Artistes Collage – Un regard sur l’art du collage et les artistes célébrés

Le collage, un terme inventé par Georges Braque et Pablo Picasso, est un médium qui trouve ses racines dans l’ère Dada. Ce médium est né de la nécessité de répondre au déluge de médias et de propagande de la Première Guerre mondiale, et a permis aux artistes de s’engager directement dans les articles de journaux, les magazines, les publicités et les photographies. Le collage était un moyen pour les artistes de critiquer les images dont la société était inondée, tout en créant quelque chose avec beaucoup de la main de l’artiste. Ce médium peut être aussi bien très sérieux qu’extrêmement ludique. Nous nous pencherons sur certains des artistes de collage les plus célèbres de l’histoire, ainsi que sur certains artistes de collage contemporains.

Qu’est-ce qu’un collage?

Comme nous l’avons mentionné ci-dessus, le terme collage a été inventé par Georges Braque et Pablo Picasso, lorsque les deux artistes ont commencé à s’envoyer des lettres qu’ils appelaient papiers collé. Découpant et déchirant les images qu’ils trouvaient, les deux artistes ont fait des compositions à partir de tout ce qu’ils pouvaient trouver – magazines, publicités et même emballages !

Ces compositions étaient ensuite collées ensemble, c’est pourquoi le terme collage, ou le français coller, se traduit directement par « coller ».

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Sans titre (Hamburg Elevated Train) (1929) de Kurt Schwitters, collage sur papier sur panneau ; Kurt Schwitters, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Célèbres artistes du collage dans l’histoire et au 21e siècle

Les artistes suivants font partie des artistes les plus importants qui ont travaillé avec des œuvres de collage. Leurs œuvres d’art montrent une grande variété de façons dont l’idée d’un collage peut être utilisée pour élargir à la fois le travail et la pratique d’un artiste.

Les artistes répertoriés ici sont divers en termes de style et d’époque, en commençant par les cubistes et les surréalistes comme les collages de papier d’Hannah Höch, jusqu’aux sculptures et assemblages contemporains. Nous explorerons la variété que le collage peut offrir en tant que forme d’art, des collages de Hannah Höch aux assemblages de Kurt Schwitters, et même des œuvres contemporaines comme les figures de pouvoir de Wangechi Mutu.

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Pablo Picasso était l’un des artistes les plus influents de l’histoire récente, vivant la majeure partie de sa vie en France et inventant de nombreuses techniques et mouvements nouveaux. Son œuvre est souvent classée en plusieurs périodes, en raison des différentes phases qu’il semble avoir traversées au cours de sa longue carrière. Il a notamment connu une période rose, une période bleue et une période cubiste. Malgré ses œuvres d’art étonnantes, Picasso avait une vie personnelle chaotique et était connu pour la façon dont il maltraitait les femmes.

Inspiré par Braque, Picasso a exploré le médium du collage tout au long de sa carrière, mais seulement pendant une courte période entre 1912 et 1915.

Photographie de Pablo Picasso, prise en janvier 1962 ; Argentine. Revista Vea y Lea, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’artiste a exploré les mélanges de nombreux matériaux différents, et cela se voit dans beaucoup de ses œuvres d’art. À partir de l’époque cubiste, les collages de Picasso contrastaient avec ses peintures, car le fait de coller des choses réelles permettait de surmonter la platitude des tableaux. L’utilisation d’objets du monde non pictural donnait aux œuvres d’art le sentiment d’être ancrées dans le monde réel, loin du monde de l’illusion.

L’œuvre d’art Still-Life with Chair Caning a été créée en 1912 et est l’un de ses premiers collages. Cette œuvre contient plusieurs objets représentés sous plusieurs angles en même temps, comme un verre à vin, vu de plusieurs côtés différents, presque au centre de l’œuvre. Il y a aussi la poignée d’un couteau sur le côté droit, et le couteau est en train de trancher un fruit qui semble être un citron. Le mot « Jou » est peint sur la gauche.

Ce mot se traduit par « jeu » en français, mais c’est aussi les trois premières lettres du mot journal, qui signifie « journal » en français. Il s’agit d’un véritable morceau de journal collé sur l’œuvre d’art et peint par-dessus. Les aspects peints de ce collage sont collés sur un morceau de cannage de chaise, un objet trouvé, et l’ensemble de l’œuvre est encadré avec de la corde.

Cette œuvre d’art contient de multiples pièces de matériaux toutes mises ensemble, et elle reste l’une des pièces de collage les plus remarquables jamais produites!

