Henri Matisse – Une exploration de la vie et de l’art d’Henri Matisse

Henri Matisse est largement considéré comme l’un des artistes les plus responsables de la définition des avancées transformatrices dans les arts graphiques au cours des premières décennies du 20e siècle, responsable d’avancées clés dans la sculpture et la peinture. Les peintures d’Henri Matisse lui ont valu la renommée de Fauve en raison de leur fort colorisme. La plupart des plus beaux exemples des œuvres d’Henri Matisse ont été réalisés au cours de la décennie qui a suivi 1906, lorsqu’il a établi un style discipliné mettant l’accent sur les formes aplaties et les motifs colorés. La maîtrise par l’artiste Matisse du langage évocateur de la couleur et de l’esquisse, démontrée dans un ensemble d’œuvres s’étendant sur plus d’un demi-siècle, l’a établi comme une figure éminente de l’art contemporain.

Une biographie d’Henri Matisse

Les dessins et les peintures de Matisse ont contribué à faire progresser l’importance de l’ornementation dans l’art contemporain. Dans des œuvres telles que La Danse(1909)de Matisse, nous sommes en mesure d’observer l’importance de la figure humaine dans sa production créative. Les portraits de Matisse, tels queLa femme au chapeau(1905), se moquent de l’art du portrait traditionnel.

Malgré le fait qu’il soit souvent reconnu comme un artiste dédié au plaisir et à l’épanouissement, son emploi des motifs et des couleurs est fréquemment déroutant et déconcertant. Après 1930, il poursuit une forme plus audacieuse de simplification. Lorsque la santé de l’artiste Matisse lui interdit de peindre dans ses dernières années, il développe une œuvre importante dans la technique du collage de papier.

Vie précoce et éducation

Henri Matisse est né dans la ville du Cateau-Cambrésis, dans le nord de la France, fils aîné d’un riche négociant en grains. Il commence à peindre en 1889 après que sa mère lui a envoyé du matériel d’art pendant une période de récupération après un épisode d’appendicite. Il découvre « une sorte de paradis », comme il l’appellera plus tard, et décide de devenir peintre, au grand dam de son père. Il retourne à Paris en 1891 pour poursuivre son travail artistique à l’Académie Julian avec William-Adolphe Bouguereau. Il commence par peindre des natures mortes et des vues à la manière classique, qu’il finit par maîtriser.

Matisse a été influencé par des peintres antérieurs tels qu’Antoine Watteau et Nicolas Poussin, ainsi que par l’art japonais et des artistes contemporains tels qu’Édouard Manet. Chardin faisait partie des artistes préférés de Matisse ; lorsqu’il était élève, il a copié quatre œuvres de Chardin au Louvre.

En 1896, alors que Matisse n’est encore en grande partie qu’un érudit de l’art inconnu, il approche John Russell, l’artiste australien installé sur l’île de Belle Île, au large de la côte bretonne. Russell l’expose à l’impressionnisme et à l’art de Vincent van Gogh, une connaissance de Russell, et lui offre un dessin de Van Gogh. L’approche de Matisse change radicalement, abandonnant sa palette de tons de terre au profit de couleurs brillantes. Il a ensuite affirmé que Russell était son instructeur et que ce dernier lui avait enseigné la théorie des couleurs.

Photographie de l’artiste français Henri Matisse dans la publication Men of Mark, publiée le 13 mai 1919 ; Alvin Langdon Coburn, Public domain, via Wikimedia Commons.

En 1894, il a un enfant, Marguerite, avec la belle Caroline Joblau. Il épouse Amélie Noellie Parayre en 1898 ; le couple élève Marguerite conjointement et a deux fils, Pierre et Jean. Matisse utilise fréquemment Amélie et Marguerite comme modèles. Sur la recommandation de Camille Pissarro, il se rend à Londres en 1898 pour examiner les œuvres de J. M. W. Turner avant de voyager en Corse.

En février 1899, il rentre en France et collabore avec Albert Marquet, où il rencontre Jean Puy, André Derain et Jules Flandrin. Matisse s’engage dans l’art des autres, s’endettant au passage en achetant des œuvres d’artistes qu’il respecte.

