Peinture Baroque – Meilleurs peintres baroques de tous les temps

L’émergence de la période culturelle baroque nous a fait découvrir certains des meilleurs créatifs de l’histoire de l’art occidental. Le style baroque est associé à des éléments de conception dramatiques dans de multiples disciplines dans l’Europe du XVIIe siècle, notamment des décors très contrastés dans la peinture et une exploration de divers sujets. Cet article présente les 15 artistes les plus célèbres de la période baroque de tous les temps et inclut certaines de leurs œuvres les plus remarquables.

Une introduction à l’art de la période baroque

Dans l’histoire de l’art occidental, la période baroque est un style artistique qui a vu le jour entre le 16e et le 17e siècle et qui s’est prolongé jusqu’au 18e siècle. Le style d’art baroque se caractérisait par des éléments qui s’éloignaient de la représentation classique traditionnelle de divers sujets tels qu’on les voyait dans l’Antiquité classique et qui évoquaient un sens du drame et du mouvement.

De nombreux peintres baroques ont incorporé des couleurs riches, telles que des nuances profondes de rouge et de brun, et des éléments à fort contraste pour se concentrer sur la mise en valeur des sujets à l’aide d’ombres intenses.

Sainte Catherine d’Alexandrie (1615 ou 1618 – 1619) par Artemisia Gentileschi, situé dans la Galerie des Offices à Florence, Italie; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons.

Les peintres baroques utilisaient des techniques de peinture telles que la méthode du clair-obscur pour créer des contrastes audacieux entre la lumière et l’obscurité. La majorité des sujets baroques comprenaient des paysages, des portraits, des peintures de genre, des natures mortes et des peintures d’histoire. Les peintures baroques mettent également l’accent sur le moment le plus dramatique d’une scène ou d’un récit et visent à capturer l’émotion d’un sujet par opposition à une simple représentation de celui-ci.

C’est ce qui a rendu ce style artistique et le mouvement qui s’en est suivi si influents et importants pour la progression de l’art en Europe et dans le reste du monde.

Les 15 artistes baroques les plus célèbres

Le style baroque a d’abord été désigné de manière péjorative pour souligner l’excès de drame ou de contraste dans une œuvre d’art. Le terme était également utilisé pour décrire les œuvres d’art qui affichaient une emphase inutile sur les détails ou une « redondance excentrique » et a ensuite été réinventé par l’historien de l’art suisse Heinrich Wölfflin en 1888.

Wölfflin a identifié la nature des éléments baroques dans l’art comme étant antithétique de l’art de la Renaissance.

Ce style artistique n’était pas perçu sous un jour positif jusqu’à ce que Wölfflin attire l’attention sur son potentiel et son importance par rapport aux idéaux communs de la Renaissance. Nous examinerons ci-dessous quelques-uns des artistes les plus célèbres de la période baroque qui ont défendu le style artistique et soutenu le mouvement dans sa popularité.

Le Caravage (1571 – 1610)

On ne peut pas parler de la période baroque sans évoquer l’un de ses artistes phares, Le Caravage. Né sous le nom de Michelangelo Merisi da Caravaggio en 1571, le Caravage est devenu l’un des meilleurs peintres baroques italiens de l’histoire européenne. Il était particulièrement célèbre pour avoir appliqué la technique du clair-obscur dans ses peintures, qui impliquait la présence d’ombres sombres pour créer un « puits de lumière aveuglant » afin de mettre en valeur le sujet.

Le Caravage a été formé à Milan et reconnu comme un personnage excentrique doté d’un sacré tempérament.

L’appel de saint Matthieu (vers 1600) par Le Caravage, situé dans l’église San Luigi dei Francesi à Rome, Italie ; Caravaggio, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il produisait souvent des œuvres à un rythme rapide et était connu pour peindre directement sur la toile. Sa maîtrise de la technique du clair-obscur a ouvert la voie au développement du ténébrisme en peinture, qui mettait l’accent sur l’éclairage dramatique et servait de forme exacerbée de la technique du clair-obscur.

