Artistes de la Renaissance – Les maîtres de leur métier

Cet article est un échantillon des artistes les plus célèbres de la période que l’on appelle aujourd’hui la Renaissance, c’est-à-dire plus ou moins les 15e et 16e siècles en Europe. Notamment, le fait que nous ayons même le concept d’artistes célèbres de la Renaissance est dû à Giorgio Vasari (1511-1574), un peintre et architecte toscan qui a publié une compilation de biographies d’artistes en 1550 (édition révisée en 1568). Cet article explorera les œuvres d’art et les biographies des artistes de la Renaissance les plus célèbres de l’histoire..

Artistes célèbres de la Renaissance

C’était une idée révolutionnaire que de considérer les peintres et les sculpteurs comme des individus, et il a recueilli et conservé des détails biographiques sur les artistes de la période de la Renaissance qui auraient autrement été perdus. En effet, c’est Vasari qui a inventé le terme rinascita, qui signifie « renaissance », identifiant les artistes humanistes de la période de la Renaissance travaillant en Italie. À ce titre, Vasari a été le premier théoricien à expliquer un regain d’intérêt pour l’art classique mettant l’accent sur la représentation des figures et des mouvements de manière naturaliste, un objectif qui s’est ensuite propagé vers le nord. Ci-dessous, nous avons répertorié les artistes de la Renaissance les plus célèbres de cette période.

Sculpteurs de Florence

Si les peintres font probablement partie des noms les plus célèbres qui nous sont parvenus, la Renaissance a commencé par la sculpture, et plus précisément à Florence, en Toscane. Il faut toutefois garder à l’esprit que si les sculpteurs florentins ont commencé à regarder la nature pour s’inspirer, ironiquement, ce nouvel objectif a été filtré par l’étude d’exemples existants. En d’autres termes, les artistes ne se sont pas tournés directement vers le monde naturel, mais plutôt vers les cultures anciennes en Italie.

L’expression artistique est passée du gothique tardif au début de la Renaissance comme résultat direct de la redécouverte d’anciens artefacts romains et grecs, enfouis depuis plus d’un millénaire sous le sol de l’Italie médiévale.

Donatello di Niccolò di Betto Bardi (1386 – 1466)

Bien que Vasari ait été quelque peu incertain quant à l’endroit où placer Donatello en termes de développement de la Renaissance, ce sculpteur et peintre a sûrement une vraie place au tout début. Donatello a certainement été le premier artiste de la période de la Renaissance à considérer la sculpture comme une occasion de réaliser des portraits individuels, comme cela avait été le cas à l’époque de la Grèce et de la Rome antiques. Bien qu’il ait toujours été moins célèbre que le grand triumvirat de Michel-Ange, Léonard et Raphaël, nous comprenons mieux aujourd’hui comment son travail reflète une évolution personnelle de la stylisation gothique tardive vers un nouvel intérêt pour le naturalisme.

Donatello a apporté à la sculpture une caractérisation presque psychologique.

Donatello, dans un portrait du XVe siècle par Paolo Uccello; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

En effet, au début des années 1980, lorsque les créateurs des Teenage Mutant Ninja Turtles ont décidé de donner à leurs quatre super-héros des noms italiens de la Renaissance, ils ont choisi Donatello comme quatrième super-héros, transformant ce sculpteur relativement inconnu en un autre nom de famille moderne.

De manière significative, le David en bronze de Donatello (vers les années 1440) est considéré comme le premier nu masculin grandeur nature après l’Antiquité et, bien que sa pose soit similaire à celle de son précédent David en marbre (vers 1409), les objectifs de naturalisme et d’individualisme de la Renaissance sont devenus beaucoup plus évidents.