Un buste en plâtre de Rodin, un tableau de Gauguin, une esquisse de Van Gogh et les « Trois baigneuses” (1879 – 1882) de Cézanne font partie des œuvres qu’il a accrochées et exposées chez lui. Matisse a découvert son influence majeure dans la maîtrise de la forme picturale et de la couleur de Cézanne.

L’affaire Humbert, un énorme scandale financier, engloutit les parents d’Amélie en mai 1902. Ses parents ont été désignés comme boucs émissaires dans l’affaire, et sa famille a été menacée par des hordes de victimes d’escroquerie irritées. « Leur examen par les médias, suivi de l’incarcération de son beau-père, a laissé Henri Matisse l’artiste comme seul soutien financier d’une famille immédiate de sept personnes », notent les historiens de l’art.

Matisse a développé une technique de peinture quelque peu sombre et obsédée par la forme de 1902 à 1903, une transition qui avait probablement pour but de générer des peintures commercialisables pendant cette période de difficultés financières.

Après avoir tenté sa première sculpture, une réplique d’Antoine-Louis Barye en 1899, Matisse a passé le plus clair de son temps et de ses efforts à travailler l’argile, créant « L’esclave” en 1903.

Période de maturité

Le fauvisme en tant que genre est apparu vers 1900 et existait encore après 1910. Le groupe dans son ensemble n’a duré que quelques années, de 1904 à 1908, et a organisé trois expositions. La première exposition personnelle de Matisse en 1904, à la galerie d’Ambroise Vollard, est décevante. Luxe, Calme et Volupté, son chef-d’œuvre néo-impressionniste le plus important, est achevé en 1904. En 1905, il retourne dans le sud pour collaborer avec André Derain à Collioure.

Ses œuvres de cette époque se distinguent par des formes plates et des lignes retenues, et il emploie le pointillisme de manière moins sévère qu’auparavant. Les peintures de Matisse utilisaient des couleurs audacieuses et souvent discordantes pour évoquer l’émotion, avec peu de respect pour les couleurs inhérentes au sujet.

Au Salon d’Automne de 1905, Matisse a exposé Femme au chapeau (1905) et Fenêtre ouverte(1905). Louis Vauxcelles, un critique, décrit une statue solitaire entourée d’une frénésie de tons purs comme « Donatello au milieu des créatures sauvages », faisant allusion à une œuvre de style Renaissance qui occupait l’espace avec eux.

Sa remarque est publiée dans le quotidien Gil Blas le 17 octobre 1905 et devient rapidement populaire. L’exposition suscite des critiques cinglantes – « un pot de peinture a été jeté à la face du peuple », déclare le critique Camille Mauclair – mais aussi quelques avis positifs. Lorsque Gertrude et Leo Stein achètent la Femme au chapeau(1905) de Matisse, qui avait fait l’objet d’une censure particulière, l’humeur de l’artiste en difficulté s’améliore sensiblement.

Matisse, avec André Derain, était considéré comme un chef de file des Fauves ; les deux hommes étaient des concurrents amicaux, chacun ayant son propre public.

Raoul Dufy, Georges Braque, et Maurice de Vlaminck en étaient également membres. Gustave Moreau, artiste symboliste, est l’inspirateur du mouvement. En tant que professeur à l’École des Beaux-Arts de Paris, il encourageait ses élèves à sortir des limites du formalisme et à poursuivre leurs propres idéaux.

Dans un article publié dans La Falange en 1907, Guillaume Apollinaire a dit de Matisse : « Nous ne sommes pas ici en présence d’un effort excessif ou radical : les œuvres d’Henri Matisse sont tout à fait sensées. » Cependant, l’art de Matisse à cette époque est sévèrement critiqué, et il a du mal à subvenir aux besoins de sa famille.Nu bleu (1907), l’une de ses peintures, a été détruite en effigie en 1913 lors de l’Armory Show à Chicago.

