Peinture Moyen Age – Découvre les célèbres peintures Medieval

L’ère de l’art médiéval, qui s’étend sur de nombreuses années et la montée et la chute de nombreux royaumes dans toute l’Europe, a commencé autour de la chute de l’Empire romain et ne s’est terminée que vers 1500 après J.-C. Malgré la grande différence de lieu et de temps entre plusieurs des œuvres d’art médiévales les plus importantes, la plupart d’entre elles sont liées en raison de l’accent mis sur l’imagerie religieuse chrétienne, avec un symbolisme partagé, et un éloignement de la période romane des formules structurées pour la représentation de l’imagerie religieuse. La fonction des œuvres d’art médiévales était de glorifier et de diffuser le message de la croyance chrétienne, mais il y avait aussi un accent formel sur la tentative de créer des représentations tridimensionnelles et plus vraies que nature de la forme humaine. Aujourd’hui, nous nous penchons sur dix des peintures médiévales les plus célèbres de l’histoire.

Quels sont les traits de la période artistique médiévale?

La période médiévale dans l’art a été marquée par l’utilisation de motifs élaborés, l’utilisation symbolique de la couleur et l’inclusion de grandes surfaces d’or dans les peintures. Les artistes commençaient à expérimenter la perspective et la tridimensionnalité. De nombreuses figures humaines dans leurs peintures n’étaient pas des représentations fidèles à la nature, mais il y avait une tentative croissante de trouver la meilleure façon possible de représenter les gens de façon naturaliste (ressemblant à des personnes réelles).

Les artistes médiévaux se sont lentement détachés des styles de peinture religieuse formelle des époques précédentes. Les peintures médiévales sont classées en différents types de peintures – notamment les fresques et les panneaux.

Les fresques sont des peintures murales sur du plâtre à la chaux humide – où la chaux humide est mélangée à la peinture et fusionne avec le mur comme si elles étaient sans couture. Les peintures sur panneaux sont réalisées sur des panneaux plats généralement en bois. Il existe d’autres types de supports que les artistes médiévaux ont utilisés pour leurs œuvres, comme la mosaïque, la sculpture et les manuscrits enluminés.

Panneau central de la Maestà (1308 – 1311) de Duccio di Buoninsegna ; Duccio di Buoninsegna, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Dix des plus importantes œuvres d’art médiévales

La période médiévale s’est étendue sur près de mille ans de création artistique, et il existe de nombreuses œuvres d’art importantes dans cette période. Nous nous concentrons seulement sur dix des œuvres d’art les plus importantes créées par certains des peintres médiévaux les plus importants.

Il est important de noter que si la plupart de ces artistes sont des hommes (ou inconnus), il y avait des femmes qui créaient de l’art au Moyen Âge. Cependant, elles sont difficiles à retrouver ou à rechercher car la plupart des femmes artistes de l’époque étaient des religieuses qui peignaient des manuscrits enluminés. La revendication de l’estime de leur travail n’était pas importante, car elles créaient des œuvres d’art comme un exercice religieux.

Diptyque de la Vierge et l’Enfant intronisés et de la Crucifixion (1275 – 1280) par Inconnu

Ce diptyque est un exemple précoce de peinture médiévale. Il est composé de deux tableaux de panneaux assemblés par des charnières. Cette peinture mystérieuse est très simpliste par rapport à certaines des œuvres d’art très chargées que nous verrons plus tard dans cette liste. Le panneau de gauche montre la Vierge Marie assise, tenant l’enfant Jésus dans ses bras. Le panneau de droite montre la crucifixion, avec deux pleureuses à ses côtés.

Ils sont très probablement la Vierge Marie et Marie-Madeleine ou Jean le Baptiste.

