’Arlequin est un personnage de stock stupide qui est tout à fait inapte à trouver le grand amour dans ce type de théâtre commun.

L’arlequin a souvent servi de substitut à l’artiste. Les œuvres d’art de Pablo Picasso ont initié Miró à cette coutume.

À l’époque où il a peint ce tableau, le seul aliment que Miró pouvait se permettre de donner à dîner à un ami était le radis. Il se souvient être rentré chez lui après une journée sans repas et avoir esquissé les formes qui deviendraient plus tard cette œuvre d’art alors qu’il était dans une semi-transe. Par conséquent, le dénuement personnel et la faim de Miró peuvent être suggérés par le trou dans l’estomac d’Arlequin. Néanmoins, les autres personnages semblent s’amuser comme des fous tout au long de l’œuvre.

La célébration du Mardi Gras, qui précède l’abstinence pendant la saison du Carême dans le calendrier catholique, serait référencée dans le titre du tableau.

De nombreux fêtards ressemblent à la fois à des personnes et à des animaux, et certains d’entre eux sont des choses anthropomorphisées, comme l’échelle avec une oreille et un œil. La musique est pratiquement dans l’air tandis que les êtres hybrides jouent, chantent, dansent et font la fête.

Bataille de poissons (1926) d’André Masson

Masson a créé cette œuvre en brossant généreusement du gesso sur des sections de toile sélectionnées, en saupoudrant du sable sur le dessus, puis en enlevant l’excédent. Selon Masson, les formes résultantes autour desquelles il a rapidement dessiné et appliqué de la peinture directement à partir des tubes, indiquaient des formes- » bien que presque habituellement absurdes.  »

L’image qui a fait surface semble représenter un conflit sous-marin féroce entre des poissons aux dents acérées. Après avoir subi des blessures matérielles et spirituelles lors de la Première Guerre mondiale, Masson rejoint le mouvement surréaliste en 1924.

Il pensait que des arrangements d’images aléatoires exposeraient le sadisme de tous les êtres vivants.

Maman, Papa est blessé ! (1927) de Yves Tanguy

Cette image évoque un paysage post-apocalyptique en raison de son étendue, de sa palette de couleurs ternes et de son éclairage d’un autre monde. Des ombres sombres sont produites par des objets volants, évoquant le surréaliste plus ancien Giorgio de Chirico. L’objet en forme de cactus planant vers l’horizon et attaché à une toile d’araignée géométrique semble n’être ni emprisonné ni totalement libre.

Le titre de l’œuvre confond plutôt qu’il ne révèle sa signification, ce qui est typique de l’interaction du surréalisme entre le langage et l’imagerie.

Tanguy a recherché dans des études psychiatriques des individus dont les mots peuvent servir d’inspiration pour des images et des titres avec Breton (qui, en tant que chirurgien de champ de bataille, avait employé les techniques de Sigmund Freud pour guérir les troupes blessées mentalement). Cet article, selon Tanguy, était l’un d’entre eux. Différents points de vue sur cette image ont été avancés.

Par exemple, elle exprime l’effroi accru qui a suivi la brutalité de la Première Guerre mondiale en faisant des parallèles avec elle. Ou même que le cactus peut être une mère, le vrac indistinct un enfant, et la forme jaune dressée un père.

Cependant, la pièce continue d’être énigmatique, refusant de divulguer ses secrets et incarnant l’ambiguïté volontaire de l’iconographie surréaliste.

Les accommodements du désir (1929) de Salvador Dalí

Cette œuvre, que Dali a peinte pendant l’été 1929, juste après s’être rendu à Paris pour sa première exposition surréaliste, illustre parfaitement le talent de Dal pour capturer avec précision ses visions sauvages et vives. Il a créé l’approche paranoïaque-critique, qui utilise la paranoïa auto-infligée et la pensée illogique méthodique pour accéder à son inconscient. En raison de leur apparence réaliste et de leur aspect onirique troublant, il qualifiait les pièces finales de « photos de rêves peintes à la main. »

L’intrigue de l’œuvre est basée sur les inquiétudes de Dalí concernant sa relation avec Gala Eluard, l’épouse de l’artiste Paul Eluard.

Ses craintes concernant son avenir avec Gala sont représentées par les « cailloux » blancs et grumeleux, qui tournent autour des idées de panique et de désintégration. Les préoccupations les plus sombres de Dali sont exposées dans Les accommodements du désir, qui mélange son approche habituelle de la peinture hyperréaliste avec des méthodes de collage moins orthodoxes.

On pense que les têtes de lion, collées sur la toile, proviennent d’un livre pour enfants.

Le palais à 4 heures (1932) d’Alberto Giacometti

Parmi les rares surréalistes à se concentrer sur la sculpture, il y a Giacometti. Cette pièce délicatement construite a été motivée par sa préoccupation pour Denise l’année précédente en tant qu’amant. À ce sujet, il a déclaré : « Pendant six mois, j’ai été en compagnie d’une dame qui, en concentrant toute la vie en elle, m’a enchanté à chaque instant. Dans l’obscurité, nous construisions un délicat château fait d’allumettes en forme de palais fantaisiste. Un morceau entier tombait au moindre faux mouvement. Nous recommencions toujours. »

Il a avoué à Breton en 1933 qu’il était incapable de créer quoi que ce soit qui ne l’implique pas.