Notamment, son David antérieur en marbre est encore de style gothique tardif, représenté avec des traits anonymes, tandis que le très léger contrapposto est beaucoup plus retenu, et l’égoïsme du David en bronze est absent. Dans le David en bronze, le chapeau et les bottes élaborés, juxtaposés à la nudité non dissimulée, sont une certaine marque de sensibilité humaniste, l’idée même d’expression personnelle.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475 – 1564)

Le lien entre la sculpture classique et les artistes de la Renaissance n’est pas plus évident que dans les sublimes productions du Toscan Michel-Ange, notamment dans le récit anecdotique de son incursion dans la falsification. À la fin du XVe siècle, on raconte que se retrouvant sans mécènes ni revenus, il réalisa une sculpture dont le sujet était le cupidon endormi.

Puis il l’a enterrée pour qu’elle se détériore plus rapidement. L’ayant déterrée à nouveau, il l’a vendue à un collectionneur avec un grand profit comme un artéfact ancien.

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Michelangelo Buonarroti (1475-1564) (c. 1545) par Daniele da Volterra, situé au Metropolitan Museum of Art à New York, États-Unis ; Attribué à Daniele da Volterra, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Cependant, l’acheteur Raffaele Riario a découvert l’escroquerie. Il a réprimandé le représentant de Michel-Ange, mais a pris le jeune Toscan talentueux sous son aile et l’a invité à Rome. L’histoire est peut-être tout simplement apocryphe, mais la façon dont elle se rapporte à l’obsession renouvelée pour les anciens est exacte. On dit que Michel-Ange visait à révéler la sculpture à partir de la plaque de marbre parfaite, en n’étudiant que la Nature et les Anciens.

Il est important de noter que Michel-Ange a réalisé une synthèse de l’iconographie chrétienne avec les idéaux classiques, plus particulièrement dans son monumental David à Florence et la légendaire Pietà dans la basilique Saint-Pierre à Rome.

Il faut cependant garder à l’esprit que si l’on peut voir dans sa sculpture la plus grande manifestation de ce que l’on appelle aujourd’hui la Haute Renaissance, il était néanmoins l’héritier de Donatello qui avait déjà posé les bases de ce grand style. Michel-Ange était également peintre, et a notamment passé cinq années tortueusement difficiles à livrer la peinture de la chapelle Sixtine pour le pape Jules II. De plus, comme de nombreux artistes célèbres de la Renaissance, Michel-Ange était également architecte. De manière significative, il a passé une grande partie des dernières années de sa longue vie à veiller à l’achèvement de la reconstruction de la basilique Saint-Pierre de Rome dans un style classique.

Peintres de Florence

La polyvalence des artistes toscans fait que beaucoup d’entre eux, comme Michel-Ange et Donatello, étaient à la fois sculpteurs et peintres. Un autre artiste florentin célèbre qui chevauchait les disciplines était Léonard de Vinci, bien qu’aucune sculpture existante ne lui ait jamais été définitivement attribuée. Il a été chargé de sculpter, en bronze, un cheval et un cavalier réalistes et monumentaux de style classique pour Ludovic Sforza, mais l’œuvre n’a jamais été achevée.

À mesure que la Renaissance progressait, cependant, certains artistes ont choisi d’être puristes, poursuivant des carrières de simples peintres, et, en effet, Léonard est répertorié ici dans la catégorie des peintres, car c’est pour cela qu’il est devenu célèbre.

Léonard de Vinci (1452 – 1520)

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Léonard de Vinci est sans aucun doute l’un des noms les plus célèbres de l’histoire de l’art occidental, même si, étonnamment, il n’a laissé que très peu d’œuvres d’art pour que le monde puisse en profiter ou pour que les érudits puissent les étudier, puisqu’une vingtaine d’œuvres en tout nous sont parvenues. De manière significative, la plus célèbre de son vivant est sans aucun doute la grande fresque La Cène (1492 – 1498) à Milan, bien qu’il ait également créé ce qui est aujourd’hui probablement la peinture la plus célèbre de la Renaissance, la Joconde (1505).

Mais c’est véritablement dans La Cène qu’il a réalisé les idéaux de l’humanisme de la Renaissance.