Bien que la méthode ait existé bien avant que Le Caravage n’acquière sa célébrité, c’est à l’artiste lui-même que l’on doit d’avoir été le pionnier de la méthode et de sa popularité.

Vers la fin de la carrière de l’artiste, son tempérament l’a rattrapé et a donné lieu à une accusation de meurtre. Le Caravage a été contraint de se réfugier à Naples, où il a rencontré un autre événement qui a changé sa vie, et qui l’a laissé avec un visage défiguré. La cause de sa mort reste inconnue ; cependant, on sait que l’artiste a affiché un comportement erratique avant sa mort en 1610, ce qui était potentiellement une indication de maladie mentale.

Pierre Paul Rubens (1577 – 1640)

Peter Paul Rubens était l’un des artistes baroques flamands les plus influents du 17ème siècle. Rubens était célèbre pour ses œuvres d’art en forme de retables, qui servaient de démonstration de son approche unique du style de peinture de la période baroque, défini par l’accent mis sur le mouvement et la sensualité.

Les œuvres de Rubens ont été extrêmement influentes pour de nombreux artistes et il a même tenu un atelier massif à Anvers qui a généré de nombreuses peintures et attiré l’attention de membres nobles de la société à travers l’Europe.

Jugement de Paris (1632 – 1635) par Peter Paul Rubens, situé dans la National Gallery à Londres, Royaume-Uni; Peter Paul Rubens, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Rubens a également servi en tant que diplomate qui a été anobli deux fois par Philippe IV et Charles Ier en Espagne et en Angleterre. La majorité des œuvres qu’il a commandées portaient sur des sujets historiques, des scènes de chasse et la mythologie classique. En dehors de la peinture, Rubens était aussi un designer et a écrit un livre avec des illustrations des différents palais de Gênes, qui a été publié en 1622.

En outre, Rubens était également investi dans la collection d’art et était connu pour avoir vendu de nombreux objets d’art en tant que marchand d’art à George Villiers, le premier duc de Buckingham.

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Rubens est à la fois célébré et critiqué pour ses représentations du nu féminin dans la mythologie, qui met l’accent sur le corps féminin comme reflet de la beauté, de la tentation et de la sexualité telle qu’elle est vue par le regard masculin. Rubens a également contribué à l’expansion de la façon dont les femmes étaient représentées dans l’art. Il a démontré cette « expansion » dans son cycle de peintures de Marie de Médicis, où il l’a représentée dans de multiples rôles : épouse, régente diplomatique, vierge et consort. Cette approche a permis d’élargir la perspective à travers laquelle Marie de Médicis était vue et reconnue.

Georges de La Tour (1593 – 1652)

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Georges de la Tour était un célèbre peintre baroque français connu pour avoir peint des sujets religieux en utilisant la technique du clair-obscur à la lumière des bougies. De nombreux tableaux de La Tour reçoivent beaucoup d’adoration pour leur représentation de la lumière nocturne, qui apporte un sens du drame caractéristique de la peinture baroque.

Influencé par le Caravage, La Tour s’est attaché à créer un sentiment d’immobilité par la simplicité de la composition et de la forme.

La Madeleine à la flamme fumante (1640) par Georges de la Tour, situé au Los Angeles County Museum of Art en Californie, États-Unis ; Georges de La Tour, Domaine public, via Wikimedia Commons .

L’artiste a souvent peint plusieurs versions du même thème, mais il a malheureusement été jeté sous le tapis en tant qu’artiste et éclipsé par les succès de ses contemporains. Beaucoup de ses œuvres mettent en valeur sa palette de couleurs préférentielles, qui comprenait des rouges vénitiens avec des ombres sombres et des sujets rendus visibles à la lumière des bougies.

Artemisia Gentileschi (1593 – 1656)

Artemisia Gentileschi est l’une des artistes baroques italiennes les plus sous-estimées du XVIIe siècle, dont la réputation artistique a été éclipsée par sa participation à son procès pour viol. Gentileschi a été influencée par Le Caravage et, dès le jeune âge de 15 ans, elle était déjà en passe de produire des œuvres professionnelles d’un niveau similaire.