La vie professionnelle de Matisse n’a pas été affectée par le déclin des fauves après 1906 ; beaucoup des plus beaux exemples d’œuvres d’art d’Henri Matisse ont été produits entre 1906 et 1917, à une époque où il était un membre engagé du grand assemblage de compétences créatives à Montparnasse, malgré son apparence traditionaliste et son éthique de travail bourgeoise rigoureuse. Il continue à être influencé par la nouveauté et en 1906, il voyage en Algérie pour étudier le primitivisme et les œuvres d’art africaines.

En 1910, il passe deux mois en Espagne à faire des recherches sur l’art mauresque après avoir vu une énorme exposition d’art islamique à Munich. Il retourne au Maroc en 1912, et c’est là qu’il apporte divers ajustements à son art, notamment l’utilisation du noir comme couleur. Il en résulte une confiance renouvelée dans l’utilisation de couleurs vives et non modulées dans les peintures de Matisse, comme on peut le voir dansL’Atelier Rouge (1911).

Sergei Shchukin, un collectionneur d’art russe, était un ami de longue date de Matisse. Il a réalisé l’une de ses plus grandes œuvres, La Danse(1909) de Matisse, pour Shchukin comme moitié d’un contrat en deux parties, l’autre étant Musique, 1910. Une version plus ancienne de La Danse (1909) de Matisse est conservée au Museum of Modern Art de New York.

Henri Matisse l’artiste a rencontré Pablo Picasso en avril 1906. Les deux sont restés amis pour la vie ainsi qu’adversaires, et leurs histoires sont fréquemment opposées. Une distinction importante entre les deux est que Matisse esquissait et travaillait à partir de la nature, alors que Picasso préférait travailler à partir de son imagination. Les femmes et les natures mortes étaient les sujets les plus souvent peints par les deux artistes, Matisse étant plus enclin à positionner ses personnages dans des intérieurs complètement réalisés.

Picasso et Matisse se sont rencontrés pour la première fois au salon parisien de Gertrude Stein avec sa compagne Alice B. Toklas. Au cours des dix premières années du XXe siècle, les acheteurs et admirateurs américains des œuvres d’Henri Matisse comprenaient Gertrude Stein, ses frères et sœurs Leo et Michael Stein, ainsi que Sarah, l’épouse de Michael. En outre, les deux connaissances de Gertrude Stein à Baltimore, les sœurs Cone Etta et Claribel, ont été les principaux bienfaiteurs de Picasso et de Matisse, amassant des centaines de dessins et de peintures de Picasso et de Matisse.

Le Bonheur de vivre (The Joy of Life) (1905 – 1906) par Henri Matisse, situé à la Fondation Barnes en Pennsylvanie, États-Unis ; Regan Vercruysse from Phelps, New York, USA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons.

Même si de nombreux artistes fréquentaient le salon Stein, beaucoup d’entre eux ne figuraient pas parmi les œuvres d’art sur les murs du 27 rue de Fleurus. Les contemporains des Stein, Matisse l’artiste, et Picasso, faisaient partie de leur cercle culturel et assistaient fréquemment aux événements du samedi soir au 27 rue de Fleurus.

Matisse est crédité d’avoir lancé les salons du samedi soir.

Selon Gertrude, « Les visiteurs ont commencé à venir plus régulièrement pour voir les tableaux de Matisse – et les Cézannes : Henri Matisse amenait des gens, tout le monde amenait quelqu’un, et ils arrivaient à n’importe quelle heure, et c’est devenu une gêne, mais c’est de cette façon que les samedis soirs ont commencé. »

André Derain, Georges Braque, les poètes Guillaume Apollinaire et Marie Laurencin, et Henri Rousseau faisaient partie des amis de Picasso qui assistaient aux samedis soirs. Ses amis ont créé et financé l’Académie Matisse à Paris, une institution privée à but non lucratif où Matisse enseignait aux nouveaux peintres. Elle fonctionne de 1907 à 1911. Les Stein et les Dômier ont été le fer de lance de la création de l’académie, avec l’aide de Sarah Stein et de Patrick Henry Bruce.

