Albrecht Dürer – Maître de la Renaissance allemande

Qui était Albrecht Dürer ? Pionnier de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer était l’un des artistes et graveurs allemands les plus célèbres, reconnu pour sa contribution à l’impression de gravures sur bois, de gravures, d’eaux-fortes et de peintures. Dans cet article, nous allons nous plonger dans la vie et la carrière artistique de l’influent Albrecht Dürer, y compris son vaste corpus d’œuvres, qui est célébré pour son intégration des proportions, des mathématiques et des motifs classiques de la Renaissance du Nord. Nous répondrons également à des questions telles que « Pour quoi Albrecht Dürer est-il connu ? » et nous te recommanderons des livres de qualité pour une biographie complète d’Albrecht Dürer.

Une biographie d’Albrecht Dürer

Qui était Albrecht Dürer ? Où Albrecht Dürer est-il né ? Et pour quoi Albrecht Dürer est-il le plus connu ? Albrecht Dürer, artiste et maître graveur, était l’un des plus grands artistes allemands de la Renaissance de tous les temps. Ci-dessous, nous allons déballer une biographie complète d’Albrecht Dürer en fonction des principales réalisations de l’artiste allemand, de ses œuvres d’art et de ses contributions à la Renaissance nordique qui te feront tomber en admiration devant ce spectaculaire maître graveur !

.
.

Autoportrait par Albrecht Dürer (1498) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les débuts de l’artiste Albrecht Dürer

Né en 1471 à Nuremberg sous le Saint Empire romain germanique, Albrecht Dürer (1471-1528) est le fils de l’artiste allemand Albrecht Dürer l’Ancien (1427-1502), également connu sous le nom d’Albrecht Ajtósi, qui était un orfèvre réputé au cours du XVe siècle. La famille Dürer était nombreuse, Albrecht Dürer étant l’un des 17 enfants. Dürer l’aîné a épousé Holper après avoir obtenu sa qualification de maître et s’est ensuite installé à Nuremberg. L’un des frères d’Albrecht Dürer le Jeune, Hans Dürer, était également un artiste qui s’est formé auprès de leur père.

Le parrain de Dürer, Anton Koberger, s’est également imposé comme l’un des éditeurs et imprimeurs les plus accomplis d’Allemagne, possédant environ 24 presses d’imprimerie et de nombreux bureaux à la fois localement et dans toute l’Europe.

Il ne fait aucun doute que la famille Dürer a connu le succès dans les domaines de la peinture, de l’édition et de l’impression, et Albrecht Dürer peut donc être considéré comme le Dürer qui a combiné ce précieux réservoir de connaissances pour créer certaines des gravures et des peintures les plus emblématiques de la Renaissance nordique. Koberger était le principal éditeur à l’origine de la célèbre publication de 1493, la Chronique de Nuremberg, qui comprenait plus de 1 809 images gravées sur bois exécutées par l’atelier Wolgemut.

Une gravure sur bois représentant l’Egidienplatz à Nuremberg au début du 16e siècle avec l’imprimerie de Koberger à gauche ; Anton Coberger, Public domain, via Wikimedia Commons.

Dès son plus jeune âge, Dürer se montre prometteur à la fois en orfèvrerie et en dessin, mais privilégie plus tard le dessin à une carrière d’orfèvre et commence sa formation sous la houlette de Wolgemut à l’âge de 15 ans. L’atelier Wolgemut était l’un des meilleurs ateliers de gravure sur bois de Nuremberg, dirigé par Michael Wolgemut, qui était également un peintre et un graveur prolifique qui a aidé Dürer à obtenir une immense reconnaissance. Dürer était cité dans au moins plusieurs sources dès ses vingt ans. Tu parles de ne pas rater le coche !

Le premier autoportrait d’Albrecht Dürer a été réalisé alors qu’il n’avait que 13 ans, en utilisant une technique de dessin qui lui avait été transmise par son père. Son autoportrait est également le plus ancien dessin conservé intitulé Quand j’étais enfant et est daté de 1484.