Gentileschi a également été la première femme à rejoindre l’Accademia di Arte del Disegno et a développé une clientèle internationale tout au long de sa vie.

Judith décapitant Holopherne (1611 – 1612) par Artemisa Gentileschi, situé dans le Musée national de Capodimonte à Naples, Italie; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons.

Les sujets traités par Gentileschi étaient divers et couvraient de nombreux thèmes, notamment l’iconographie religieuse, l’allégorie, les femmes, vues sous différentes perspectives, le suicide et les figures mythologiques. L’artiste connaissait également bien l’astronome italien Galileo Galilei ainsi que des personnages importants tels que Cosimo II de Medici.

Gentileschi rejoint la cour royale de Charles Ier en Angleterre aux côtés de son père en 1638, où elle réalise l’un de ses tableaux les plus célèbres, L’autoportrait comme allégorie de la peinture (1638 – 1639).

Nicolas Poussin (1594 – 1665)

Nicolas Poussin était un chef de file prolifique de la période baroque française classique qui était célèbre pour son utilisation des lignes dans la peinture afin d’apporter de la clarté à la composition. Poussin a peint pour de nombreux collectionneurs français et italiens et a abordé des thèmes liés aux décors mythologiques et religieux, aux paysages et aux sujets traditionnels.

Poussin a passé la majeure partie de sa carrière à développer son talent artistique à Rome, où il a soigneusement étudié les œuvres d’artistes baroques influents et de peintres de la Renaissance, notamment Raphaël.

Vénus et Adonis (c. 1628 – 1629) par Nicolas Poussin, situé au Kimbell Art Museum au Texas, États-Unis; Nicolas Poussin, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Poussin était l’allié de tous dans la communauté créative romaine et a fait la connaissance de nombreux mécènes éminents, notamment le cardinal Francesco Barberini et Cassiano dal Pozzo. En 1640, Poussin est presque convaincu de retourner en France pour peindre pour le roi.

Il a effectivement fait le voyage, mais après moins d’un an, il est retourné à Rome en raison de la charge de travail massive.

Francisco de Zurbarán (1598 – 1664)

Surnommé le Caravage espagnol, Francisco de Zurbarán était un champion de la peinture baroque de natures mortes et un spécialiste de la peinture de sujets liés à des figures religieuses. Comme le Caravage, Zurbarán excellait dans l’application de l’effet de clair-obscur et était doué pour dessiner au fusain dès son plus jeune âge.

Zurbarán fréquentait souvent Séville et plus tard Madrid, où il a créé certaines de ses meilleures œuvres, énumérées ci-dessous.

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Immaculée Conception (1632) par Francisco de Zurbarán, situé au Museu Nacional d’Art de Catalunya à Barcelone, Espagne; Francisco de Zurbarán, Domaine public, via Wikimedia Commons .

Tout au long de sa vie, Zurbarán s’est marié trois fois. Sa plus grande œuvre commandée est le retable de 1631, L’Apothéose de saint Thomas d’Aquin, qui se trouve actuellement au musée des beaux-arts de Séville. En 1987, Zurbarán a également été l’artiste central d’une grande exposition du Metropolitan Museum of Art de New York, qui a également voyagé à Paris aux Galeries Nationales du Grand Palais en 1988.

Gian Lorenzo Bernini (1598 – 1680)

Homme à la vision d’avenir crédité d’avoir réuni l’harmonie au sein des arts visuels du XVIIe siècle, Gian Lorenzo Bernini est l’un des sculpteurs et architectes les plus populaires et les plus respectés de l’ère baroque.

En plus de s’être imposé comme un maître de la peinture, du dessin, du design et de l’urbanisme, le Bernin était également incroyablement doué pour la sculpture et est connu pour avoir sculpté certaines des sculptures les plus célèbres au monde.