Autoportrait présumé de Léonard (c. 1510), situé dans la Bibliothèque royale de Turin à Turin, Italie ; Léonard de Vinci, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il a enhardi les leçons de perspective de Leon Battista Alberti (1404 – 1472), et formulé l’esprit de Donatello en peinture, appliquant magistralement les idéaux de l’individualisme. Dans La Cène, Léonard de Vinci manie l’espace avec une dextérité imaginative, capture des échanges personnels intimes et des mouvements physiques avec une maîtrise subtile, et crée treize portraits individuels exprimant le désir et l’émotion humaine.

Da Vinci a également réintroduit la peinture de nourriture, quelque chose qui avait intrigué les anciens Romains, et qui est exprimée comme étant complexe à l’histoire plutôt qu’exécutée simplement comme des accessoires en bois pour embellir une histoire chrétienne.

Sandro Botticelli (c. 1445 – 1510)

De la même façon que Donatello a été quelque peu éclipsé par Michel-Ange, la réputation de Botticelli en tant que peintre est souvent asservie à celle de Léonard de Vinci, peut-être parce que, comme Donatello, Botticelli a également chevauché le changement du style à formule de la sensibilité médiévale tardive vers l’humanisme de la Renaissance.

Pourtant, dans sa Naissance de Vénus (vers 1484 – 1486), Botticelli capture néanmoins l’expression symbolique de la façon dont les formes sculpturales de l’antiquité ont émergé comme nouvellement importantes pour les artistes italiens du Quattrocento.

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Notamment, on dit que la figure de Vénus sur la coquille Saint-Jacques est une référence directe à l’étude des textes classiques qui, comme les sculptures déterrées, étaient au cœur des préceptes de la culture humaniste de la Renaissance. En outre, ce qui est remarquable, c’est la taille de l’œuvre, un exploit d’imagination qui a apporté les avantages d’une œuvre d’art non fixée à la longue tradition de la fresque. Le léger balancement doux de la figure de Vénus suit de près le David antérieur de Donatello et est moins classiquement robuste que les représentations de femmes nues dans les œuvres de Michel-Ange qui ont suivi.

Adoration des Mages (vers 1476) par Sandro Botticelli, situé dans la Galerie des Offices à Florence, en Italie. Dans le coin inférieur droit, vers le bord de la scène, Botticelli s’est inclus dans l’œuvre, regardant vers le spectateur ; Sandro Botticelli, Domaine public, via Wikimedia Commons .

Botticelli a également peint des fresques pour la chapelle Sixtine, mais la plupart des gens ne le sauraient probablement pas, car leur importance a longtemps été éclipsée par les réalisations de Michel-Ange. Vers la fin de sa vie, Botticelli est tombé sous l’influence du prêtre anti-establishment incendiaire Savonarole, ce qui a tempéré sa trajectoire artistique.

Il était, rapporte Vasari, également réputé pour être un dépensier dont les derniers jours furent quelque peu impécunieux.

Pourtant, de tous les peintres italiens de la Renaissance, l’humanisme de Botticelli s’est formé davantage à partir de la littérature que du littéral, partisan du néoplatonisme il aurait néanmoins aussi été un grand enthousiaste des œuvres du poète médiéval Dante Alighieri (1265 – 1321).

Peintres célèbres de la période de la Renaissance originaires d’autres régions d’Italie

Tous les artistes cités ci-dessus sont soit nés à Florence, soit associés directement à Florence, bien que la plupart d’entre eux aient également passé du temps à Rome, de sorte que les idéaux de la Renaissance ont commencé à se répandre au-delà de Florence. Néanmoins, le plus jeune Raphaël est venu d’Urbino directement à Florence, et c’est là qu’il a rencontré pour la première fois le courant intellectuel de l’humanisme.

C’est seulement ensuite qu’il s’est rendu à Rome. Il a donc été particulièrement influencé par Léonard.