Ce dessin est considéré comme le opus one de Dürer, l’artiste lui-même ayant remarqué que sa création avait contribué au développement de son œuvre. Quand j’étais enfant est un dessin à la pointe d’argent qui est exécuté en faisant glisser un fil ou une tige d’argent sur une surface préparée, généralement enduite d’apprêt ou de gesso. Cette technique de dessin est une pratique ancienne qui était utilisée principalement par les artisans, les scribes et les artistes et se définit comme un type de pointe de métal.

Quand j’étais jeune autoportrait à l’âge de 13 ans par Albrecht Dürer (1484) ; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons.

L’apprenti devient le maître : La vie après Wolgemut

À la fin de sa formation, Dürer a pris quelques années de césure, appelées en allemand wanderjahre, et définies comme la période pendant laquelle un apprenti rassemblait les compétences acquises auprès d’autres artistes du métier.

La wanderjahre de Dürer a duré quatre ans et il est passé à la pratique de l’art sous la direction de Martin Schongauer, qui était le graveur le plus célèbre d’Europe du Nord et qui est malheureusement décédé avant même que Dürer ne puisse arriver à Colmar.

Lorsqu’il est arrivé à Colmar, il a été accueilli par les frères de Schongauer, Caspar, Paul et Ludwig, ce dernier étant peintre. En 1493, Dürer se rend à Strasbourg où il découvre les talents de sculpteur de Nikolaus Gerhaert et c’est à cette époque qu’il réalise son premier autoportrait, actuellement conservé au Musée du Louvre. Dürer se rend ensuite à Bâle où il élit domicile chez un autre frère de Schongauer, Georg, et en 1494, il retourne à Nuremberg. Cette année-là, Dürer est déjà âgé de 23 ans.

Autoportrait d’Albrecht Dürer (1493) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Peu de temps après son retour dans sa ville natale, Dürer s’est marié par le biais d’un mariage arrangé avec Agnès Frey, avec laquelle il a connu un mariage tumultueux, avec des remarques de Dürer décrivant sa propre femme comme étant une « vieille corneille » et une « mégère ».

Selon un théoricien, Dürer aurait été soit bisexuel, soit homosexuel, avec des thèmes de sexualité de même sexe vus dans certaines de ses œuvres et des tons de désir exprimés dans la correspondance avec ses proches compagnons masculins.

À la lumière de son mariage malheureux, Dürer est parti pour l’Italie en moins de trois mois lors d’un voyage en solitaire après l’épidémie de peste à Nuremberg. Ce voyage témoignait suffisamment de son mépris pour sa relation avec Frey, qui a également été accusé par Willibald Pirckheimer, un ami de Dürer, d’être responsable de la mort prématurée de ce dernier.

My Agnes par Albrecht Dürer (c. 1494) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La poursuite implacable du bonheur : Italie

Après son départ turbulent et presque sans ménagement de sa femme à Nuremberg, Dürer s’est rendu dans les Alpes où il a plongé dans une exploration de l’aquarelle. L’une des œuvres qui lui reste de cette période est Nemesis (1502-1502), qui figure sur la liste des gravures les plus célèbres de Dürer.

Nemesis ou La Grande Fortune d’Albrecht Dürer (1501-1502) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’artiste bourlingueur s’est ensuite rendu à Venise où il a commencé à étudier et à s’immerger dans le paysage artistique plus large de l’Italie et à expérimenter des techniques telles que la gravure à la pointe sèche. Le voyage en Italie s’est avéré être l’entreprise artistique la plus influente que Dürer ait connue. C’est au cours de ce voyage qu’il a découvert le travail de Giovanni Bellini, qui était à l’époque l’un des principaux artistes de Venise et le chef de file révolutionnaire de la peinture vénitienne.

D’autres personnages clés qui ont influencé Dürer comprennent des artistes tels qu’Antonio del Pollaiuolo, Lorenzo di Credi et Andrea Mantegna.

En 1505, Dürer fait son deuxième voyage en Italie où il ravive son amour pour la peinture et crée une série spéciale de peintures réalisées à la détrempe sur des toiles de lin. La série comprenait à la fois des retables et des portraits, les œuvres les plus reconnues étant identifiées comme L’adoration des mages(1471-1528) et le retable de Paumgartner, qui a été commandé au début du 16ème siècle.