David (1623 – 1624) par Gian Lorenzo Bernini, situé dans la Galleria Borghese à Rome, Italie; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Le travail du Bernin était considéré comme un aboutissement de la sculpture, de l’architecture et de la peinture. Ses œuvres d’art possèdent le flair dramatique du style baroque associé aux prouesses techniques de la conception et de la structure. Bernini a été reconnu dès l’âge de huit ans comme un prodige des arts et a reçu des mécènes notables tels que le cardinal Scipione Borghese, le pape Grégoire XV, le cardinal Maffeo Barberini, Alexandre VII et Clément IX.

Anthony van Dyck (1599 – 1641)

Sir Anthony van Dyck est l’un des peintres baroques flamands les plus connus, dont les réalisations ont été documentées dans de multiples pays, notamment l’Italie, les Pays-Bas méridionaux et l’Angleterre. L’artiste flamand brabançon était l’un des meilleurs peintres de la cour d’Angleterre et l’un des meilleurs élèves de Sir Peter Paul Rubens.

Van Dyck connaissait également bien Diego Velázquez, qui a fait office de portraitiste de la cour et a contribué à révolutionner le genre du portrait anglais.

Charles I en trois positions (1635 – 1636) par Anthony van Dyck, situé dans la Royal Collection au Royaume-Uni ; Royal Collection, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les meilleures œuvres de Van Dyck sont ses portraits pour la cour du roi Charles Ier et les associés royaux. L’artiste est également célèbre pour avoir donné son nom à un style de pilosité faciale appelé la barbe Van Dyke, qui a propulsé son héritage dans l’ère moderne.

Diego Velázquez (1599 – 1660)

Né en 1599, Diego Velázquez est l’un des meilleurs peintres baroques espagnols du 17ème siècle. Velázquez opérait sous le patronage du roi Philippe IV d’Espagne et du Portugal et était un maître du ténébrisme en peinture. Il a souvent donné la priorité à des éléments d’individualisme dans son art grâce à des coups de pinceau audacieux.

Velázquez a créé de nombreux portraits pour la cour d’Espagne, y compris des peintures historiques et des scènes avec des personnes de la société quotidienne.

Portrait d’Innocent X (1650) par Diego Velázquez, situé dans la galerie Doria Pamphilj à Rome, Italie; Diego Velázquez, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le peintre baroque a eu un impact important sur les artistes du 19ème siècle, notamment sur des artistes comme Salvador Dalí et Pablo Picasso qui admiraient le talent de l’artiste en matière de composition. La majorité des œuvres de Velázquez sont conservées sous la collection royale de la cour d’Espagne et peuvent aujourd’hui être vues au Museo del Prado.

Philippe de Champaigne (1602 – 1674)

Philippe de Champaigne était l’un des principaux pionniers de l’art français de la période baroque et l’un des membres fondateurs de l’Académie de Peinture et de Sculpture parisienne. De Champaigne est né à Bruxelles et s’est ensuite installé avec son contemporain, Nicolas Poussin, à Paris où sa carrière a pris son essor.

Pendant son mandat, il a produit de nombreux tableaux mis en scène sur des thèmes religieux.

Saint Augustin (1645 – 1650) par Philippe de Champaigne, situé au Los Angeles County Museum of Art en Californie, États-Unis; Philippe de Champaigne, Domaine public, via Wikimedia Commons.

De Champaigne a été grandement influencé par d’autres grands maîtres baroques comme Pierre Paul Rubens, mais il a ensuite développé son approche de la peinture, qui affichait des sous-entendus plus sérieux. De Champaigne a peint des portraits pour la cour de France, notamment pour diverses personnalités de premier plan comme le roi Louis IX.

Aujourd’hui, ses œuvres peuvent être admirées dans des bâtiments publics tels que la basilique de Notre-Dame du Port et le Val-de-Grâce.