De 1912 à 1913, Henri Matisse passe les sept mois suivants au Maroc, créant environ 24 toiles et d’innombrables croquis. Ses sujets orientalistes ultérieurs, tels que les odalisques, peuvent être liés à cette période.

Après Paris

Ses œuvres de la dizaine d’années qui suivent cette migration témoignent d’un relâchement et d’un assouplissement de son style. Ce « retour à l’ordre » est typique de la plupart des œuvres d’art de l’après-Première Guerre mondiale et peut être comparé au néoclassicisme de Stravinsky, ainsi qu’au retour au traditionalisme de Derain.

Alors que les œuvres odalisques de l’orientalisme de Matisse étaient populaires à l’époque, plusieurs critiques contemporains les ont jugées superficielles et ornementales. Matisse a repris des partenariats actifs avec d’autres peintres à la fin des années 1920.

Il collabore non seulement avec des Français, des Néerlandais, des Allemands et des Espagnols, mais aussi avec quelques personnes aux États-Unis et des migrants américains récents. Après 1930, son art prend une nouvelle vitalité et une simplicité plus audacieuse. Le passionné d’art américain Albert C. Barnes a persuadé Matisse de créerLa Danse II (1910), une fresque massive pour la Fondation Barnes qui a été achevée en 1932 ; la Fondation possède également plusieurs dizaines d’autres œuvres de Matisse.

Cette tendance au minimalisme, ainsi qu’une prémonition de la méthode de découpage, peut également être observée dans son œuvre, « Large Reclining Nude” (1935). Matisse a travaillé sur cette œuvre pendant plusieurs mois et a envoyé à Etta Cone une série de 22 images pour suivre ses progrès.

Les années de guerre

La femme de Matisse, Amélie, qui l’accuse d’avoir une liaison avec Lydia Delectorskaya, une jeune immigrante russe, met fin à leur union de 41 ans en juillet 1939, partageant leurs biens en parts égales. Delectorskaya tente de se suicider en essayant de se tirer une balle dans la poitrine ; miraculeusement, elle s’en sort intacte sans conséquences graves et retourne chez Matisse pour s’occuper de sa résidence, payer ses factures, taper ses communications, tenir des registres détaillés, l’aider dans l’atelier et coordonner ses opérations commerciales jusqu’à la fin de sa vie.

Matisse se trouvait à Paris lorsque les nazis se sont emparés de la France en juin 1940, mais il a réussi à revenir à Nice. Son fils, Pierre, exploitant d’un salon à New York à l’époque, l’encourage à partir tant qu’il le peut. Matisse était en route pour le Brésil afin de fuir l’Occupation lorsqu’il s’est ravisé et est resté à Nice. « Il me semble que je déserterais », écrit-il à Pierre en septembre 1940. « Que devient la France si toutes les valeurs s’en vont ? »

Bien qu’il n’ait jamais fait partie de la résistance, c’est devenu une source de fierté pour les Français saisis qu’un de leurs plus peintres célèbres ait choisi de rester, malgré le fait que lui, en tant que non-juif, avait cette possibilité.

Pendant l’occupation nazie de la France, de 1940 à 1944, les nazis se sont montrés plus indulgents dans leurs attaques contre « l’art déviant » à Paris que dans les pays germanophones sous leur gouvernement militaire. Matisse a été autorisé à exposer aux côtés d’autres anciens Cubistes et Fauves qu’Hitler avait initialement prétendu détester, mais sans aucun artiste juif dont les projets avaient été expurgés de toutes les galeries et musées français ; tout créatif français exposant en France devait accepter un serment garantissant sa qualité d' »aryen », y compris Matisse.

En 1941, Matisse est atteint d’un cancer du duodénum. Si l’opération a réussi, elle a entraîné de terribles conséquences qui ont failli le tuer. Après avoir été immobilisé pendant trois mois, il a créé une nouvelle forme d’art à partir de papier et de ciseaux.