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Picasso :

• • Guitare, feuille de musique, et verre (1912)
  • Tête d’un homme avec un chapeau (1912)
  • Still Life avec la publicité (1913)
  • Guitare(1913)
  • Violon (1915)

Georges Braque (1882 – 1963)

Georges Braque et Pablo Picasso voyageaient ensemble à Sorgues lorsque Braque a pris du papier peint qu’il avait acheté plus tôt et a commencé à y coller d’autres œuvres d’art. Le papier peint était un type de papier qui imitait les caractéristiques du bois. L’artiste a ensuite pris les matériaux collés et a dessiné par-dessus avec du charbon de bois. Cela a abouti à l’œuvre d’art de 1912 Pichet à fruits et verre.

Braque était un peintre qui travaillait avec l’idée du trompe-l’œil (illusions d’optique) et cette fausse texture en bois, imprimée sur un papier lisse, a probablement amusé l’artiste.

Photographie de Georges Braque (1903), publiée dans le numéro de mai 1910 de Architectural Record ; Photographe non identifié, anonyme, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Dans l’œuvre d’art terminée, la texture du bois trouble l’œil et donne l’impression qu’il s’agit simultanément d’un premier plan et d’un arrière-plan. Ce type d’œuvre d’art est considéré comme un jeu de mots visuel, jouant avec le sens de l’espace du spectateur.

Le contenu du collage, comme les raisins et les poires, est à moitié reconnaissable, mais sert autrement de métaphore.

L’artiste était très intéressé par le cubisme, et cela se voit dans le contenu du collage. Le sujet est une nature morte, avec des raisins et des poires, dans ce qui semble être un bol, un plat et un verre à vin. Ces objets sont à moitié reconnaissables, stylisés et aplatis avec une certaine texture ajoutée par le fusain. Braque et Picasso étaient tous deux des artistes cubistes. Les textures du papier peint incluses dans ce dessin ont ajouté une autre couche de stylisation et d’expérimentation visuelle à l’œuvre d’art.

Cette œuvre d’art a inspiré Picasso à faire aussi des collages, et ce style est rapidement devenu populaire parmi les autres artistes parisiens.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Braque :

• • Maisons à l’Estaque (1908)
  • Violon et chandelier (1910)
  • Bouteille et poissons(1910 – 1912)
  • Le bol de raisins (1926)
  • Balustre et Grue (1938)

Kurt Schwitters (1887 – 1948)

Kurt Schwitters était célèbre pour avoir créé son propre style de collage, qu’il appelait les Merz Pictures (Merz était un mot absurde inventé par l’artiste). L’artiste a vécu en Allemagne pendant la Première Guerre mondiale, ce qui l’a profondément affecté. Il a créé les œuvres d’art Merz à la suite de ce qu’il considérait comme la fragmentation de la société qui s’est produite pendant la guerre. La vie telle qu’il la connaissait a été déchirée.

Il a utilisé l’idée de ces fragments en utilisant des fragments littéraux de papiers, de photos et d’autres matériaux pour refaire le monde avec ce qui restait de ces morceaux. Ces œuvres, telles que Picture avec centre lumineux (1919) sont porteuses d’espoir après la destruction de la guerre.

Merz Drawing 47 (1920) de Kurt Schwitters, collage sur panneau ; Kurt Schwitters, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’œuvre de collage la plus célèbre de Schwitters est probablement le Merzbau (1923 – 1937). Il s’agissait d’un collage tridimensionnel, ou de ce qu’on appelle désormais un assemblage, où l’artiste a modifié l’intérieur de sa maison familiale en collant des objets trouvés directement dans la structure d’un bâtiment.

À la fin, il y avait six pièces modifiées dans la maison, et elle est devenue une œuvre d’art vivante.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Schwitter :

• Merzbild 1A (Le psychiatre) (1919)
• Aphorisme (1923)
• (Difficile) (1943)
• Relief dans le soulagement (1945)
• Pour Kate (1947)

Hannah Höch (1889 – 1978)

L’une des artistes les plus significatives du médium du collage était Hannah Höch. Autre artiste allemande, Höch était connue pour avoir critiqué le gouvernement allemand de Weimar avec ses collages et ses photomontages. Les photomontages sont des collages réalisés spécifiquement en assemblant deux ou plusieurs photographies, en utilisant soit de la colle, soit en les travaillant dans la chambre noire avant qu’elles ne soient dans leur format final sur du papier photo (cette technique a été utilisée notamment par Dora Maar, dont nous parlerons plus tard !).