Adoration des Mages par Albrecht Dürer (c. 1504) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Lors de sa deuxième visite en Italie, Dürer avait déjà acquis une audience de masse et était incroyablement célèbre pour ses gravures. Il a également reçu une commande déterminante pour sa carrière de la part de l’église de San Bartolomeo pour la création du Feast of Rose Garlands, également connu sous le nom de Adoration de la Vierge (1506).

Le tableau présentait des portraits de divers membres de la communauté allemande de Venise complétés par l’influence de l’art italien. L’adoration de la Vierge (1506) a ensuite été déplacée à Prague après son acquisition par l’empereur du Saint Empire romain germanique, Rodolphe II.

Fête des guirlandes de roses par Albrecht Dürer (1506) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Les années Nuremberg

Avant le deuxième voyage de l’artiste en Italie et son statut élevé, son séjour à Nuremberg s’est avéré être une période de développement concernant la carrière de l’artiste dans la conception et l’impression de gravures sur bois. En 1495, Dürer a installé son atelier, ce qui était une exigence étrange à l’époque pour les individus mariés.

Le premier voyage de Dürer en Italie a été une telle source d’inspiration que les cinq années suivantes ont été menées par ses nouvelles lumières italiennes et l’adaptation des styles d’impression de gravure sur bois à partir des influences artistiques du Nord.

De nombreuses gravures sur bois de Dürer produites à la fin du XVe siècle représentaient des sujets religieux et des scènes profanes, comme on peut le voir dans la gravure sur bois de 1496 La maison de bain des hommes. Le talent de Dürer pour la composition et l’équilibre a été maîtrisé pendant cette période et est évident dans la disposition des figures et l’utilisation de la perspective dans ses estampes pour créer une scène complexe.

La production des blocs de bois pour le processus d’impression aurait été laissée à des spécialistes et à d’autres professionnels formés, par opposition à Dürer, un imprimeur établi, revenant à des tâches « subalternes ».

La maison de bain des hommes par Albrecht Dürer (1496) ; Albrecht Dürer, CC0, via Wikimedia Commons.

Ce n’est pas qu’il était au-dessus de revenir à des processus qui prennent du temps, plutôt, Dürer avait déjà amassé une compréhension profonde de l’artisanat depuis sa tutelle à l’atelier Wolgemut. Dürer concevait ses propres blocs de bois soit directement en gravant sur les panneaux de bois, soit en attachant un morceau de papier avec un dessin sur le bloc pour le graver.

Pendant le séjour de Dürer à Nuremberg, il a également appris à intégrer l’utilisation du burin pour produire ses gravures. Le burin désigne un outil de coupe en acier, également identifié comme un graveur ou un ciseau utilisé spécifiquement pour la gravure en taille-douce, la gravure sur bois et la gravure en relief. On pense que Dürer a été exposé à cet outil par l’intermédiaire de son père qui aurait utilisé un burin dans le cadre de son travail d’orfèvre.

Le mécène : Maximilien I

En 1512, l’empereur du Saint-Empire romain germanique Maximilien Ier devient le mécène de Dürer et lui commande Arche de triomphe, qui est une grande gravure sur bois créée à partir de 192 blocs de bois différents et inspirée du traité d’Horapollon, Hieroglyphica (5ème siècle). Parmi les autres contributeurs à cette importante commande, on compte Johannes Stabius qui a pris en charge le programme de conception, Jörg Kölderer, peintre de la cour et expert en construction, qui s’est chargé de la conception architecturale, et Hieronymous Andreae qui a supervisé le processus de gravure sur bois. Procession triomphale (vers 1515-1517) est également l’une des plus célèbres gravures sur bois d’Albrecht Dürer, commandée par Maximilien et imprimée à l’aide de plus de 130 blocs de gravure sur bois créés par plusieurs artistes.

Dürer avait également créé de nombreux portraits pour Maximilien jusqu’à sa mort en 1519. Malgré sa richesse, Maximilien était également connu pour ne pas payer ses artistes, mais il considérait Dürer comme l’un de ses meilleurs artistes.

Portrait du Saint Empereur romain Maximilien I par Albrecht Dürer (1519) ; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons.