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Diptyque de la Vierge et de l’Enfant intronisés et de la Crucifixion (1275 – 1280) par un inconnu ; Art Institute of Chicago, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les deux panneaux ont des chérubins qui planent de chaque côté des figures centrales. Ce diptyque est petit et portable, et l’histoire de la peinture veut qu’il ait probablement été peint à Acre, un avant-poste des Croisés où les artistes se sont spécialisés dans la création d’images saintes. Celles-ci étaient faites de petite taille pour que les voyageurs puissent emporter leurs œuvres d’art partout où ils allaient. La personne qui a acheté l’œuvre d’art est peinte à gauche de la Vierge Marie.

Cette œuvre d’art montre un intérêt pour rendre l’œuvre tridimensionnelle, mais elle est encore assez plate. Le trône et la croix n’ont presque aucune expérimentation de la perspective.

Le corps crucifié du Christ, ainsi que les personnes en deuil, sont représentés de manière très émotionnelle. La Vierge Marie se réconforte, l’autre personne pleure dans sa main, et le visage du Christ montre une immense quantité d’émotion. Bien que les corps ne soient pas très naturalistes, les émotions qui y sont capturées sont vraiment stupéfiantes !

Santa Trinita Maestà (1283 – 1291) par Cimabue

Cimabue, dont on dit qu’il est le professeur de Giotto, l’un des artistes dont nous apprendrons bientôt l’existence, a également représenté la Madone avec l’enfant Jésus. La Santa Trinita Maestà de Cimabue est une autre belle peinture médiévale de la scène de la mère Marie et de l’enfant Jésus. Les figures de Cimabue sont également une tentative de plus grand naturalisme, mais pas encore aussi prononcée que dans l’œuvre de Giotto. La Madone est représentée vêtue de bleu, assise sur un trône détaillé, tenant l’enfant Jésus aux proportions étranges.

C’est une autre caractéristique classique de l’art médiéval – la déformation des corps des bébés. Les proportions de l’enfant Jésus ressemblent davantage à celles d’un personnage adulte, avec des bras et des jambes longs, mais une tête surdimensionnée. Ce bébé Jésus est également représenté avec une auréole autour de la tête, comme toutes les autres figures bibliques du tableau. C’était un moyen facile pour les artistes de nous montrer qui était un saint ou un ange.

La Mère Marie a aussi une auréole. Elle est au centre du panneau, directement sous le point central de la peinture. Il y a quatre anges de chaque côté de la Madone, les personnages ayant des poses symétriques, les mains de ceux du bas étant inclinées vers le bas et vers l’autre.

Santa Trinita Maestà (1283 – 1291) par Cimabue ; Cimabué, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les mains des autres anges pointent vers le haut. Ce type de composition est conçu pour toujours ramener nos yeux vers les personnages principaux. Le trône offre une plus grande sensation de profondeur, grâce aux lignes diagonales qui disparaissent derrière la figure assise. Les personnes au bas du tableau sont des prophètes.

Cette œuvre d’art a une chronologie contestée, comme on le voit souvent dans les exemples d’art médiéval. Ce genre de chronologie contestée doit être élaboré en regardant les autres œuvres de l’artiste avec des histoires enregistrées, et en comparant la progression du style et des compétences.

Cette œuvre d’art médiévale particulière a été comparée à l’œuvre d’art de Cimabue Maestà di Assisi (1285-1288), où des effets similaires ont été créés dans les plis des vêtements, ainsi que dans la façon dont il a créé une différence de taille entre Marie et les autres personnages du tableau.

Lamentation (Le deuil du Christ) (1304 – 1306) par Giotto

Centré sur la vie du Christ et de ses apôtres, l’artiste connu sous le nom de Giotto était l’un des artistes les plus remarquables de l’époque. Lamentation (Le deuil du Christ) est l’une des peintures les plus remarquables de toute l’ère artistique médiévale.

Nous examinons aujourd’hui trois des œuvres de Giotto, car ses œuvres étaient de très beaux exemples d’art médiéval. Cette fresque est peinte dans la chapelle Scrovegni à Padoue, en Italie. Elle a été peinte directement sur le mur intérieur nord de la chapelle, avec de nombreuses autres scènes religieuses, dans une série intitulée La vie du Christ.