Rembrandt (1606 – 1669)

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, plus connu sous le nom de Rembrandt, était l’un des meilleurs artistes néerlandais de l’âge d’or qui a défendu le style de peinture baroque à travers le portrait. Sa maîtrise de la peinture, de la gravure et du dessin a contribué à son immense succès dans la peinture hollandaise et on lui doit de nombreuses peintures emblématiques inspirées de la mythologie, de l’autoportrait et de l’histoire.

Homme de variété, Rembrandt a ensuite influencé de nombreux autres peintres de la période baroque, notamment Peter Paul Rubens et Pieter Lastman.

La Veilleuse (1642) par Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons.

Malgré son sursaut et son lancement dans la peinture en tant que spécialiste du baroque, il a été confronté à de nombreux problèmes financiers vers la fin de sa vie. Dans le domaine de la gravure, Rembrandt a fourni des techniques de gravure novatrices qui ont fait l’admiration de tous, et ses gravures ont été largement diffusées dans toute la République néerlandaise de l’époque. Selon des chercheurs du 20e siècle, on pense que Rembrandt a généré plus de 200 peintures au cours de sa vie, avec un portefeuille de dessins encore plus impressionnant de plus de 2000 œuvres.

Les œuvres de Rembrandt se trouvent dans de nombreuses institutions à travers le monde, notamment au Metropolitan Museum of Art de New York et au musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg, en Russie.

Johannes Vermeer (1632 – 1675)

Johannes Vermeer est considéré comme un maître classique de la peinture de l’époque baroque, rendu célèbre par ses peintures de genre et ses scènes d’intérieur présentant des aperçus de la vie des citoyens de la classe moyenne. Reconnu dans tous les Pays-Bas pour sa contribution à la peinture baroque, les 34 tableaux de Vermeer qui ont survécu ont été créés en accordant beaucoup d’attention à leurs arrangements intérieurs.

Vermeer a également utilisé divers pigments coûteux, ce qui démontre la considération de l’artiste pour ses peintures.

Fille à la boucle d’oreille en perle (c. 1665) par Johannes Vermeer, situé au Mauritshuis à La Haye, Pays-Bas; Johannes Vermeer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Bien que Vermeer soit un maître du baroque, il n’a pas accumulé autant de richesses que certains de ses contemporains de la période baroque et a fini par laisser sa famille endettée. L’évolution du style artistique de Vermeer est visible dans le passage de sa préférence pour les couleurs monochromatiques à des couleurs saturées et des glacis transparents. Bien qu’il n’y ait aucune trace de son processus de préparation de la peinture, il y a une indication de l’influence d’artistes comme Léonard de Vinci sur son choix de couleurs et l’utilisation extensive d’un pigment coûteux, le bleu outremer naturel.

Vermeer a suivi les observations de Da Vinci, qui décrivait la couleur des différentes surfaces comme dépendant des couleurs des autres éléments d’une pièce, qu’aucun objet ne pouvait jamais être vu dans sa couleur naturelle.

Mary Beale (1633 – 1699)

Mary Cradock, connue plus tard sous le nom de Mary Beale, était une célèbre portraitiste et écrivaine baroque anglaise qui faisait également partie d’une société de femmes artistes opérant à Londres au 17ème siècle. Beale nous a également fourni l’un des premiers manuscrits académiques d’instruction sur les techniques et les matériaux utilisés pour créer l’une de ses peintures, qui a été publié en 1663.

Beale aimait peindre à l’aquarelle et à l’huile.

Mary Wither of Andwell (1675) par Mary Beale, située dans l’Art Gallery of South Australia à Adélaïde, Australie du Sud ; Mary Beale, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Elle fut louée pour ce dernier point par Sir William Sanderson et mentionnée dans l’un de ses livres, Graphice : Or The use of the Pen and Pensil ; In the Excellent Art of Painting, publié en 1658. Beale a également été reconnu par le peintre de la cour Sir Peter Lely, qui a succédé au populaire peintre de la cour Anthony van Dyck et dont le travail a fait l’objet d’imitations de la part de Beale.

À l’époque, l’imitation du travail d’un autre grand artiste était l’un des meilleurs moyens d’exercer ses compétences en peinture et était une pratique courante chez les artistes en herbe.