En plus de participer à de multiples commandes et projets importants, Albrecht Dürer a également créé l’un des premiers livres publiés en lithographie, qui était un livre de prières imprimé pour l’empereur et publié vers 1808. Cependant, la progression de Dürer dans sa contribution à la version finale publiée a été interrompue pour des raisons inconnues et reprise par d’autres artistes tels que Hans Baldung et Lucas Cranach l’Ancien.

À cette époque, les artistes et les hommes instruits comme Dürer n’étaient pas souvent respectés dans les milieux nobles et Dürer lui-même a reconnu ce traitement et a déclaré qu’il était traité comme un parasite.

Maximilien a également défendu Dürer dans sa propre cour à une occasion où il avait pris note du fait que l’échelle de Dürer était trop courte et quelque peu instable. Maximilien a ordonné à l’un de ses nobles de soutenir l’échelle pour Dürer, mais le noble a refusé par discrimination envers l’artiste parce qu’il n’était pas noble. Maximilien lui-même est monté au créneau et a usé de son autorité en déclarant qu’il pouvait faire de n’importe quel paysan un noble, mais qu’il ne pouvait pas faire d’un noble un artiste comme Dürer.

Cette audacieuse démonstration de loyauté envers Dürer montre à quel point il était respecté par le roi et démontre le niveau d’influence qu’il avait sur des personnages aussi puissants.

Défis et mort

Vers la fin de la vie de Dürer, aux alentours de 1519, il est confronté à un déclin de sa santé ainsi qu’à une mauvaise vue et à de l’arthrite dans les mains, ce qui altère légèrement ses capacités ; pourtant, il continue à voyager avec son esprit agité. Au cours de cette période, Dürer a voyagé à la fois aux Pays-Bas et à Bruxelles pendant un an, puis s’est réinstallé à Nuremberg en 1521.

On pense qu’il a contracté la malaria à la suite de ce voyage, ce qui a entraîné une lente dégradation de sa santé et il a connu une période de fièvres fréquentes, au cours de laquelle sa production artistique a décliné. C’est également à cette époque qu’il a laissé un grand nombre de ses tableaux inachevés, mais a continué à peindre des œuvres plus petites.

Les quatre apôtres par Albrecht Dürer (1526) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Vers la fin de sa vie, la fascination de Dürer pour les sciences est plus prégnante et sa dernière œuvre d’art importante date de 1526, avec la création des Quatre apôtres. Dürer a persévéré malgré sa santé déclinante et a continué à publier des traités comportant ses propres gravures et illustrations. Il finit par s’éteindre dans sa ville natale en 1528, à l’âge de 56 ans, et ses biens sont transférés à sa veuve.

Le proche associé de Dürer, Pirckheimer, a fait inscrire sur la pierre tombale de Dürer une déclaration indiquant que « Ce qui était mortel chez Albrecht Dürer repose sous ce monticule ».

Dürer repose au cimetière de Johannisfriedhof à Nuremberg, en Allemagne. L’Académie des arts de Vienne détient également une mèche de cheveux de Dürer, qui était à l’origine un cadeau envoyé à l’un de ses élèves, Hans Baldung. Quoi qu’il en soit, l’héritage de Dürer résonnera toujours à travers l’histoire de l’art pour sa contribution à la gravure, à l’eau-forte, à la gravure sur bois et à la peinture.

Projets importants d’Albrecht Dürer

Tout au long de sa vie, Albrecht Dürer a eu un impact important sur la scène de l’estampe de la Renaissance nordique, mais il a également développé ses talents dans d’autres disciplines et projets qui ont contribué à soutenir sa carrière, sa réputation et son héritage. Voici quelques-uns des projets les plus remarquables d’Albrecht Dürer.

Traités : Mesure, fortification et proportion humaine

Dans le premier quart du XVIe siècle, Dürer a commencé à publier une série de traités qui exploraient les thèmes de la mesure, de la proportion divine et des sujets mathématiques qu’il jugeait essentiels au développement de tous les artistes.

Dürer, comme beaucoup de grands artistes de la Renaissance, pensait que la géométrie était la clé de la création d’œuvres harmonieuses et il privilégiait donc le mariage de l’art, de la science et des mathématiques comme la clé du succès.