Le tableau représente le moment juste après la mort du Christ, lorsque les apôtres et la Vierge Marie tenaient le corps du Christ décédé. Les personnages présents au premier plan sont couronnés d’auréoles dorées. Derrière eux, un groupe de personnes en deuil se tient debout, la tête penchée.

Lamentation (Le deuil du Christ) (1304 – 1306) de Giotto ; Giotto, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Au-dessus d’eux, sur un fond bleu texturé, dix anges volent, avec des ailes dorées et des pieds flous. La présence des anges aux côtés des personnes normales relie le Christ à la fois au Ciel et à l’humanité. Il y a aussi un arbre flétri en arrière-plan, qui symbolise la mort du Christ et la tragédie de cet événement.

Cette œuvre défie les normes des œuvres d’art antérieures de l’ère byzantine en raison du style naturaliste dans lequel elle a été peinte – avec des figures et des visages arrondis par des ombres et des dégradés.

Un autre aspect important de cette peinture est l’émotion dépeinte sur les visages des personnes en deuil et des anges, certains affichant beaucoup de drame dans leur douleur, comme le personnage (que l’on croit être Jean-Baptiste) avec les bras écartés et le visage déformé par l’agonie.

L’arrière-plan comprend également un sens de la perspective grâce à la ligne diagonale de l’horizon. Cela crée un sentiment d’espace que l’on ne voit pas souvent dans l’art byzantin précédent. Lamentation est une œuvre d’art médiévale montrant une rupture avec la tradition des œuvres d’art plus unidimensionnelles.

L’arrestation du Christ (Baiser de Judas) (1306) par Giotto

Cette composition spéciale est vraiment un chef-d’œuvre de création de mouvement, surtout pour une peinture médiévale. Giotto a ici représenté le moment où Judas a trahi le Christ avec un baiser, ce qui a conduit à son arrestation et à sa crucifixion. Il y a plusieurs zones de mouvement dans cette œuvre. Au centre, il y a le mouvement de la robe de Judas, son visage saisi dans l’instant qui précède le baiser fatal. Le personnage du Christ, sachant ce qui va se passer, semble calme malgré le chaos qui les entoure.

Dans ce tableau, Judas et le Christ sont pris dans un moment intense.

L’arrestation du Christ (Baiser de Judas) (1306) par Giotto; Giotto, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il y a aussi du mouvement dans les personnages du premier plan, notamment dans l’homme en rose qui désigne les deux personnages principaux, son bras ramenant le regard vers le Christ et Judas. Les bâtons et les armes tenus en l’air par tous les personnages créent également un sentiment de mouvement grâce aux lignes diagonales.

La profondeur de cette fresque est également extraordinaire. Les personnes, qui passent et sont peintes à moitié derrière ou devant les autres, créent un sentiment de profondeur et d’espace.

Il y a aussi de la rondeur dans leurs visages et leurs vêtements, surtout au premier plan du tableau. Il y a beaucoup de qualité émotionnelle dans l’œuvre. Il y a de la colère et de la peur parmi les personnages de l’arrière-plan, ainsi que de l’accusation dans les visages et les manières des soldats.

Mais nous avons surtout l’impression que la trahison et la douleur se produisent entre les deux personnages principaux. Judas semble décidé à agir, mais regrette immédiatement ce qu’il a fait par la suite, tandis que Jésus semble calme dans cette scène chaotique – peut-être attristé mais acceptant ce qui va se passer ensuite.

L’intensité du moment est vraiment capturée par Giotto, l’un des artistes médiévaux les plus remarquables.

Ognissanti Madonna (1310) par Giotto

Madone Enthronisée, ou la Madone d’Ognissanti, est l’une des autres peintures médiévales les plus célèbres de Giotto. Il y a un débat pour savoir si Giotto a réalisé cette œuvre ou si c’est un de ses apprentis, mais l’œuvre lui est créditée. Cette gracieuse peinture de la Vierge Marie tenant l’enfant Jésus est très bien conservée et constitue un excellent exemple de l’obsession de l’artiste à représenter les personnages en trois dimensions.