Hannah Höch a utilisé des images dans les médias populaires et s’est particulièrement concentrée sur les questions de genre. Elle est connue comme une pionnière féministe. Son célèbre collage, Coupé avec le couteau de cuisine Dada à travers la dernière époque culturelle de la bière de Weimar en Allemagne (1919), est un excellent exemple de sa critique du gouvernement et de la représentation des femmes dans les médias.

Photographie de Hannah Höch, prise en 1974 ; Dietmar Bührer (Wikipedia), CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons.

Elle a utilisé des coupures de journaux et a critiqué les valeurs racistes et sexistes du gouvernement de Weimar. L’œuvre d’art est séparée en deux sections – la section inférieure gauche représentant le mode de vie Dada, et la section supérieure droite affichant les attitudes anti-Dada qu’elle critiquait.

Près du milieu se trouve une image du Kaiser Wilhelm II, et autour de lui, des images de femmes qui patinent et dansent tandis que des hommes sont au garde-à-vous et font des actes violents. Entre les figures humaines se trouvent des machines, des bâtiments et des fragments de mots. Höch a remis en question les fondations sur lesquelles la République de Weimar a été construite.

Höch était considérée comme une artiste dégénérée par les nazis et elle a vécu une vie tranquille à Berlin vers la fin de sa vie, subissant la censure et luttant pour montrer ses œuvres.

Une autre de ses œuvres bien connues Das Schone Madchen (1920) explorait les questions féministes de la représentation des femmes par l’industrie de la beauté. Tout au long de sa vie, Höch a contesté la marginalisation des femmes en Allemagne et a utilisé les matériaux de cette marginalisation contre elle-même. Elle a utilisé les magazines de mode qui imposaient un idéal de beauté occidentalisé aux femmes allemandes pour déformer ces mêmes images.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Höch: :

• Dada-Review (1919)
• Couple de mariés bourgeois (querelle) (1919)
• Equilibre (1925)
• Die Joernalisten (1925)
• Die Braut (Pandora) (1924 – 1927)

Man Ray (1890 – 1976)

Man Ray était un artiste américain connu pour ses œuvres d’art surréalistes et dada. Il est bien connu pour ses photographies en noir et blanc. Son œuvre est marquée par les thèmes du hasard et de la spontanéité et a joué un rôle important dans le mouvement d’avant-garde. Man Ray a dit de façon célèbre qu’il ne travaillait pas avec de la peinture mais plutôt avec le médium de la lumière elle-même. Il utilisait des images et des objets et tentait de les abstraire et créait des compositions surréalistes.

Man Ray a créé ce qu’il appelait des rayographies, une combinaison de jeu de mots entre son propre nom et le mot « photographie ».

Les rayographes consistaient à créer des images en exposant directement le papier photosensible à des objets et des parties du corps. Cela signifie qu’il s’agissait de photographies créées sans appareil photo, mais presque avec le même état d’esprit que celui utilisé pour créer des collages avec de la colle.

Ce processus était plus automatique, ce qui convenait à l’artiste qui avait un profond intérêt pour le hasard.

Les rayographies comprennent de nombreuses œuvres d’art, comme Rayograph 033 (1923), dans lesquelles les objets utilisés dans la photographie deviennent si obscurs que l’image finale finit par être assez abstraite. D’autres rayographies incluent des objets ou des visages plus évidents, comme Rayograph with Gun and Stencil Letters (1924).

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Ray :

• Rayographe (Le baiser)(1922)
• Objet à détruire (1923)
• Le Violon d’Ingres (1924)
• Noire et Blance (1926)
• Temps de l’observatoire : Les Amoureux (1936)

Eileen Agar (1899 – 1991)

Connue pour ses peintures surréalistes, ses collages et ses chapeaux de cérémonie, Eileen Agar est une autre femme artiste surréaliste. Agar, ainsi que d’autres femmes surréalistes, ont utilisé le symbolisme pour reprendre leur pouvoir artistique à leurs homologues masculins qui ne voyaient souvent les femmes surréalistes que comme des muses pour leurs œuvres d’art. Cela ne convenait pas à Agar, et elle a commencé à utiliser des images telles que la Terre Mère, l’alchimie et la magie pour reprendre son pouvoir.

Agar a utilisé le symbolisme, comme les coquillages et la mer, dans son propre travail. La mer représentait, disait-elle, son propre pouvoir féminin. Dans son œuvre d’art en collage, Paysage érotique (1942), Agar a combiné des images de l’océan, notamment un rivage, des algues et quelques poissons, avec des images érotiques d’une femme nue. Associée à des formes abstraites, la composition est une métaphore animée et vivante de la puissance et du désir de l’artiste.