Parmi les ouvrages qu’il a publiés figurent Quatre livres sur la mesure (1525), Traité sur la fortification (1527), et Quatre livres sur la proportion humaine (1528). L’humanisme a également largement contribué aux intérêts des artistes de la Renaissance et a invité à explorer le monde naturel, y compris les animaux, les plantes, les dernières découvertes et les créatures domestiques.

Les quatre livres sur la proportion humaine d’Albrecht Dürer (1528) ; Anagoria, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons.

Cartographie et astronomie

Dürer ne s’est pas limité à la gravure et à la peinture, mais il était aussi un artiste collaboratif qui n’avait pas peur de bifurquer vers d’autres domaines. On pourrait reconnaître l’importance de l’espace dans l’art avec ses liens avec l’illusionnisme pictural et une compréhension globale du monde qui nous entoure.

Dürer n’était pas étranger aux domaines de l’astronomie et de la cartographie, comme en témoigne son engagement auprès de Johannes Stabius, astronome de la cour de Vienne et cartographe autrichien qui a également soutenu Dürer pendant la crise financière.

Melencolia I par Albrecht Dürer (1514) ; Albrecht Dürer, CC0, via Wikimedia Commons.

Albrecht Dürer n’est pas seulement célébré comme un artiste allemand influent, mais il est également crédité d’être le cocréateur de la première carte du monde, créée en 1515 en partenariat avec Stabius.

Cette carte du monde était projetée sur une sphère géométrique et, la même année, le duo a reçu un autre collaborateur, Konrad Heinfogel, qui a aidé Dürer et Stabius à créer la première impression d’une carte céleste de l’hémisphère nord et de l’hémisphère sud. Il s’agit là d’un développement majeur de l’histoire qui a relancé le domaine de l’uranométrie en Europe.

Oeuvres d’art remarquables

L’art d’Albrecht Dürer s’étend sur une variété de supports, notamment la peinture, la gravure et l’écriture. Ses différentes expériences en Europe tout au long du XVIe siècle, ainsi que des contemporains tels que Léonard de Vinci et Raphaël, ont eu un impact important sur sa poursuite incessante de l’expansion de son utilisation de médiums tels que la gravure à l’eau-forte et l’impression de gravures sur bois.

Adam et Eve par Albrecht Dürer (1504) ; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons.

Parmi les gravures sur bois les plus célèbres d’Albrecht Dürer figurent des œuvres comme Saint Jérôme (1492), Le Christ portant la croix(1494), Le bain des hommes(vers 1496-1497), Les quatre cavaliers de l’Apocalypse(1496-1498), et La chute de l’homme(1509-1510).

Le talent de Dürer pour dépeindre les émotions humaines, les contrastes, la perspective et la lumière a été combiné à sa vision imaginative de nombreux thèmes religieux populaires, comme en témoignent les célèbres eaux-fortes et gravures d’Albrecht Dürer.

Ci-dessous, nous analyserons et discuterons de quelques gravures et peintures célèbres d’Albrecht Dürer qui mettent en évidence les compétences et l’influence que possédait l’artiste allemand.

Peintures d’Albrecht Dürer

Au début de sa carrière, Albrecht Dürer a manifesté un intérêt pour le dessin et a même assimilé le fusain à un sceptre, d’où son pouvoir. L’art était un pouvoir pour l’artiste allemand et il l’a démontré dans nombre de ses premières œuvres. Parmi ses premières œuvres, on trouve ses aquarelles et ses peintures à l’huile, que nous allons approfondir ci-dessous.

Le grand morceau de gazon (1503)

Le grand morceau de gazonest une peinture à l’aquarelle réalisée par Albrecht Dürer dans son atelier de Nuremberg. Le tableau contient un groupe pittoresque de plantes sauvages telles que le pissenlit, la véronique germandrée, les marguerites, l’herbe lisse des prés, la langue de poule, le grand plantain et l’achillée, qui font tous partie de l’exploration par Dürer du réalisme dans la nature.

Le Grand morceau de gazon par Albrecht Dürer (1503) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

La main de Dürer pour représenter des éléments naturels réalistes était magistrale, comme en témoignent la petite portion de terre visible et les racines des plantes, qui indiquent la conscience qu’avait Dürer de l’environnement naturel et son attention méticuleuse aux détails.