Elisabetta Sirani (1638 – 1665)

Décédée au jeune âge de 27 ans, Elisabetta Sirani était l’une des plus célèbres peintres baroques italiennes de son époque. Basée à Bologne, Sirani s’est spécialisée dans la gravure et la peinture et a même créé une académie pour soutenir d’autres femmes dans l’art. Sirani a été formée à la peinture dès son plus jeune âge sous la direction de son père Giovanni Andrea Sirani qui était peintre pour l’école de Bologne.

À l’époque, Bologne était l’un des rares endroits en Italie où les femmes artistes étaient bien accueillies et acceptées dans la société.

Portia blessant sa cuisse (1664) par Elisabetta Sirani, situé dans les Collezioni d’Arte e di Storia della Fondazione Carisbo à Bologne, Italie; Elisabetta Sirani, Public domain, via Wikimedia Commons.

La mort de Sirani en 1665 a été considérée comme suspecte et son assistante ménagère, Lucia Tolomelli, a été soupçonnée d’avoir empoisonné l’artiste. Les accusations ont cependant été abandonnées plus tard par le père de Sirani. Son style artistique était influencé par les œuvres d’artistes tels que Lorenzo Pasinelli et Cignani, avec des sujets tournant autour des récits religieux, des légendes de saints et de la mythologie classique.

Louise Moillon (1610 – 1696)

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Louise Moillon était l’une des plus célèbres peintres de natures mortes baroques françaises au cours du mouvement baroque français du 17e siècle. Moillon réalisait souvent des œuvres sur des panneaux de bois et des toiles qui illustraient des natures mortes de différents fruits disposés sur des tables. L’attention immaculée qu’elle portait aux détails de ses natures mortes en laissait plus d’un pantois, car elle appliquait également ses compétences en Trompe l’oei pour ajouter de la texture et un sentiment de réalisme à ses natures mortes.

Moillon est l’un des premiers artistes baroques à inclure à la fois des figures et des natures mortes dans ses tableaux avant 1650.

Nature morte aux cerises, fraises et groseilles (1630) de Louise Moillon, située au Norton Simon Museum en Californie, États-Unis; Louise Moillon, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le style caractéristique de Moillon peut être vu dans son contraste de couleurs aux tons chauds et froids, combiné à des influences de la peinture de genre française. Le talent de l’artiste pour les natures mortes était si profond qu’elle a également été comparée à des maîtres plus anciens comme Titien. Aujourd’hui, les œuvres de Moillon se trouvent dans de nombreuses collections privées et musées à travers le monde.

La période baroque de l’histoire de l’art a donné naissance à de nombreux chefs-d’œuvre parmi les plus célèbres au monde, qui continuent de recevoir des éloges pour leur approche audacieuse de la peinture et de la représentation des sujets. Parmi les nombreux artistes baroques de l’histoire de l’art, quel est ton préféré ?

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que le baroque dans l’art?

Le baroque en art désigne le style artistique défini par ce mouvement culturel qui a duré entre la fin du 16e et le début du 18e siècle. Le style baroque met également l’accent sur l’émotion humaine, l’expression faciale, le mouvement et le contraste des couleurs, de l’ombre et de la lumière dans les disciplines visuelles telles que la peinture, la sculpture, l’architecture et le design.

Qui est l’artiste baroque le plus populaire?

L’artiste baroque le plus populaire est considéré comme Michelangelo Merisi da Caravaggio, qui fut l’un des artistes baroques les plus influents de l’Italie du XVIe siècle.

Quelles sont les caractéristiques des peintures baroques?

Les caractéristiques des peintures baroques comprennent la présence de couleurs très contrastées entre la lumière et l’obscurité pour créer un effet dramatique et cinématographique. D’autres caractéristiques des peintures baroques comprennent des couleurs telles que le rouge, le bleu, le noir et le marron, ainsi que l’accent mis sur les expressions faciales pour ajouter de l’émotion humaine.