Raffaello Sanzio da Urbino (1483 – 1520)

Raphaël, qui a tragiquement vécu peu de temps, est l’un des premiers artistes de la Renaissance qui, chronologiquement, déplace notre attention de Florence. Bien qu’originaire d’Urbino dans les Marches d’Italie, Raphaël est devenu un peintre prospère de la Renaissance à Rome. Il était polyvalent, travailleur et observateur. Son image la plus célèbre est peut-être son autoportrait. Bien qu’il nous soit parvenu des portraits de Donatello, Michel-Ange et Léonard dans leurs vieilles années, vus par d’autres et aguerris par le temps et le labeur quotidien, ces artistes n’ont osé qu’insérer d’éventuelles images d’eux-mêmes cachées dans des œuvres d’art à plusieurs figures.

De manière significative, le petit autoportrait de Raphaël capture sa propre expression curieuse et constitue la représentation du jeune artiste réfléchissant sur lui-même.

Autoportrait (entre 1504 et 1506) de Raphaël, situé dans le palais Pitti à Florence, Italie; Raphaël, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il suit l’idéal classique d’enregistrer la personnalité du modèle, bien qu’il le transforme en un nouvel intérêt pour la subjectivité. Raphaël a encore démontré son talent pour le portrait individualiste dans sa fresque monumentale École d’Athènes (1511), notamment en répétant également un autoportrait similaire et, selon Vasari, en se regroupant dans cette même œuvre avec Bramante et Zoroastro.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco (c. 1477 – 1510)

Le tout aussi éphémère Giorgione est un autre peintre célèbre important de la Renaissance qui, comme Raphaël, n’était pas florentin. En effet, Giorgione a été l’un des premiers partisans du style Renaissance à Venise, bien que Vasari dise qu’il a rencontré Léonard de Vinci vers 1500, alors que ce dernier s’échappait de Milan dans le sillage des forces d’invasion françaises. Bien que Giorgione ait suivi les idéaux classiques du naturalisme dans sa peinture, il était aussi un artiste expressif.

Notamment, ses peintures les plus célèbres reflètent une interprétation presque de genre de sujets parfois assez obscurs, par exemple, La Tempête (vers 1508).

Autoportrait en David (c. 1508) par Giorgione, situé au musée Herzog Anton Ulrich de Braunschweig, en Allemagne ; Giorgione, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Pointé du doigt, on sait peu de choses sur le sujet de La Tempête, et les historiens de l’art ont consacré beaucoup d’efforts à réfléchir aux thèmes et aux intentions de l’artiste. Cependant, l’œuvre peut également être interprétée à un niveau superficiel, comme une forme précoce de réalisme.

Une paysanne s’arrête pour nourrir son enfant et un homme les rencontre par hasard, montrant le couple en train de regarder, tandis qu’à l’arrière-plan, une tempête se prépare.

L’œuvre est un exemple remarquablement précoce de paysage, que l’on voit également dans les œuvres de Léonard de Vinci, mais qui est plutôt plus réussi, étant moins ésotérique et obscur. Ici, Giorgione s’est intéressé à son environnement, en appliquant les règles de perspective d’Alberti, puis il s’est tourné vers la nature pour s’inspirer. C’est aussi un exemple italien assez précoce de peinture à l’huile pure sur toile.

Tiziano Vecellio di Gregorio (vers 1490 – 1576)

Titien était vénitien et a travaillé pour Giorgione en tant qu’assistant. Certes, au début de sa carrière, il était un partisan du style de la Haute Renaissance dans le nord de l’Italie. Pourtant, de tous les artistes mentionnés jusqu’à présent, c’est sans doute Titien qui a le plus influencé les styles importants ultérieurs de la peinture européenne, en particulier le baroque.

Parce que Titien produisait des portraits d’une force incroyable et abordait une variété de sujets mythologiques et chrétiens avec énergie et un maniement unique des matériaux, il a exercé une influence majeure sur Sir Peter Paul Rubens et Rembrandt.