Cette peinture met en scène la Madone, un grand personnage sur un trône, entouré d’anges et d’autres personnages de la Bible. L’enfant Jésus est une fois de plus bizarrement proportionné, et notamment, sa main semble comiquement petite par rapport aux mains de sa mère.

Cette image montre également la façon typique dont la Vierge Marie était représentée – en bleu. C’était la façon traditionnelle de représenter la Vierge Marie en raison de sa pureté. La couleur bleue était réservée aux personnes les plus saintes dans les peintures du Moyen Âge. La couleur bleue était très rare, en raison de la rareté de la pierre avec laquelle elle était fabriquée – le lapis-lazuli.

Ognissanti Madonna (1310) de Giotto; Giotto, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les plis des vêtements de Marie sont également très réalistes, un marqueur du mouvement vers un plus grand naturalisme dans le style artistique. L’accent mis sur le style naturaliste est encore caractérisé par la raideur des personnages, qui était typique de l’époque byzantine.

La peinture est axée sur la symétrie, les saints sur le côté étant presque identiques les uns aux autres, tandis que la Madone et l’enfant Jésus sont le point central. De nombreux petits personnages les regardent directement, tandis que la teinte plus foncée du manteau de la Madone met également l’accent sur la Vierge Marie.

La main de l’enfant Jésus pointe également vers son visage, et elle devient ainsi le véritable point central de l’œuvre d’art. La Madone Enthronisée est vraiment un bel exemple du style de l’artiste Giotto (ou du moins, nous pensons qu’elle a été réalisée par lui !).

Christ sauvant Pierre de la noyade (1370) par Lorenzo Veneziano

Représentant l’une des scènes les plus connues de la Bible, Lorenzo Veneziano a peint cette scène de Jésus marchant sur l’eau pour sauver Pierre pendant que les autres disciples attendent à l’intérieur du bateau de pêche. L’accent de cette peinture est mis sur l’extrême droite, où le Christ s’accroche au poignet de Pierre.

Les lignes des personnages dans le bateau et les voiles du navire ramènent toutes au Christ et à Pierre.

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Christ sauvant Pierre de la noyade (1370) par Lorenzo Veneziano ; Lorenzo Veneziano, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il y a du mouvement dans ces lignes. Les bras qui pointent sont diagonaux, et la forme circulaire des voiles et les vagues sous le bateau créent une belle sensation de mouvement. Certaines parties de l’arrière-plan sont dorées. Le fond doré est une technique de peinture typique du Moyen-Âge dans laquelle tout l’arrière-plan est recouvert de feuilles d’or.

Dans cette peinture, certaines parties sont dorées et d’autres ont une teinte bleutée pour représenter l’eau de la mer. Et à gauche de la composition se trouve un homme assis sur la terre ferme, en train de pêcher. Cet homme est une partie intéressante du tableau.

Possiblement, l’homme pourrait signifier que l’humanité est toute incluse dans le message du tableau, qui était d’avoir la foi en Christ.

Le Diptyque de Wilton (1395 – 1399) par le Maître de Wilton

Le Diptyque de Wilton est une petite peinture sur panneau en diptyque reliée par des charnières. L’auteur de cette œuvre d’art n’est pas nommé, mais il est généralement connu sous le nom de Maître Wilton. Ce tableau a été créé pour le roi Richard II d’Angleterre, qui figure dans le tableau lui-même sous la forme d’un personnage agenouillé devant la Vierge Marie et l’enfant Jésus. Il est présenté au saint bébé par deux saints anglais, ainsi que par Jean le Baptiste. Ce type de peinture s’appelle une peinture de donateur, où le mécène de l’artiste est peint dans l’œuvre d’art. Dans ce cas, le roi Richard II est le donateur. Cela peut aussi être vu dans certains des autres tableaux de cette liste.

Le Diptyque de Wilton a été réalisé à la détrempe. C’est un mélange de jaune d’œuf et de pigments colorés – une technique qui existait bien avant que la peinture à l’huile ne devienne proéminente. Ce diptyque a également de grandes zones couvertes de feuilles d’or.