L’artiste est aussi connu pour avoir fabriqué des chapeaux de cérémonie. Ceux-ci ressemblaient davantage à des collages ou des assemblages à porter. Le Chapeau de cérémonie pour manger de la bouillabaisse (1937) est un chapeau de forme étrange qui est recouvert de textures et d’objets provenant de la mer. Ce chapeau a changé de forme au fil des années, et parfois il était grand et imposant, et d’autres fois il restait assez plat. Il existe plusieurs photos de l’artiste portant son chapeau au fil des années, où l’on peut voir ses différentes formes.

Cet objet d’art fonctionnel ajoutait un niveau de cérémonie et de folie chaque fois qu’elle le portait, et la marquait comme une vraie surréaliste dans l’âme.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres d’Agar :

• Pierres précieuses (1936)
• Double Take (1936)
• Angèle de l’anarchie (1936-40)
• Corbeille à poisson (1965)
• Bride de la mer (1979)

Dora Maar (1907 – 1997)

Dora Maar était une photographe, une peintre et une poète. Elle est connue comme l’une des amantes de Picasso, mais la jeune femme française était bien plus que cela. Elle est connue pour les photomontages qui ont fait d’elle un membre éminent du mouvement surréaliste.

Les photomontages de Maar étaient souvent utilisés dans les magazines de mode et pour d’autres démarches commerciales. Ses photographies remettaient en question les représentations des femmes dans les médias, avec des œuvres telles que Sans titre (photographie de mode) (1935) dans laquelle l’artiste a superposé l’image d’une femme dans une belle robe et a ajouté quelques étoiles, couvrant le visage du modèle et créant une composition surréaliste.

Ses collages et photomontages ont été inspirés par les thèmes surréalistes des rêves et de l’érotisme. Des œuvres comme Les années t’attendent (1935) représentent l’image d’une femme qui se tient le visage, avec une toile d’araignée autour d’elle. Cette image a été réalisée en utilisant deux expositions de film sur un morceau de papier photosensible dans la chambre noire. L’œuvre peut être considérée comme un commentaire sur l’idée de jeunesse et de beauté, mais peut aussi être interprétée d’autres façons – comme avec la mythologie grecque, où Arachné a rendu Aphrodite si jalouse qu’Aphrodite l’a transformée en araignée.

Maar a également dessiné dans certaines de ses photographies, notamment Femme assise de profil(inconnue) et Le buste habillé d’un corsage fait de motifs de tatouage dessinés sur la photographie(1930), où il y a des motifs de la propre main de l’artiste ajoutés dans la photographie.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Maar :

• Untitled (Hand-Shell)(1934)
• Sans Titre (1935)
• Le Simulateur (1936)
• Un objet unique (1936)
• Double portrait avec chapeau (1936 – 1937)

Nancy Spero (1926 – 2009)

En passant à l’ère de l’art contemporain, nous nous retrouvons parmi de célèbres artistes de collage de papier tels que Nancy Spero. Spero a affronté l’oppression avec son travail. Elle a utilisé une esthétique qui a défié la norme de ses pairs, en se concentrant sur le dessin et les collages à grande échelle.

Sa source d’inspiration était la représentation des femmes à travers l’histoire, et beaucoup de ses images rappellent des représentations historiques de femmes. Spero a utilisé la gravure et le dessin pour réaliser ses collages finaux, qu’elle a épinglés directement sur les murs des galeries.

Un exemple notable de son travail comprend Notes in Time (1979), une œuvre d’art de 200 pieds de long dans laquelle l’artiste a coupé et collé de nombreuses images et a également dessiné et peint par-dessus l’œuvre d’art avec du crayon et de la peinture gouache. L’œuvre d’art a une impression de parchemin qui donne l’impression qu’il doit y avoir une narration, mais finalement l’histoire se perd ou se déforme, comme la plupart des récits de l’histoire.

Une autre des œuvres les plus célèbres de l’artiste est l’œuvre de 2007 Maypole : Take no Prisoners. Il s’agit d’une sculpture de collage à grande échelle. Cette œuvre représente le « victimage », un mot inventé par l’artiste pour décrire le mouvement de la victime au protagoniste, qui est une constante dans l’histoire.