Autoportrait (c. 1562) par le Titien, situé au Museo del Prado à Madrid, Espagne; Titien, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il est important de noter que l’un des premiers tableaux les plus célèbres de Titien, Sacred and Profane Love(1514), le définit comme un artiste de la Haute Renaissance qui était un puissant représentant de l’humanisme, tout en gardant à l’esprit les contraintes d’un classicisme idéal qui était tempéré par une doctrine et une sensibilité catholiques prédominantes. Cependant, à part l’évidence, une figure est vêtue et l’autre montrée nue, nous n’avons aucune indication réelle de la raison pour laquelle nous devrions considérer une représentation comme sacrée et l’autre comme profane.

Titien reflète même la couleur rouge dramatique et racée de la couverture de la dame nue dans la manche de la dame vêtue. En d’autres termes, la figure sacrée n’est pas représentée dans un blanc pur.

Titien apporte sa personnalité à ses tableaux, ce qui en effet n’était pas tout à fait le but de la Renaissance. L’individualisme de la Renaissance consistait à imprégner le sujet de réalité, et non à insérer le moi dans le sujet. Pourtant, des tableaux comme L’amour sacré et l’amour profane reflètent l’intérêt de ce célèbre artiste de la période de la Renaissance pour sa subjectivité, comme on le voit également dans l’autoportrait antérieur de Raphaël. De plus, il continue à imiter l’actualité énigmatique et ludique de Giorgione, que Titien transforme en une force personnelle expressive.

Peintres célèbres de la Renaissance en Europe du Nord

La manifestation des idéaux de la Renaissance en Europe du Nord s’est formée à partir d’une relation complexe avec les Italiens, en particulier les Florentins. La circulation des idées artistiques s’est faite principalement du sud vers le nord, les artistes du nord ressentant dès le XVe siècle l’attraction de l’Italie, plutôt que l’inverse. Cependant, les artistes flamands ont certainement été à la pointe de la peinture à l’huile bien plus tôt que les Florentins.

En effet, bien que Léonard ait été l’un des premiers à utiliser l’huile comme liant, il ne l’a jamais fait exclusivement sur un tableau avant la Joconde, c’est-à-dire déjà au 16e siècle.

Rogier van der Weyden (c. 1399 – 1464)

Rogier van der Weyden avait beaucoup de mécènes italiens, et on rapporte qu’il s’est rendu en Italie, plus précisément à Rome, vers 1450. Cependant, l’influence de la peinture italienne sur le style de peinture de Van Der Weyden serait minime, bien qu’il ait embrassé les idéologies des nouvelles visées de l’individualisme que nous appelons aujourd’hui la Renaissance. Van Der Weyden est connu pour avoir travaillé à partir de modèles vivants, étudiant de manière significative la nature de première main et apportant au style gothique tardif des Pays-Bas du Nord un nouvel accent sur le réalisme.

Sa Descente de la croix (vers 1435), aujourd’hui au Museo del Prado, est probablement l’un de ses chefs-d’œuvre les plus reconnaissables.

Descente de la Croix (c. 1435) par Rogier van der Weyden, situé au Museo del Prado à Madrid, Espagne ; Rogier van der Weyden, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Pour replacer ce tableau dans la perspective des célèbres chefs-d’œuvre de la Renaissance, il a été exécuté avant le David en bronze de Donatello. La composition est un tour de force de nudité masculine sculptée et représente de façon vivante des formes et des matériaux réalistes.

Les visages sont réalisés comme des portraits individualistes, résumant les personnalités et les émotions de personnes réelles.

Il se pourrait bien que l’un de ces portraits appartienne au véritable commanditaire de l’œuvre, une idée de réalisme simulé juxtaposé à l’iconographie chrétienne qui a trouvé son aboutissement dans l’Adoration des Mages (vers 1475) de Botticelli, peuplée comme elle l’est de membres de la famille et d’amis des Médicis. Notamment, cette idée a également été utilisée vers 1460 dans les fresques du Palazzo Medici réalisées par le moins connu Benozzo Gozzoli (1421 – 1497).

Jan van Eyck (c. 1390 – 1441)

Jan van Eyck est sans aucun doute le nom le plus important parmi les artistes célèbres de la Renaissance en Europe du Nord. Il était un peintre novateur et un représentant important des objectifs du naturalisme à cette époque. Cependant, à mesure que la tendance se déplace géographiquement vers le nord, la source de l’humanisme florentin, à savoir la sculpture et l’apprentissage de l’antiquité, devient moins évidente.