Les personnages du panneau de droite sont vêtus de bleu. La Vierge Marie est une fois de plus représentée avec du bleu, et les anges de ce tableau portent également du bleu. Les vêtements du roi Richard sont peints avec du vermillon. L’utilisation du lapis-lazuli (pour le bleu) et du vermillon montre que cette peinture était extrêmement coûteuse à réaliser.

Le Diptyque de Wilton (1395 – 1399) par le Maître de Wilton ; Galerie nationale, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Il y a des espaces à l’arrière-plan où l’artiste a également travaillé dans le panneau, puis l’a recouvert d’or. Cela crée un sentiment de grand détail dans la peinture. Le motif dans l’or a été réalisé avec un poinçon en métal. L’arrière-plan du panneau de droite est décoré d’un autre motif réalisé de la même manière.

Dans le panneau de droite, la Vierge Marie tient l’enfant Jésus dans ses bras et ils sont entourés de 11 anges. Ils se tiennent sur un champ vert couvert de fleurs, tandis que les personnes du panneau de gauche sont sur un sol nu. Il y a beaucoup de symbolisme dans les vêtements des personnes du panneau de gauche, avec beaucoup de choses pour identifier le roi et les saints, comme le cerf blanc du roi Richard II.

Les deux panneaux sont très différents. Le panneau de gauche est calme et formel, alors qu’à droite, il y a beaucoup de mouvement et d’énergie. Les ailes des anges et les plis de leurs vêtements créent un grand contraste tonal, ce qui rend la scène très tridimensionnelle. Il y a également une grande quantité de naturalisme dans leurs visages.

À droite, l’arrière-plan plus sombre crée également une sensation d’espace. Cela se fait aussi avec les plis des vêtements des saints. Il y a un sentiment de respect pour ce dont le roi est témoin dans l’autre panneau, et la qualité émotionnelle de cette peinture médiévale y fait également écho.

Paradiesgärtleins (1410) par le maître rhénan supérieur

Le Paradiesgärtleins, qui signifie le « Jardin du Paradis », est l’une des peintures sur panneau les plus vivement colorées de notre liste. La peinture a été réalisée par un autre artiste inconnu, appelé le Maître rhénan supérieur, à la fin de l’ère médiévale. Le Paradiesgärtleins est l’une des premières œuvres d’art connues à représenter la faune et la flore. Il y a 24 espèces de plantes et 12 espèces d’oiseaux. Le jardin montre la Vierge Marie assise, lisant un livre, tandis que des saints sont réunis et profitent du jardin.

Le sens de l’espace dans l’œuvre d’art est remarquable. La ligne diagonale du mur a créé une impression de quadrillage du jardin. Il y a aussi une tentative de rendre le mobilier tridimensionnel, en particulier la table à côté de Marie. La tasse et le bol sur la table sont un petit détail notable qui montre l’intérêt de l’artiste pour créer une perspective.

Paradiesgärtleins (1410) par le maître rhénan supérieur; Maître rhénan supérieur, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les personnages sont étonnamment ronds, avec des ombres et des angles différents qui montrent que l’artiste tentait de créer un effet naturaliste. Les plantes et les oiseaux sont également ombragés, et certaines feuilles des arbres sautent aux yeux tandis que d’autres sont plus sombres et s’effacent dans le fond. L’arbre dans le coin gauche du panneau est une autre belle tentative de tridimensionnalité.

Thématiquement, le Jardin du Paradis se rapporte à la fois à un rassemblement au paradis, mais aussi à ce que l’on appelle le Hortus Conclusus, ou le jardin fermé. C’est une allusion à la virginité de Marie. Ces thèmes se mêlent à l’imagerie réelle du jardin pour créer une scène merveilleusement tranquille.