Bien que simple, cette peinture à l’aquarelle témoigne des années de pratique de Dürer dans ce domaine et de son appréciation de l’environnement naturel.

Salvator Mundi (vers 1505)

Cette peinture inachevée sur lin d’Albrecht Dürer est l’un de ses tableaux les plus célèbres, actuellement conservé au Metropolitan Museum of Art de New York. Cette image classique de Jésus-Christ tenant un orbe de cristal tout en levant la main droite pour la bénédiction est une image religieuse emblématique qui a également été créée précédemment par Léonard de Vinci vers 1490.

Le tableau a été créé vers 1505 et a été enregistré dans la collection de Willibald Imhoff comme « der Salvator », un tableau qui n’a pas été « tout à fait terminé par Albrecht Dürer ». L’élément qui ressort le plus est le visage inachevé du Christ sur le fond vert. Après la restauration du tableau en 1861, on a constaté que seuls l’arrière-plan, la draperie et les cheveux du Christ étaient terminés tandis que le globe de cristal était quelque peu abandonné à mi-chemin. Après cela, le propriétaire du tableau a tenté de terminer le tableau et a employé un restaurateur connu sous le nom d’Anton Deschler pour terminer le travail.

Salvator Mundi par Albrecht Dürer (avant 1505) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Salvator Mundi a finalement été nettoyé et restauré dans son état d’origine en 1940, ce qui a exposé d’autres zones inachevées. L’authenticité de l’œuvre appartenant à Albrecht Dürer ne faisait pas non plus de doute, car le sous-dessin du Christ et d’autres zones du tableau correspondaient aux compétences de l’artiste allemand. On pense que dans les premières étapes du dessin, Dürer a également accordé une grande attention au modelage de l’orbe en ce qui concerne l’éclairage et l’ombrage. Il a également décalé les contours de la draperie pour illustrer la réfraction de la lumière et son effet sur la draperie.

Ce qui rend cette peinture spéciale, c’est qu’elle est l’une des rares peintures qui contiennent des choix de conception minutieux tels que la réfraction de la lumière qui ne pouvait être trouvée que dans un nombre limité d’œuvres d’art de Dürer.

L’une des principales théories sur la raison pour laquelle Dürer aurait abandonné cette œuvre inclut le fait qu’il a probablement fui Nuremberg après l’apparition de la peste, cependant, tu seras peut-être davantage intrigué de savoir que, curieusement, c’est la seule peinture qu’il a abandonnée à l’époque. Cela aurait-il quelque chose à voir avec ses relations malheureuses à Nuremberg ?

Vierge et enfant avec sainte Anne (1519)

Vierge et enfant avec sainte Anne est l’une des plus célèbres peintures d’Albrecht Dürer du XVIe siècle qui montre son sujet de prédilection pour le médium de la peinture, la religion. Le tableau représente l’image emblématique de la Vierge Marie (Madone) avec Jésus-Christ (l’enfant) en bas âge et Sainte Anne assise plus haut dans le plan que dans les peintures traditionnelles de Sainte Anne, qui la montrent soutenant le Christ en position assise ou debout avec Jésus dans ses mains.

La Vierge et l’enfant avec sainte Anne ont été commandés par Leonhard Tucher basé à Nuremberg et le tableau est resté dans sa famille jusqu’en 1628. En 1630, le roi Maxmilien a acheté le tableau au cours de l’une de ses folies d’acquisition, en acquérant de nombreuses œuvres de Dürer pour les entreposer à Munich.

Avant cela, Maximilien avait refusé de croire que le tableau était une œuvre originale de Dürer et avait rejeté l’œuvre. L’œuvre avait ensuite fait l’objet d’une controverse peu de temps après son achat par Maximilien et avait été considérée comme une copie.

Vierge et enfant avec sainte Anne par Albrecht Dürer (1519) ; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le tableau est également appelé Anna selbdritt, ce qui se traduit directement par « Anne dans un groupe de trois » et était une œuvre incroyablement populaire à l’époque en raison de l’émergence du culte de sainte Anne, également comprise comme la mère de la Vierge. L’enfant Jésus endormi sert de motif à sa mort ultérieure et a très probablement été inspiré par Giovanni Bellini. La relation avec la mort ultérieure de Jésus est également soulignée dans l’utilisation par Dürer du bleu sur le visage de l’enfant, qui fait allusion à la mort.