Son intérêt amoureux et peut-être sa mère sont représentés dans l’œuvre sous forme de symboles ou d’images. L’interprétation d’autres images, comme l’oiseau, est plus difficile. Par conséquent, l’emplacement particulier des objets et le titre de l’œuvre, qui semblent n’avoir aucun lien avec le scénario mis en place, lui confèrent un sentiment de mystère et d’anxiété, comme si quelque chose d’effrayant était sur le point de se produire. L’œuvre d’art dépeint la fragilité de la mémoire et du désir ardent avec sa simplicité enfantine.

La façon dont Giacometti dépeint la solitude de plusieurs personnes indique son implication d’après-guerre dans l’existentialisme.

La condition humaine (1933) de René Magritte

Le chevalet de The Human Condition est positionné devant une fenêtre et à l’intérieur d’une pièce. Une peinture non encadrée d’une scène qui semble être identique à la scène à l’extérieur de la fenêtre est exposée sur le chevalet. La première impression porte à croire que l’œuvre d’art sur le chevalet montre la zone de la scène au-delà de la fenêtre qu’elle obscurcit.

L’idée que les images de l’œuvre d’art de Magritte sont authentiques et que le tableau sur le chevalet n’est qu’une représentation de cette réalité est erronée, cela devient clair après une minute de réflexion.

Dans les faits, ils sont identiques l’un à l’autre. Les deux sont des composantes de la même œuvre d’art ou de la même création créative. Le titre de Magritte peut être une référence à ce cycle continu dans lequel l’observateur, même contre sa volonté, perçoit l’un comme la réalité et l’autre comme une projection.

Le rideau de ce tableau de Magritte évoquait une technique de trompe-l’œil utilisée par un certain nombre de maîtres anciens pour attirer le public dans le contenu, souligner la mise en scène de la scène et également démontrer leur propre capacité à représenter quelque chose d’aussi réaliste que les rideaux suspendus devant un tableau.

Un exemple de cela est La jeune fille à la boucle d’oreille perlée de Johannes Vermeer.

Objet (1936) de Meret Oppenheim

Une tasse à thé, une soucoupe et une cuillère font partie de Objet, tous recouverts de fourrure animale de manière évocatrice.Cette image est considérée comme l’une des images clés du surréalisme, car elle représente la manière dont les objets quotidiens défient la raison et la logique. À première vue, un objet pourrait sembler peu attrayant ou même stupide, ce qui contraste fortement avec les plus beaux exemples d’œuvres d’art, tels que le paysage brillant, les coups de pinceau audacieux et les couleurs vibrantes de Starry Night. Même les parties sculpturales en 3D dans Objet s’écartent des conventions établies. Il est clair qu’il ne s’agit pas de ta peinture eurocentrique standard.

Au premier abord, Objet semble n’être rien de plus qu’un reconditionnement de concepts et de techniques dépassés.

La cuillère, la soucoupe et la tasse sont des objets en porcelaine ordinaire. L’utilisation d’objets préfabriqués dans la réalisation d’œuvres d’art n’est pas exclusive à Objet;elle a déjà été faite par des artistes comme Marcel Duchamp avec sa pièce emblématiqueFontaine.Objetlaisse néanmoins un fort impact. La teinte terreuse du brun de l’extérieur représente un retour à la simplicité et une prise de conscience de la monotonie de la vie quotidienne. De plus, pourquoi de la fourrure ? Qu’est-ce qui fait la gazelle ?

Ce support spécifique peut être une référence au commerce américain de la fourrure, qui s’est étendu sur les années 1790 à 1890 et qui était important d’un point de vue économique et social.

Bien qu’il existe de nombreuses divergences d’opinion parmi les historiens de l’art, certains considèrent que la fourrure est de nature sexuelle et font référence à des caractéristiques fétichistes dans l’ensemble doublé de fourrure ; d’autres pensent queObjet est lié à la transformation magique du surréalisme dans le passage de la céramique lisse à une fourrure touffue pour atteindre un plus grand état de conscience.

Le mouvement artistique du surréalisme affirmait que les Lumières, une révolution intellectuelle importante qui promouvait l’individualité et la raison aux XVIIe et XVIIIe siècles, avaient étouffé les plus grandes capacités de l’esprit inconscient et irrationnel. Le but du surréalisme était de libérer l’esprit, le langage et la condition humaine des contraintes de la rationalité. Le but du surréalisme était de libérer les gens de l’ordre logique de la société par le biais d’un mouvement révolutionnaire.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que le surréalisme?

Le mouvement littéraire et créatif connu sous le nom de surréalisme a été lancé à Paris en 1924 par le poète André Breton. Les surréalistes ont eu la possibilité de créer un art inconscient par le biais de la pratique de l’automatisme, qui est analogue à l’association libre ou à un flux de conscience. L’élément de hasard a été adopté par les artistes qui ont utilisé des processus automatisés, souvent avec des résultats inattendus. Cependant, tous les surréalistes ne choisissent pas de produire un tel art abstrait. De nombreux surréalistes ont compris que la représentation d’une chose telle qu’elle apparaît dans le monde réel peut évoquer plus puissamment des connexions chez le spectateur qui conduiraient à la révélation d’une réalité plus profonde et inconsciente.

Quelles sont les caractéristiques du surréalisme?

L’utilisation de l’inconscient par l’artiste est une composante majeure du mouvement artistique surréaliste, mais la réalité et le conscient interagissent également avec cet état de conscience lorsque l’inconscient élabore une méthode pour représenter la réalité et la transférer sur les toiles réalisées par ces artistes. Alors que certains artistes, comme les automatistes, se fient uniquement à ce que leur subconscient leur apporte, d’autres utilisent les rêves et l’imagination pour construire une interprétation de la réalité, ce qui donne lieu à une œuvre d’art surréaliste significative.