La Trinité (vers 1411 – 1427) par Andrei Rublev

Andrei Rublev était un artiste médiéval russe, dans les années juste avant que la Renaissance ne jaillisse en Italie. La Trinité est considérée comme l’une des créations les plus importantes de l’art russe. Elle est considérée comme une icône de la Sainte Trinité, mais elle montre aussi trois anges qui sont allés voir Abraham, une autre histoire de la Bible. Les anges sont représentés assis à une table.

Leurs corps sont disposés de façon à ce que les lignes de leurs corps forment un cercle, ce qui permet au regard du spectateur de se déplacer sur leurs corps. Cette composition circulaire fait partie du symbolisme de la Sainte Trinité. Les personnages sont immobiles et calmes, avec un peu d’ombrage pour montrer leur tridimensionnalité, et une grande attention est accordée aux détails de leurs vêtements.

Il y a un bâtiment derrière l’ange à gauche, probablement la maison d’Abraham. Le bâtiment montre un intérêt pour la perspective, ce que nous pouvons constater car nous pouvons voir plus d’un côté du bâtiment. Il y a un angle avant du bâtiment, mais avec des lignes diagonales, l’artiste a montré le bas ainsi qu’un côté du bâtiment, exactement comme nos yeux l’auraient vu.

La Trinité (c. 1411 – 1427) par Andrei Rublev ; Andrei Rublev, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’arbre et la montagne sur le côté droit de l’arrière-plan font probablement référence au chêne de Mamré et au mont Moriah. Sur la table entre la Trinité se trouve un bol contenant une tête de veau. La peinture suit l’histoire selon laquelle trois anges ont rendu visite à Abraham, et il a abattu un veau pour célébrer leur visite. Ils ont ensuite annoncé que sa femme allait bientôt donner naissance à un fils.

Ce tableau a été réalisé en l’honneur de Saint Sergius de Radonezh. Il avait été un important chef religieux russe. Cette pièce merveilleuse était si précieuse qu’Ivan le Terrible a commandé un riza pour le tableau. Le riza, une couverture dorée pour une icône, a été fabriqué pour la protéger.

Les rizas ont été fabriquées avec des interstices pour que des parties de l’icône puissent encore être vues, et les visages des trois anges étaient toujours visibles par la riza. Cette œuvre d’art a été copiée deux fois, et d’autres rizas leur ont été commandées à ces occasions, chacune étant différente et célébrant cette belle peinture médiévale à sa manière.

Le retable de Gand (1432) par Hubert et Jan van Eyck

Connue comme l’œuvre d’art la plus volée de l’histoire, le Tableau d’autel de Gand des artistes médiévaux néerlandais Hubert et Jan van Eyck est probablement l’une des œuvres d’art médiévales les plus célèbres. Les van Eyck étaient des frères qui travaillaient ensemble, bien qu’il y ait un débat pour savoir quel frère a réalisé ce chef-d’œuvre. Le retable de Gand est connu comme un polyptyque – une œuvre d’art qui se compose de plusieurs pièces qui forment ensemble une image plus grande. Ce polyptyque se compose de plusieurs tableaux à panneaux, chacun représentant une instance ou une personne de la Bible, avec des scènes de l’Ancien et du Nouveau Testament.

Le retable intérieur est composé de deux sections verticales, ou registres, avec deux grands tableaux au milieu, et des sections plus petites attachées de chaque côté qui peuvent se déplier pour former la composition unique que tu peux voir dans l’œuvre d’art.

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Le panneau central montre le Dieu classique trônant, avec la Vierge Marie et Jean le Baptiste à côté de lui. Les panneaux à côté d’eux des deux côtés montrent des anges faisant de la musique, tandis que les panneaux aux extrémités représentent Adam et Eve séparément. Le panneau central du registre inférieur montre l’adoration de l’Agneau de Dieu, un nom classique pour le Christ. L’Agneau de Dieu est entouré d’anges, et les autres personnages du panneau sont des membres du clergé, des martyrs, des prophètes, des écrivains et des saints. Au centre se trouve la fontaine de vie, et la scène est remplie d’autres images religieuses.