Monique Bourgeois, une étudiante en soins infirmiers, a répondu à l’annonce de Matisse qui cherchait une infirmière. Tous deux ont noué une relation platonique. Il apprit qu’elle était une peintre en herbe et lui enseigna les bases de la perspective. Après qu’elle ait quitté son poste pour entrer dans un couvent en 1944, Matisse a parfois approché Bourgeois pour qu’elle pose pour lui. En 1946, Bourgeois devient une religieuse dominicaine et Matisse lui consacre un sanctuaire à Vence, une petite ville où il s’est installé en 1943. Tout au long de la guerre, Matisse s’est retiré dans le sud de la France, bien que sa famille ait été profondément engagée dans la résistance française.

Matisse fut stupéfait d’apprendre que sa fille Marguerite, membre de la Résistance pendant la guerre, avait été battue par la Gestapo dans une prison de Renne et déportée dans un camp de concentration allemand. Marguerite s’est échappée de justesse du train de Ravensbrück, retardé par une frappe aérienne des Alliés ; elle est restée dans les forêts dans la confusion des derniers jours de la guerre jusqu’à ce qu’elle soit secourue par d’autres résistants.

Son fils Pierre, marchand d’art new-yorkais, assiste les peintres français qu’il a encouragés à fuir la France saisie et à entrer aux États-Unis. En 1942, Pierre organise la célèbre exposition « Artists in Exile » à New York.

Années finales

Un cancer de l’estomac est diagnostiqué chez Matisse en 1941 et il est opéré, ce qui le rend dépendant d’un fauteuil roulant et souvent alité. La sculpture et la peinture étant devenues physiquement exigeantes, il expérimente de nouveaux médias. Il commence à faire des collages de papier découpé avec l’aide de ses assistants. Il découpe des feuilles de papier prépeintes à la gouache par ses assistants en formes de couleurs et de tailles variées, puis les arrange pour créer des compositions vibrantes. Au départ, ces œuvres étaient de petite taille, mais elles se sont progressivement transformées en peintures murales ou en sculptures de la taille d’une pièce.

C’est ainsi qu’est apparue une complexité unique et dimensionnelle moyen artistique qui n’était ni de la peinture ni de la sculpture. Il a qualifié les 14 dernières années de sa vie de « seconde vie ». En discutant de son travail, Matisse a fait remarquer que, malgré ses mouvements limités, il pouvait voyager autour de jardins ayant la forme de son œuvre d’art.

Bien que les papiers découpés soient devenus le principal moyen d’expression de Matisse au cours de sa dernière décennie, il a utilisé cette méthode pour la première fois en 1919, lorsqu’il a conçu le décor de la comédie musicale Le chant du Rossignol d’Igor Stravinsky. Albert C. Barnes a négocié des gabarits en carton de la taille unique des murs sur lesquels Matisse a fixé l’arrangement des formes en papier peint dans son atelier de Nice.

Matisse crée une autre série de découpages entre 1937 et 1938 alors qu’il travaille sur les costumes de scène et les décors des Ballets russes de Sergueï Diaghilev. Cependant, ce n’est que lorsque Matisse est alité à la suite de son opération qu’il commence à développer la méthode de découpage comme sa propre expression, plutôt que sa nature utilitaire antérieure. En 1943, il s’installe au sommet de la colline de Vence, en France, où il réalise sa première grande pièce découpée pour son livre d’artiste intitulé Jazz.

Ces découpages, en revanche, ont été conçus comme des motifs pour des impressions au pochoir à examiner dans le livre, plutôt que comme des pièces graphiques distinctes. Matisse considérait toujours les découpages comme différents de sa principale forme d’art à cette période.

Avec les débuts de Jazz en 1946, il acquiert une nouvelle compréhension du médium. Matisse parle du potentiel de la méthode du découpage après avoir récapitulé sa carrière, en soulignant : « Un individu ne doit jamais être esclave de lui-même, esclave d’une technique, esclave d’un héritage, esclave d’une réalisation. » À la suite de Jazz, le nombre de découpages créés individuellement a rapidement augmenté, ce qui a finalement conduit au développement d’œuvres de taille murale telles que Océanie le ciel et Océanie la mer de 1946.