Sainte Anne est représentée avec un regard distant qui reflète une préfiguration de la passion du Christ, sa main sur l’épaule de Marie agissant comme un geste de consolation plutôt que de félicitation. Grâce à ces décisions minutieuses concernant les expressions et les gestes des personnages, Dürer transmet avec justesse une méditation à vol d’oiseau sur l’arrivée du Christ et résume le récit dans cette scène recadrée.

Albrecht Dürer Gravures

Maintenant que nous avons examiné quelques peintures d’Albrecht Dürer, nous pouvons explorer quelques gravures célèbres d’Albrecht Dürer qui montrent la transition et le dévouement de Dürer à la gravure. Tu trouveras ci-dessous quelques-unes de ses gravures les plus célèbres du XVIe siècle qui te feront admirer l’habileté technique de l’artiste.

Die Vier Hexen (1497)

Die Vier Hexen traduit en anglais fait référence à la gravure d’Albrecht Dürer appelée les Quatre femmes nues et renvoie à la tentation érotique, à la sorcellerie et à la mythologie classique. L’estampe a été créée à une période pendant laquelle l’illustration de nus en gravure et en dessin était restreinte, cette œuvre était donc un geste audacieux de la part de Dürer.

L’estampe contient quatre femmes nues, chacune avec des coiffures différentes, debout dans un espace intérieur. Un petit diable apparaît sur la gauche et est censé symboliser le mal ; on le voit tenir un objet fabriqué avec de la ficelle et des bâtons. L’objet est vraisemblablement un dispositif utilisé pour la chasse au gibier ou aux oiseaux.

Die Vier Hexen par Albrecht Dürer (1497) ; Albrecht Dürer, Domaine public, via Wikimedia Commons.

L’utilisation de coiffures différentes sur les femmes indique qu’elles sont issues de milieux sociaux différents, car les coiffes étaient un signifiant du statut social à l’époque médiévale et au début de la Renaissance. À l’époque, Nuremberg était également un lieu où les femmes devaient suivre l’ordre social, régi par le conseil de Nuremberg. On voit le personnage de gauche porter un bonnet appelé haube, qui signale qu’il s’agit d’une femme mariée, tandis que la femme à l’extrême droite est parée d’un long voile plié appelé schleier, qui signifie qu’il s’agit d’une citoyenne de la classe moyenne.

Il y a plus dans cette gravure que la simple représentation de quatre femmes nues. Bien que les chercheurs ne connaissent pas entièrement les véritables intentions de Dürer derrière ses gravures, il a été théorisé que l’interprétation du sujet peut varier en fonction de la façon dont on le regarde. Certaines théories derrière les quatre femmes incluent la représentation des quatre saisons, des références à Aphrodite ou Vénus, la prostitution, les trois destins, les grâces, ou simplement quatre « sorcières ».

Compte tenu de l’exploration de la gravure par Dürer, il a peut-être choisi cette composition comme un moyen intéressant d’explorer le nu féminin à travers différentes classes sociales à une époque où la nudité était quelque peu censurée.

Le monstre marin (1498)

Cette gravure d’Albrecht Dürer de style antiquaire est l’une des premières estampes de l’artiste allemand qui illustre la créature marine mythique. Le sujet unique de cette gravure est ce qui l’a distinguée des autres et elle est bourrée de mouvement, d’action et de narration.

Le monstre marin réfère à un homme que l’on voit à l’extrême droite de l’estampe tenant un bouclier en écaille alors qu’il capture la femme à côté de lui.

L’homme semble avoir enlevé la femme à son amant, que l’on voit bouleversé par l’incident, debout sur le rivage à l’arrière-plan lointain. L’arrière-plan contient également une scène de campagne ou de village qui rehausse l’ensemble de la scène et lui donne un air de conte de fées.

Le monstre marin par Albrecht Dürer (1498) ; Albrecht Dürer, CC0, via Wikimedia Commons.

Une autre qualité admirable de la gravure est la représentation par Dürer des vagues au premier plan qui soulignent le fait que la scène se déroule au présent, comme si nous venions d’assister à l’enlèvement de la femme et à l’évasion de l’homme en train de jouer.