Sur l’aile, les panneaux présentent des personnages qui s’approchent. Ce sont des chevaliers et des juges. La présence des juges a longtemps dérouté les historiens, car leur représentation était considérée comme une anomalie à l’époque.

La section ouverte du Tableau de Gand(1432) par Hubert et Jan van Eyck ; Jan van Eyck, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Lorsque le retable est fermé, il y a une image différente peinte à l’extérieur, que l’on appelle la vue fermée. Dans la vue fermée du retable, nous pouvons voir différentes figures représentées avec beaucoup de détails. Les personnages du haut tiennent des parchemins et des livres et sont considérés comme des prophètes et des sibylles qui ont prédit la naissance du Christ. La section du milieu présente l’ange, Gabriel. Il transmet le message selon lequel la Vierge Marie donnera naissance au Christ.

Il y a un espace vide qui suggère un espace symbolique pour la venue du Christ, mais c’est aussi un bel exemple de perspective et d’espace créé par les artistes médiévaux.

La section inférieure représente deux personnes et deux sculptures. Cela crée une astuce très intéressante, car on pourrait penser que seules les personnes en rouge pourraient être de vraies personnes, alors que toutes les autres ne sont que des peintures. Les personnages de la sculpture sont les deux Saint Jean, tandis que les personnages en rouge sont les mécènes qui ont payé les artistes pour créer le retable.

La section fermée du Tableau d’autel de Gand(1432) par Hubert et Jan van Eyck ; Hubert van Eyck, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Le retable contient une attention intense aux détails. Il y a de la profondeur dans les personnages et les objets, ainsi qu’un sentiment de tridimensionnalité qui montre que les artistes voulaient capturer la forme humaine naturaliste. Les détails sont vraiment époustouflants et montrent le soin que les artistes ont apporté aux meubles et aux objets pour montrer la grandeur du ciel, ainsi que la vulnérabilité des figures humaines telles qu’Adam et Eve.

La peinture dans sa totalité nous fait faire une pause et prendre notre temps pour regarder chaque détail, car il est impossible de tout absorber d’un seul coup d’œil.

Cet effet symbolise la vision de Dieu, qui est capable de tout voir en même temps (y compris les vastes détails des paysages de l’arrière-plan), alors que les yeux humains ne peuvent absolument pas faire de même. Ce chef-d’œuvre a été volé de nombreuses fois au cours de l’histoire et nous avons vraiment de la chance de pouvoir le regarder aujourd’hui !

Aujourd’hui, nous avons vu dix des œuvres d’art médiévales les plus influentes et les plus importantes. Bien que les œuvres d’art aient beaucoup de choses en commun – comme leurs thèmes religieux et certaines normes stylistiques – elles montrent aussi qu’il y avait beaucoup de diversité dans les représentations des artistes. Des peintures très simplistes et plates aux œuvres d’art très détaillées et émotionnellement intenses, les artistes médiévaux ont montré un désir ardent de croissance et de développement de leurs compétences et de leurs styles. La période d’art médiéval s’est terminée lorsque la Renaissance a commencé et que les artistes ont pu vraiment se concentrer sur la création avec une liberté jusque-là inimaginable!

Questions fréquemment posées

Qu’utilisait l’artiste médiéval pour peindre ?

Le mélange de peinture à la détrempe comprenait l’utilisation de pigments trouvés dans la terre, comme l’ocre rouge, la terre d’ombre, la chaux, le lapis-lazuli et le vermillon, mélangés à une matière liante comme les jaunes d’œufs.

Quand était la période médiévale?

Entre les années 500 et 1500 de notre ère s’étend toute la période de l’art médiéval. La majorité des œuvres d’art les plus célèbres proviennent de la dernière étape de l’ère médiévale, connue sous le nom d’ère gothique.

Qui était l’artiste médiéval le plus influent?

Giotto, qui faisait partie de la période artistique médiévale tardive, était l’un des peintres médiévaux les plus importants. Beaucoup de ses peintures sont considérées comme faisant partie des exemples d’art médiéval les plus importants qui existent aujourd’hui.