Lydia Delectorskaya, l’assistante de studio de Matisse, a épinglé les contours de poissons, d’oiseaux et de plantes marines directement sur les murs de la pièce. Les deux sculptures d’Océanie, ses premiers découpages de cette ampleur, ont été inspirées par un voyage qu’il a fait à Tahiti il y a des années. Son découpage La gerbe a été un triomphe lorsqu’il a été exposé au Salon de Mai en mai 1954. Monsieur et Madame Brody, collectionneurs américains, commandent l’œuvre, qui sera ensuite adaptée à une céramique pour leur maison de Los Angeles.

Matisse commence à préparer les plans de la Chapelle du Rosaire de Vence en 1948, ce qui lui permet d’explorer cette approche dans un cadre réellement ornemental. L’expérience de la création des chasubles, des fenêtres de la chapelle et de la porte du tabernacle – toutes conçues à l’aide de la technique de la découpe – a pour effet de concentrer son attention sur le support.

Matisse a utilisé les papiers découpés comme principal moyen d’expression jusqu’à sa mort en 1951, après avoir achevé sa dernière toile l’année précédente.

Malgré son athéisme, Matisse et Bourgeois avaient un lien fort qui s’est traduit par cette entreprise. Ils se sont reconnectés à Vence et ont recommencé à travailler ensemble, comme elle le raconte dans son livre. En 1952, il a fondé un musée dédié à son art, le musée Matisse à Le Cateau, qui abrite actuellement la troisième plus grande collection de peintures de Matisse en France.

Le dernier effort de Matisse a été la création d’un vitrail placé dans l’église Union de Pocantico Hills dans l’État de New York. « C’était son ultime effort artistique ; la maquette est restée sur le mur de sa chambre lorsqu’il est décédé en novembre 1954 », déclare Rockefeller. La pièce a été achevée en 1956.

L’héritage d’Henri Matisse

Dans les années 1950, les spécialistes considéraient le fauvisme et Matisse comme les précurseurs de l’expressionnisme abstrait et de la plupart des œuvres d’art modernes. Plusieurs expressionnistes abstraits peuvent remonter jusqu’à lui, bien que pour des raisons différentes.

Certains artistes, comme Lee Krasner, ont été affectés par ses supports variés, les papiers découpés de Matisse l’incitant à découper et reconstruire ses propres peintures.

Les peintres de color field comme Mark Rothko et Kenneth Noland ont été attirés par ses grands champs de couleurs vibrantes, comme on peut le voir dans le Red Studio(1911). En revanche, Richard Diebenkorn s’intéressait davantage à la façon dont Matisse générait la perception de la profondeur et aux tensions spatiales et temporelles entre son sujet et la surface de la toile.

Portrait photographique d’Henri Matisse âgé, pris le 20 mai 1933 par Carl Van Vechten ; Carl Van Vechten, Domaine public, via Wikimedia Commons.

D’autres, comme Robert Motherwell, n’ont pas immédiatement démontré l’impact de Matisse dans leurs œuvres, mais ont été impactés par sa perspective sur la couleur dans l’art. Marguerite Matisse, la fille de Matisse, a donné des indications sur les techniques de travail et les œuvres de Matisse aux chercheurs sur Matisse. Elle est décédée en 1982 alors qu’elle travaillait sur un catalogue de l’œuvre de son père.

L’art d’Henri Matisse continue d’enchanter non seulement les artistes, mais aussi les investisseurs, qui ont payé jusqu’à 17 millions de dollars pour ses tableaux. Et, comme en témoignent les multiples expositions à succès récentes et imminentes, il reste un favori du public à travers le monde.

Le style et les techniques artistiques d’Henri Matisse

L’approche artistique moderne d’Henri Matisse a contribué à ouvrir la voie à de nombreuses innovations notables en matière de peinture et de sculpture tout au long des premières décennies du XXe siècle. Cependant, cela était surtout dû à son application de procédures révolutionnaires.

Le colorisme vif observé dans plusieurs peintures de style de Matisse entre 1900 et 1905 lui a valu une place parmi les Fauves.