L’œuvre présente 200 têtes décapitées accrochées à des chaînes et des rubans, toutes reliées à un mât de mai – un objet utilisé dans les fêtes populaires pour marquer le passage du temps. La violence des visages décapités est une référence à la guerre du Vietnam, où les prisonniers de guerre étaient souvent décapités. Spero utilise le collage pour confronter la brutalité de la guerre et la façon dont elle a été utilisée pour opprimer.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Spero :

• Lovers (1962)
• La série des guerres (1966 – 1970)
• Codex Artaud XXIII (1972)
• Les heures de la nuit (1974)
• Licit Exp (1974)

Annegret Soltau (1946 – aujourd’hui)

Annegret Soltau, née en Allemagne, est connue pour ses portraits collés. Les images souvent dérangeantes qu’elle crée ne sont pas assemblées avec de la colle mais plutôt cousues. Dans l’œuvre d’art Selbst (1975), l’artiste a utilisé du fil pour attacher son propre visage, se couvrant presque entièrement de fil et a pris des photos de cela. Cela devient un autoportrait dans lequel l’artiste se fait du mal. Le fil devient une métaphore du fait d’être lié, inhibé ou obligé de se taire. L’artiste a également utilisé des photographies de portraits finis et les a pénétrés avec du fil, créant des lignes géométriques sur son visage.

Cependant, ses œuvres les plus célèbres sont ses collages, dans lesquels l’artiste épisse des portraits et les remet ensemble, mélangeant les traits avec des chats, des animaux et d’autres personnes. Elle les a ensuite combinés avec un fil épais qui ressemble à de gros points de suture moches.

Une autre de ses œuvres d’art en collage de papier les plus importantes est la série Generativ (1995-2005). L’artiste a utilisé des femmes intergénérationnelles, parfois des femmes de sa propre famille, et a recombiné leurs corps comme un commentaire sur le vieillissement. Dans cette série, le vieillissement est une chose générative – il est présent et cyclique. Ces œuvres peuvent être considérées comme une tentative de l’artiste d’intégrer les processus de la vie avec le corps et l’âme – montrant que tout est lié.

Son travail explore l’identité et l’interconnexion des femmes.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Soltau :

• Schwanger [Enceinte] (1977)
• Ausgeliefert [Vulnérable] (1978)
• Installation araignée (1978)
• Sich-fallen-lassen [Laisse-toi tomber] (1978 – 1986)
• Ich überstochen [Moi-même crevé] (1991)

Mark Bradford (1961- Aujourd’hui)

Mark Bradford est un artiste basé à Los Angeles. Bradford crée de grandes peintures abstraites en papier collé. L’œuvre est très stratifiée, tant avec le matériel réel qu’avec les sujets que l’artiste explore. Son art et sa vie sont tous deux consacrés à l’engagement social et il aborde les problèmes des communautés marginalisées. Il dirige souvent des initiatives pour créer une action sociale, comme Art+Practice, qui est une plateforme éducative à but non lucratif.

Récemment, les collages de Bradford ont été vus dans l’œuvre Pickett’s Charge (2021), où l’artiste a créé une installation de collage spécifique au site composée de huit grands panneaux.

L’artiste utilise des affiches, des papiers pigmentés et d’autres matériaux et les collent ensemble, puis retourne travailler sur les œuvres en les déchirant et en les ponçant. Pour Pickett’s Charge, les collages monumentaux remplissent l’espace du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, une réponse au Gettysburg Cyclorama, une peinture de Paul Dominique Philippoteaux. L’œuvre est une réaction humoristique à l’histoire du site.

Bradford a également représenté les États-Unis à la Biennale de Venise 2017 avec l’ensemble de l’œuvre Demain est un autre jour. Il s’agissait de cinq pièces remplies d’œuvres d’art, dont Spoiled Foot. Cette installation collée est une création massive suspendue au centre de la pièce.

Les spectateurs doivent la longer en se serrant contre le mur de l’espace de la galerie pour passer à la pièce suivante. Cette œuvre d’art est une métaphore des marginaux, qui doivent se déplacer contre le passage étroit alors que ceux qui ont le pouvoir occupent tout l’espace.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Bradford :

• Los Moscos (2004)
• Craque entre les planches (2014)
• Amendement n°8 (2014)
• Tuer l’adieu (2015)
• Duck Walk (2016)

Wangechi Mutu (1972 – aujourd’hui)

Wangechi Mutu est une artiste d’origine kényane qui vit et travaille depuis 20 ans à New York. Son travail traverse de nombreuses frontières de médium, où elle utilise le collage comme une facette de son travail. Ses autres travaux comprennent la sculpture, la vidéo et la performance.