Il excelle dans le réalisme plus avec les objets qu’avec les personnes, et l’artiste contemporain David Hockney (2006) a beaucoup écrit sur l’utilisation possible de la camera obscura par Van Eyck.

Portrait d’un homme au turban (Autoportrait ? ) (1433) de Jan van Eyck, situé à la National Gallery de Londres, Royaume-Uni; Jan van Eyck, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le portrait de mariage Arnolfini (vers 1434) est l’une des peintures les plus célèbres de Van Eyck. Dans son livre Secret Knowledge (2004), David Hockney a soulevé la question de la perspective dans le lustre de The Arnolfini Marriage Portrait, qui est devenue le sujet d’un débat brûlant au cours de la première décennie de ce siècle.

Albrecht Dürer (c. 1471 – 1528)

Le dernier artiste de cet échantillon d’artistes célèbres de la Renaissance est l’inimitable Albrecht Dürer, dont on se souvient surtout comme d’un graveur, mais qui était aussi un peintre sublime avec une interprétation germanique particulière de l’humanisme de la Renaissance italienne. Il a également prêté attention à la spécificité tactile des tissus et des matériaux, tout en se concentrant sur la psychologie et l’expression individuelles dans ses portraits.

Les représentations massives d’Adam et Ève (vers 1507) de Dürer, aujourd’hui au Museo del Prado, sont extrêmement impressionnantes, notamment parce qu’il donne à chaque individu son propre panneau séparé, une innovation surprenante.

Autoportrait (1500) d’Albrecht Dürer, situé dans l’Alte Pinakothek de Munich, en Allemagne ; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons.

De nombreux autres artistes européens ont joui d’une relative renommée à l’époque de la Renaissance et après, bien que la période manque de diversité. Il n’y avait pas de femmes artistes à la Renaissance, et aucun homme de couleur n’est reconnu. Cependant, il existe de nombreux artistes de l’époque que nous considérerions aujourd’hui comme s’identifiant comme homosexuels, ce qui est devenu une sous-discipline importante dans la recherche en histoire de l’art sur les artistes célèbres de la Renaissance.

Questions fréquemment posées

Pourquoi les artistes florentins étaient-ils les artistes italiens les plus célèbres de la Renaissance?

Il y a deux raisons pour lesquelles les artistes florentins étaient plus célèbres que ceux de n’importe quelle autre région d’Italie, en tout cas au 15e siècle. Tout d’abord, le concile de Florence en 1435 a fait venir de nombreux érudits de Constantinople, où les textes classiques avaient longtemps été conservés chez les Grecs et les Arabes. Il y eut immédiatement un nouvel intérêt pour l’apprentissage individuel que l’on appelle aujourd’hui l’humanisme. Deuxièmement, Florence était un État riche dirigé par la famille Médicis, qui a versé d’énormes sommes d’argent pour soutenir et encourager les arts.

Pourquoi Léonard de Vinci est-il mort en France?

Léonard de Vinci a quitté Rome pour la France en 1516, à la demande du roi de France François Ier.Il vivait à Rome depuis trois ans mais n’avait jamais reçu de commission papale, car il était considéré comme peu fiable. Ainsi, alors que son peuple ne parvenait pas à apprécier pleinement ses talents, plus au nord de l’Europe, il était considéré comme un incroyable maître peintre.

Léonard de Vinci était-il plus célèbre que Michel-Ange de leur vivant?

Il ne fait aucun doute que Léonard de Vinci était moins célèbre que Michel-Ange, notamment parce que ce dernier excellait à la fois en peinture et en sculpture. En effet, Michel-Ange était prodigieusement travailleur ainsi qu’extrêmement longévif. Il était très apprécié au Vatican et fut chargé, dans ses dernières années, de terminer le projet de la nouvelle basilique Saint-Pierre.