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La Danse (1909) d’Henri Matisse, situé au Musem of Modern Art à New York, États-Unis ; Michel B., CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

L’essentiel de ses plus belles œuvres a été réalisé dans la décennie qui suit 1906. C’est cette année-là que naît le style artistique nouvellement créé par Henri Matisse. Ce style mettait l’accent sur l’utilisation de motifs ornementaux et de formes aplaties. Plus tard dans l’année, en 1917, il s’installe sur la Côte d’Azur, près d’un quartier. Sa technique a progressivement évolué ici, et les peintures sont devenues plus calmes et plus tranquilles.

Après les années 1930, l’art d’Henri Matisse adopte une interprétation plus forte de la forme. Il finit par développer des problèmes de santé, et on lui demande alors de ne plus peindre. C’est à ce moment-là qu’il a développé son style caractéristique et produit un ensemble considérable d’œuvres utilisant des collages de papier découpé. Le style de l’œuvre d’Henri Matisse était peut-être le plus admiré, cette œuvre étant l’un des sommets de sa carrière.

Cette époque n’a duré qu’un peu plus d’une décennie ; elle a comporté trois expositions, dont l’une a permis à son chef de file, Matisse, de se faire connaître. Ce style était surtout reconnu pour son utilisation extravagante de couleurs qui n’avaient aucun lien avec le monde réel. La peinture était appliquée de façon erratique et désordonnée.

Oeuvres d’art notables

Après que le fauvisme se soit estompé, l’une des peintures les plus louées et les plus emblématiques de Matisse est arrivée à son terme. Il commence à inculquer à ses élèves l’esthétique de l’art africain et du primitivisme. Il commence à faire des tournées et est très bien accepté partout où il va.

Il fait également partie de toutes les grandes tendances créatives de l’époque à Paris. Certaines de ses peintures les plus renommées datent de cette période, notammentLa Danse(1909) de Matisse. Voici quelques autres de ses œuvres importantes :

• • Luxe, Calme, et Volupte (1905)
  • La femme au chapeau (1905)
  • Joie de vivre (1906)
  • Nuage bleu (1907)
  • Le dos(1909)
  • La Danse (1909)
  • Les Marocains (1916)
  • La Gerbe (1953)

Henri Matisse est largement considéré comme l’un des artistes les plus importants pour avoir défini les percées révolutionnaires dans les arts graphiques au cours des premières décennies du XXe siècle, tout en étant responsable d’améliorations majeures dans la sculpture et la peinture. En raison de son colorisme vif, les peintures d’Henri Matisse lui ont valu une réputation de fauve. La plupart des meilleures œuvres d’Henri Matisse ont été créées au cours de la décennie qui a suivi 1906, lorsqu’il a développé un style discipliné mettant l’accent sur les formes aplaties et les motifs vifs. La maîtrise par l’artiste Matisse du langage émotif de la couleur et du dessin, comme en témoigne un ensemble d’œuvres s’étendant sur plus d’un demi-siècle, l’a positionné comme une figure clé de l’art moderne.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce qui a fait la renommée de Matisse?

Les croquis et les peintures de Matisse ont eu un rôle important dans l’expansion de l’importance de la décoration dans l’art moderne. Bien qu’il soit généralement considéré comme un artiste attaché à la joie et à l’épanouissement, son utilisation des motifs et des couleurs laisse souvent perplexe et déstabilise. À part cela, il est bien connu pour les collages qu’il a créés avec des papiers découpés. Ces compositions ont été réalisées à la fin de sa carrière et il avait déjà reçu suffisamment d’éloges à ce moment-là.

Pourquoi Matisse a-t-il fait de l’art découpé?

Par rapport à ses œuvres antérieures, sa façon de travailler s’est considérablement modifiée au cours des dernières années de sa vie. Malgré cela, Matisse a continué à peindre jusqu’à ce qu’un mauvais diagnostic soit posé. En 1941, il est atteint d’un cancer de l’abdomen et subit une intervention chirurgicale. Cela l’a encore plus confiné à un lit et à une chaise, l’empêchant de peindre ou de sculpter. Il avait besoin d’un nouvel exutoire, il a donc demandé l’aide d’une poignée de ses subordonnés et a commencé à construire des collages de papier découpé.