Le thème principal de son travail traite de la façon dont les femmes noires vivent dans la société contemporaine – comment elles sont représentées et la violence de leur existence. Son travail est également centré sur la représentation de la féminité.

Mutu utilise l’imagerie de la maladie et des blessures horribles aux côtés d’images féminines stéréotypées pour créer des commentaires macabres et envoûtants sur ces thèmes. Son œuvre Histologie des différentes classes de tumeurs utérines (2005) représente des figures féminines déformées et remises ensemble dans des combinaisons inquiétantes. Les matériaux utilisés comprennent des images d’illustrations médicales, ainsi que des paillettes et de la fourrure. Cette œuvre fait référence à l’une de nos autres artistes mentionnées ci-dessus, Hannah Höch, qui a réalisé une série de collages intitulée From an Ethnographic Museumentre 1924 et 1930.

Les deux séries de ces artistes font référence à la façon dont les femmes sont représentées et à la violence causée par ces représentations. Mutu fait référence au collage comme une façon de dépeindre les brisures du monde, mais aussi comme une tentative de le reconstituer. Elle aime aussi beaucoup les différents matériaux, et la sculpture et le collage sont pour elle deux moyens de faire des combinaisons intéressantes.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de Mutu :

• Le Bourgeois tape sur ma tête(2004)
• Formes médico-légales (2004)
• The Ark Collection(2006)
• Love’s a Witch (2006)
• Homeward Bound (2010)

Vanessa German (1976 – aujourd’hui)

Vanessa German est une artiste américaine contemporaine qui travaille principalement avec des collages et des assemblages de sculptures. Ses sculptures les plus célèbres comprennent ce qu’elle appelle les power figures ou les tar babies. Ces figures féminines sont des assemblages de nombreux matériaux bizarres que l’artiste trouve là où elle vit. Elles sont modelées sur des sculptures Nkisi du Congo et véhiculent des thèmes de mysticisme, de féminisme, de spiritualité et de pouvoir noir.

La liste des matériaux de ces œuvres mentionne souvent non seulement les objets réels utilisés, mais devient également poétique et métaphorique, incluant des choses comme « des larmes » et « les noms de tous les garçons morts que je connais ».

L’artiste décrit la création de ses figures de pouvoir comme un acte d’amour de soi, de création de quelque chose à partir d’une communauté où la violence armée et les traumatismes sont extrêmement répandus. Dans Considering the End (2014), deux de ces figures de pouvoir se tiennent ensemble. L’une se tient sous le poids d’une canette de polish Flying Dutchman et d’un bateau jouet, tandis que l’autre porte une coiffe composée d’un zèbre en bois et d’un globe terrestre.

Au-dessus de ces derniers se trouvent deux petites figurines d’oiseaux, donnant l’espoir que ces oiseaux puissent s’envoler, emportant les lourds objets sur la tête des personnages.

Voici quelques-unes des autres œuvres d’art célèbres de German :

• Fromage américain blanc (2014)
• Forgiveness (2014)
• Nous.ne.pouvons.pas.être.avec.nos.corps (2017)
• Le Sang & ; les Animaux, le Miroir & ; le Ciel ; Une ode à la vérité non-langagière de l’être. (2017)
• MOTHER, MOTHER (2020)

L’art du collage ne se limite pas seulement au collage sur papier, mais il s’est avéré être un médium qui traverse les frontières du matériel et inspire de nombreux artistes du monde entier pour créer des œuvres d’art belles et significatives. Cette liste de 12 artistes de collage célèbres montre exactement les variations du médium, et comment différentes personnes peuvent réagir à la même idée.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce qu’un collage?

Un collage est une œuvre d’art qui est composée en collant ou en assemblant diverses images provenant de différentes sources. Celles-ci sont généralement sur papier, comme des journaux, des photographies, des publicités et d’autres sources.

Quelle est la différence entre un collage et un assemblage?

Un collage est généralement une œuvre bidimensionnelle sur papier ou support, tandis qu’un assemblage est souvent plus tridimensionnel et sculptural. La ligne entre les deux s’estompe souvent, lorsque les artistes ajoutent des éléments très tridimensionnels à un collage.

Le collage est-il un art ou un artisanat ?

Si le collage est un passe-temps amusant que tout le monde peut pratiquer, le collage est aussi une forme d’art sérieuse que de nombreux collagistes célèbres ont utilisé, et continuent d’utiliser, dans leurs pratiques artistiques.