L’excellente utilisation par Dürer des techniques d’ombrage dans la gravure à travers une combinaison de lignes plus sombres et plus claires ainsi que d’espaces négatifs et positifs rend cette gravure pour le moins remarquable. La qualité imaginative de cette œuvre en fait véritablement l’une des meilleures gravures d’Albrecht Dürer.

Knight, Death, and the Devil (1513)

Conservé au Metropolitan Museum of Art de New York, Knight, Death, and the Devil (1513) a été créé pendant une période où Dürer a choisi de se concentrer uniquement sur la gravure. Connu comme le maître de la gravure proprement dite, Dürer a désigné cette estampe sous le nom de « cavalier » et s’est inspiré de l’image d’un soldat chrétien tirée des Instructions pour le soldat chrétien(1504) d’Érasme.

Un extrait des Instructions pour le soldat chrétien se lit comme suit : « Afin que tu ne sois pas détourné du chemin de la vertu parce qu’il semble rude et morne… et parce que tu dois constamment combattre trois ennemis injustes… la chair, le diable et le monde… cette troisième règle sera proposée : tous les spectres et fantômes qui te tombent dessus comme si tu étais dans les gorges mêmes de l’Hadès doivent être tenus pour rien à l’instar de l’Énée de Virgile… Ne regarde pas derrière toi ».

Le chevalier, la mort et le diable montre l’interprétation de Dürer d’un chevalier galopant devant la mort sur son cheval pâle.

Knight, Death, and the Devil by Albrecht Dürer (1513) ; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons.

Le chevalier sert d’incarnation physique à la vertu morale fondée sur la tradition italienne des portraits équestres héroïques, qui a inspiré le choix du sujet de Dürer et donne une indication sur le schéma de pensée de l’artiste. La mort est représentée avec un sablier dans la main symbolisant la brièveté de la vie. À l’extrême droite se trouvent un diable avec une tête de porc et un terrain vallonné en arrière-plan. L’image est sinistre et la technique de gravure experte de Dürer amplifie l’atmosphère de la scène.

D’autres gravures et eaux-fortes célèbres d’Albrecht Dürer comprennent des œuvres telles que Adam et Ève(1504), L’agonie dans le jardin(1515), et la série de la Passion gravée (1507-1513).

Du cocréateur de la première carte à son appréciation méticuleuse des sujets historiques, Albrecht Dürer est une figure légendaire. L’œuvre d’Albrecht Dürer en dit long lorsqu’il s’agit d’exprimer visuellement les intérêts personnels et les prouesses techniques de l’un des plus grands graveurs de l’histoire de l’art. La diversité des sujets traités par Dürer et son approche interdisciplinaire pour envisager les aspects importants de la culture de la Renaissance du Nord en Europe permettent non seulement de saisir l’essence de l’époque, mais aussi de démontrer une maîtrise du temps et de l’espace eux-mêmes.

Questions fréquemment posées

Combien de gravures sur bois Albrecht Dürer a-t-il créées?

Albrecht Dürer a créé plus de 300 gravures sur bois au cours de sa carrière. Son travail est toujours très admiré, ce qui fait de Dürer l’un des meilleurs graveurs de son époque.

Qu’est-ce qui a fait la renommée d’Albrecht Dürer?

Albrecht Dürer était connu pour sa maîtrise de l’estampe, en particulier de la gravure sur bois, de la gravure et de l’eau-forte. Il était également un maître dessinateur, un peintre et l’auteur de divers traités sur les proportions humaines et les sujets à caractère mathématique, ce qui a favorisé son développement artistique. Il est célèbre pour sa contribution au domaine de la gravure et pour les sujets de ses œuvres d’art impliquant des thèmes religieux, l’histoire et des paysages imaginatifs.

Où est né Albrecht Dürer?

Albrecht Dürer est né à Nuremberg, en Allemagne, le 21 mai 1471. C’est un peintre, un graveur et un imprimeur prolifique de la Renaissance allemande. Il revenait fréquemment dans sa ville natale après avoir voyagé à l’étranger dans d’autres régions d’Europe, notamment en Italie et à Munich.